Critique de Duplex, de Didier Caron, vu le 6 mars 2024 au Théâtre de Paris
Avec Corinne Touzet, Pascal Legitimus, Francis Perrin et Anny Duperey, mis en scène par Didier Caron

J’ai l’impression d’avoir écrit le même article il n’y a pas longtemps. Cet article où je commence en disant que j’avais des gros doutes sur le spectacle que j’avais choisi – c’était pour La Joconde parle enfin. Pour Le Duplex, ce ne sont pas des doutes que j’avais. C’était une certitude absolue. Ce spectacle ne m’était pas destinée. Mais pourquoi y aller quand même me direz-vous ? Mais parce que je suis un mouton, parce que je sais que ce sont de bons comédien et je ne peux pas m’empêche de me dire : « et si… ? ». Après tout, sur un malentendu, ça peut marcher.

Le duplex réunit deux couples de voisins, ceux du 6e, incarnés par Pascale Légitimus et Corinne Touzet, et ceux du 5e, ce sont Francis Perrin et Anny Duperey. Les voisins du 6e aimeraient bien agrandir leur appartement pour en faire un duplex, et pour cela racheter l’appartement du dessous. Seulement voilà : il est plus que probable que les voisins n’aient aucunement l’intention de vendre. La seule solution qui leur reste, c’est de les pousser au divorce.

J’adore ce genre de soirée. Et pourtant je pense que ça se joue à rien. Peut-être que dans un autre état d’esprit, je me serais complètement fermée à ce spectacle. Parce que le texte est à peu près comme je m’attendais : pas fou. Il y a pire, il y a les textes qui n’ont même pas d’essence dramaturgique, ce qui n’est pas le cas de celui-ci. Mais on ne vole pas très haut non plus. C’est le genre de texte devant lequel, à la manière d’une IA qui a déjà avalé un bon nombre de textes dans le genre, j’ai deviné en cinq minutes le dénouement du spectacle et je vois toutes les vannes arriver à des kilomètres. C’est le genre de texte qui peut me donner envie de partir – ou de dormir.

Et pourtant, loin de me braquer, je commence à sourire. Je ne peux pas dire que je m’ennuie. Je crois d’abord à l’effet « tant qu’on est là ». Je me retrouve à rire autant de la vanne que de sa bêtise ou de son culot. Mais pour ça, il a bien fallu que, quelque part, je me fasse attraper par la pièce. Que j’oublie de la repousser. Et je comprends vite la magie de ce qui est en train de se jouer. Je m’aperçois en fait que je suis beaucoup trop investie dans ce spectacle par rapport à ce que mon cerveau essaie de me faire croire. Ce n’est pas seulement de la curiosité.

D’abord, il faut dire mon bonheur de retrouver sur scène Anny Duperey. Lorsqu’elle est sur le plateau, je n’ai d’yeux que pour elle. Quelle légèreté. Quelle spontanéité. Quelle fraîcheur. Quelle irrévérence. Quelle lumière. Quelle classe. Quelle liberté. Quelle énergie. Quel souffle. Chacune de ses répliques est un délice. Chacun de ses mots se savoure. Sa diction a quelque chose de l’ordre du phrasé musical. Elle irradie. Elle semble flotter au-dessus du plateau. Elle est merveilleuse.

Mais Anny Duperey aussi incroyable soit-elle ne peut me faire passer du rien au tout. Il faut bien le reconnaître : je ne décroche pas. Et je dirais même plus : j’accroche. Ce qui se joue sous mes yeux a quelque chose de fascinant. En fait, je crois que je n’ai jamais vu des acteurs aussi bons sur un texte pareil. Ils le subliment. Il n’y a pas d’autre mot. C’est du grand art. Et, disons le carrément, ce n’est pas seulement du grand art d’arriver à faire autant avec aussi peu. Ils ne sont pas seulemnet excellent par rapport à leur matériau de base. Ils sont excellents tout courts. Je crois que ça faisait longtemps que je n’avais pas été face à un quatuor d’acteurs aussi bon. Ni passé une aussi bonne soirée. Voilà, c’est dit.

Moi qui croyais que j’avais besoin d’un texte avant tout, voilà l’exception qui confirme la règle. ♥ ♥ ♥

Le Duplex – Théâtre de Paris
15 rue Blanche, 75009 Paris
A partir de 20 €
Réservez sur BAM Ticket !

Critique de Palace, d’après la série télévisée de Jean-Michel Ribes, vu le 21 septembre 2019 au Théâtre de Paris
Avec Salim Bagayoko, Joséphine de Meaux, Salomé Dienis-Meulien,Mikaël Halimi, Magali Lange, Jocelyn Laurent, Philippe Magnan, Karina Marimon, Gwendal Marimoutou, Coline Omasson, Thibaut Orsoni, Simon Parmentier, Christian Pereira, Alexie Ribes, Rodolphe Sand, Emmanuelle Seguin, Anne-Elodie Sorlin, Alexandra Trovato, Eric Verdin, Philippe Vieux, Ben Akl, Armelle Gerbault, dans une mise en scène de Jean-Michel Ribes

Vous avez forcément entendu parler de l’adaptation scénique de Palace, et pour cause : le spectacle a été annoncé il y a plus d’un an et les billets sont en vente sur le site du spectacle depuis la saison dernière. Avec pareille communication, on avait droit de s’attendre à quelque chose de grand, et j’y allais avec envie : j’ai même passé mon après-midi à revoir ces épisodes que nous regardions en famille lorsque j’étais petite, et j’étais déjà dans l’ambiance avant même d’entrer dans la salle. Mais le pari de reprendre cette série culte n’est pas entièrement réussi.

Car Palace, c’est avant tout la série télévisée créée par Jean-Michel Ribes, diffusée dès 1988 et accueillant quelques-uns des plus grands acteurs de l’époque. On pouvait en effet y retrouver Jean Carmet, Pierre Arditi, Jacqueline Maillan, mais c’est aussi l’émission qui a lancé la carrière de Valérie Lemercier, inoubliable Lady Palace ! Tournée – comme son nom l’indique – dans un palace, c’est un enchaînement de conversations entre clients riches, ponctués par des séquences régulières, telles que les Brèves de comptoir ou Soyez Palace chez vous !

On ne va pas se mentir, il y a des choses qui fonctionnent, et qui fonctionnent même très bien : et du côté de la forme, notamment, la promesse est tenue. Les intermèdes animés par les grooms sont plutôt réussis et ils n’y sont pas allés à l’économie sur ces parties : ils font vraiment le show ! Chanteurs et danseurs créent l’illusion pendant les changements de décor et c’est plutôt impressionnant ! J’ai même ma petite Madeleine quand résonne pour la première fois la musique de la série. La magie prend. Cependant, j’ai regretté que certaines parties soient en play-back car c’est extrêmement visible et ça gâche l’engouement créé par ces parties live très entraînantes ! Ceci étant, ça permet aussi à certains comédiens qui ne connaissent pas les paroles de se fondre tranquillement dans la masse – mais on ne nommera personne !

Mais c’est plutôt le fond qui m’a posé problème. Pourtant, au début, j’étais vraiment emballée. J’ai beaucoup ri pendant les premières minutes du spectacles. Les sketchs choisis sont courts et entre-coupés de vannes qui s’enchaînent de manière très fluide. Et puis ce sketch au spa plombe un peu l’ambiance. Calme plat dans la salle. Difficile de repartir après ce raté. Le rythme s’empâte un peu. On est moins sur les échanges que sur des enchaînements de sketch. Or les passages choisis, je les connais. Si on peut oublier certains bons mots qui font les beaux jours des brèves de comptoirs et peuvent animer le spectacle sans problème, c’est plus difficile avec une saynète entière. Je les ai en mémoire, incarnés par les comédiens d’alors. Même mis au goût du jour – les migrants font leur apparition dans les discussions des clients – quelque chose ne prend pas. Est-ce la comparaison qui leur nuit, ou est-ce le sketch en lui-même qui a vieilli ? Difficile à dire.

Alors se pose la question : pourquoi donner sur scène cette série chère à nos coeurs ? Le spectacle risque d’avoir du mal à se positionner et à trouver son public : ceux qui connaissaient la série préfèreront ne pas prendre le risque de la voir rendue ici en demi-teinte, et les plus jeunes y verront une proposition vieillotte pas vraiment destinée à leur génération. Alors à ces deux générations-là, je n’ai plus qu’un conseil à donner : la série est disponible sur Youtube à cette adresse, alors faites-vous plaisir !

On a un peu envie de dire : tout ça pour ça… ♥ 

Critique de Vera, de Petr Zelenka, vu le 20 mars 2018 au Théâtre de Paris
Avec Karin Viard, Helena Noguerra, Lou Valentini, Rodolfo De Souza, Pierre Maillet / Jean-Luc Vincent et Marcial Di Fonzo Bo / Clément Sibony, dans une mise en scène de Marcial Di Fonzo Bo

Tout me tentait. Le thème, cette femme qui marche allègrement sur des cadavres et qui connaîtra une chute brutale et douloureuse ; la distribution, Karin Viard en tête, que j’avais hâte de découvrir sur les planches ; la mise en scène dont l’aspect burlesque et délirant éclatait à travers les photos ; Di Fonzo Bo, dont la mise en scène de Démons, bien que pas assez poussée à mon goût, me laisse quand même un souvenir marquant. Tout cela devait donner lieu à un grand spectacle qui aurait soulevé les foules se précipitant au Théâtre de Paris. J’avais tout faux.

Vera est une directrice de casting qui a le vent en poupe : au début du spectacle, sa société est rachetée par des Anglais qui la caressent dans le sens du poil mais ne manqueront pas de retourner leur veste au moindre faux pas. Caricaturale, Vera est une femme sans scrupule, presque sans une once d’humanité, que seule sa carrière semble intéresser. Le spectacle montre son ascension rapide et sa chute attendue, en la suivant dans son quotidien, tant professionnel que personnel.

Rapidement, on comprend que quelque chose ne va pas. Ça ne prend pas. L’histoire telle qu’elle est présentée, alourdie par des effets de mise en scène inutiles, manque d’intérêt. A trop se concentrer sur la forme, on en oublie le fond. Et la forme est pesante. Dès le début, la débauche de moyens étonne par sa complexité et sa futilité. Cachent-ils un manque d’idée de mise en scène ? Probable. L’ascenseur, les projections, les intermèdes chantés sont autant de poids ajoutés à chaque pied des comédiens qui s’enlisent peu à peu, submergés par le trop-plein d’artifices jusqu’à en oublier l’histoire.

C’est dommage, car je venais quand même voir une Karin Viard que j’admirais beaucoup et dont j’attendais une prestation hors du commun. Quelle déception de la voir si lisse, toujours en force dans les cris comme dans la gestuelle, comprimée dans certains costumes qui la desservent alors même qu’elle est impérieuse lorsqu’elle en change. De ce côté-là, le metteur en scène n’a pas été tendre, mais il n’a pas compensé par sa direction d’acteur, qui s’avère bien trop linéaire. Tous suivent une ligne caricaturale et sans grand intérêt, nous perdant rapidement au milieu de ces cris et mouvements incessants.

Voilà une Vera vraiment vaine. 

Critique de Comme à la maison, de Bénédicte Fossey et Éric Romand, vu le 2 novembre au Théâtre de Paris
Avec Annie Gregorio, Lisa Martino, Françoise Pinkwasser, Aude Thirion, Pierre-Olivier Mornas et Jeoffrey Bourdenet, dans une mise en scène de Pierre Cassignard

Décidément, cette saison, j’enchaîne les comédies cyniques sur les familles à éviter absolument ! Après La Perruche et Ramsès II, c’est dans Comme à la maison qu’on se retrouve au sein d’une famille un peu barjot pleine de secrets bien enfouis jusqu’ici mais qui vont un peu exploser au cours de ce déjeuner post-réveillon où toute la famille est réunie. Je m’abstiendrais d’en dévoiler davantage au risque de trop vous divulgacher le spectacle mais je préviens d’avance : âmes sensibles, s’abstenir !

Difficile de se faire un avis arrêté devant ce spectacle : on est en équilibre sur un fil et on penche sans arrêt de chaque côté : devant des blagues vraiment trash, on a du mal à rire franchement, et puis finalement une réplique passe un peu de pommade de manière à nous faire sortir ce rire qu’on retenait peut-être par la force. C’est un sentiment étrange que d’hésiter ainsi entre rire et s’indigner. Peut-être est-ce dû aussi à l’utilisation de ficelles parfois un peu lourdes du théâtre de boulevard qui fait qu’on n’arrive pas vraiment à lâcher prise devant ces situations extravagantes et franchement hardcore ?

Pourtant, si les situations sont parfois grotesques, on sent que niveau dialogue les auteurs se sont fait plaisir. Les échanges sont cyniques, insolents, parfois bien trouvés, souvent acerbes. On le comprend dès que le rideau se lève : les premières répliques d’Annie Grégorio imposent un rythme soutenu et des vannes piquantes qui fusent à chaque fin de dialogue. Les bases d’un bon boulevard sont là, et pourtant le spectacle semble se chercher encore : avec ces situations loufoques style humour anglais, ces répliques indigestes qui oscillent entre un rire francs et ces relations poisons qui ont un côté touchant devant l’humanité indéniable de chaque personnage, difficile de se positionner.

En vérité, je ne suis pas sûre que le spectacle tiendrait sans le bel ensemble de comédiens que Pierre Cassignard a réuni sur la scène de la Salle Réjane. Annie Grégorio mène la danse avec une verve impressionnante, sorte de monstre de pierre au coeur de velours. Sous sa carapace de mère indigne où elle enchaîne les (bons) mots les plus immoraux, on sent malgré tout une grande humanité, une peur de se dévoiler, une impossibilité à donner l’amour dont elle semble avoir été privée.

Tous oscillent ainsi entre l’être et le paraître ; Lisa Martino touche par son regard de l’enfant qui attend la récompense et la reconnaissance, Aude Thirion est une bru méprisée qui a su obtenir rapidement toute ma sympathie et un soutien sans faille tout le long du spectacle. Jeoffrey Bourdenet affiche le sourire en coin de celui qui a réussi mais parvient à montrer l’indicible. Heureusement, Françoise Pinkwasser vient raviver le tout avec un bel entrain et son regard apaisant est un échappatoire non négligeable. Enfin, Pierre-Olivier Mornas est sans nul doute le personnage qui nous met dans la situation la plus inconfortable. Il est gênant et sa situation dérange autant qu’elle indigne. Il est l’oiseau tombé du nid et sa détresse irradie le plateau à la manière d’une douleur diffuse.

Un spectacle oscillant entre caricature et humanité. ♥ ♥

Critique de La Perruche, de Audrey Schebat, vue le 6 octobre 2017 au Théâtre de Paris
Avec Arié Elmaleh et Barbara Schulz, dans une mise en scène de Audrey Schebat

Cette rentrée théâtrale est décidément sous le signe des retrouvailles : après le théâtre de la Madeleine, j’ai maintenant fait mon retour au théâtre de Paris après plus de 1 an et demi sans y mettre les pieds… Invitée par les Théâtres Parisiens Associés à voir La Perruche, la nouvelle création de la Salle Réjane, et curieuse de découvrir deux acteurs que je ne connaissais que de nom, c’est avec grand plaisir que j’ai retrouvé cette salle dans laquelle se joue un boulevard au ton parfois un peu cynique…

C’est le genre de pièce pour laquelle il est délicat de dévoiler le pitch car cela risquerait un peu de divulgâcher le spectacle. Je vais donc poser ici les bases de l’histoire, et vous allez tout de suite penser « c’est un spectacle que j’ai déjà vu 50 fois » mais en fait pas du tout ! Même s’il s’agit d’un couple qui attend un autre couple pour dîner et que ces derniers annulent pour cause de cambriolage, ce qui va amener notre premier couple à une petite séance d’introspection, on est loin d’un boulevard classique qui se retranche dans des situations connues d’avance…

En réalité, ce spectacle m’a rapidement fait penser à L’illusion conjugale – sans doute ma pièce préférée d’Éric Assous – car elle appartient à cette catégorie bien particulière qu’est le boulevard pensant. On croit venir voir une bonne comédie mais on ressort finalement avec de la matière à une certaine analyse, comme si un petit état des lieux de sa propre vie s’imposait. Si la situation est un peu longue à s’installer, on se rend vite compte que ça valait le coup, car ce qui suit est un condensé de vannes très bien trouvées, de critiques de la lâcheté de chacun dans le couple, de la bassesse des hommes et de la mauvaise foi des femmes.

En réalité, j’ai trouvé le regard sur chaque membre de ce couple tellement empli de véracité que je suis presque déçue par le choix de l’auteur/metteur en scène d’en avoir fait des caricatures. Avec un texte aussi bien trouvé, des personnages plus simples, des « monsieur tout le monde » auraient pu faire l’affaire. Cependant, Arié Elmaleh nous a lui-même avoués que « plus il jouait le connard, plus la salle riait ». Il faut dire que qu’il incarne un goujat de premier ordre, un petit bourgeois vite détestable entre son machisme et son manque d’ouverture d’esprit. A ses côtés, Barbara Schulz, sous ses airs premiers de gourdasse, se positionne finalement en défenseuse de la cause féminine et brille de son courage face à ses révélations sur son couple. Un duo qui, somme toute, fonctionne très bien !

Une belle analyse à la fois drôle et fine du couple qui pique un peu à certains moments… pour notre plus grand plaisir ! ♥ ♥ ♥

Critique de L’Envers du Décor, de Florian Zeller, vu le 23 janvier 2016 au Théâtre de Paris
Avec Daniel Auteuil, Valérie Bonneton, François-Éric Gendron, et Pauline Lefèvre, dans une mise en scène de Daniel Auteuil

Parfois, je suis un mouton. Comme quand je prends des places pour une comédie de Florian Zeller, alors que tous ses spectacles précédents m’avaient déplu (et je parle en connaissance de cause, j’ai vu La Vérité, Le Mensonge, Le Père, et La Mère). Je sais pertinemment que je n’aime pas son écriture, qu’elle n’a su m’atteindre que légèrement lors du Père, et ce grâce au talent de Robert Hirsch. Et je sais que ses comédies sont lourdes, vulgaires, faciles. Dans La Vérité comme dans Le Mensonge, c’était Pierre Arditi qui essayait de porter la pièce. Mais Arditi ne se donne plus comme avant, son public est acquis et il se contente de faire du Arditi. Ce qui n’est pas du tout le cas de Daniel Auteuil : grâce à cet acteur, j’ai passé ce soir-là, une excellente soirée.

Comme toujours dans les comédies de Zeller, l’histoire est la même : elle met en scène deux couples et un dîner (je suis mauvaise, ce canevas ne concerne que Le Mensonge). Isabelle et Daniel ont invité Patrick et sa nouvelle compagne Emma, de vingt ans sa cadette. Daniel craint la réaction d’Isabelle, la meilleure amie de Laurence, l’ex-femme de Patrick, devant cette jeune femme belle, séduisante, sexy. Toute la soirée, Daniel oscillera entre jalousie de son ami et tentatives désespérées de détendre l’atmosphère.

Aucun doute possible, c’est bien du Zeller. C’est facile, parfois vulgaire, encore que peu répétitif pour une fois. Les personnages sont complètement caricaturaux, mais on l’oublie vite. Finalement, ce n’est plus pour le texte qu’on est là. On l’oublie à peu près à la 5e minute de la pièce, lorsque Daniel Auteuil nous arrache un rire qui ne nous quittera plus jusqu’aux 3/4 de la pièce. Ce rire, j’ai eu du mal à l’accepter, car c’est rare que je desserre les dents devant du Zeller. Mais devant tant d’habileté et de clownerie, comment ne pas succomber ! Daniel Auteuil est tout simplement divin, et chacune de ses répliques se conclut en un rire général. Le voir jouer dans une pièce si facile, forcément, ça irrite un peu. A le voir si heureux sur scène, à se donner autant, on l’attendrait dans de grands classiques : à quand Daniel Auteuil dans un Beckett ?

J’essaie de comprendre comment un spectacle qu’en réalité j’ai déjà vu 3 fois ne m’a plu que la troisième fois ; car rien n’a changé entre cette pièce et Le Mensonge. Zeller ne s’est pas refait une plume, le contenu est toujours aussi vide et caricatural. En réalité, je pense que c’est entièrement dû au talent de Daniel Auteuil, qui signe également la mise en scène. Là où Arditi ne donne plus rien de lui-même, Daniel Auteuil donne tout et ose bien plus que son prédécesseur. Il transforme le texte de Zeller à sa sauce, et en fait tout autre chose : ce n’est plus du théâtre, c’est au bord du clownesque. Et c’est la raison pour laquelle on n’entend plus vraiment le texte et on reste bien plus sur la gestuelle, les mimiques, le tempo parfaits. Impressionnants.

Pas de doute, la pièce est écrite pour lui : les autres acteurs ne sont que des faire-valoir de son jeu. Bien dommage d’ailleurs, car bien que sa partition soit réduite, Valérie Bonneton se révèle géniale en femme jalouse et quelque peu manipulatrice. François-Éric Gendron n’est pas en reste, tout à fait convaincant en ami riche et qui expose sa richesse et son bonheur. Pauline Lefèvre est parfaitement son personnage, et on comprend facilement l’irritation de Valérie Bonneton face à cette femme immense, mince, aguicheuse, l’air un peu simple.

Malheureusement, le talent – que dis-je, le génie ! – de Daniel Auteuil ne peut toujours dépasser la simplicité de Zeller, et le rire retombe lors de la dernière scène. C’est dommage, j’aurais aimé une conclusion brillante, et cette morale bourgeoise, qui permet de réconcilier notre couple de stars, tombe totalement à plat. On retrouve ici le Zeller qu’on connaissait, malheureusement bien trop facile pour donner quelque chose de grand.

Un spectacle porté par l’immense Auteuil, grâce à qui on passe une excellente soirée. ♥ ♥ ♥