Critique des Caprices de Marianne, vu au Vingtième Théâtre, le 28 février 2015 (par Complice de MDT)
Mise en scène Stéphane Peyran, avec Guillaume Bienvenu, Axel Blind, Robin Laporte, Gil Geisweiller, Robin Laporte, Stéphane Peyran, Colette Teissèdre, Margaux Van den Plas. 

Stéphane Peyran signe ici sa première mise en scène (à ma connaissance), et joue le rôle principal : celui d’Octave.

Il a choisi de mettre au jour la violence de la pièce, de l’obscénité agressive du Carnaval (un peu too much à mon goût), à la violence qu’exerce un Claudio au physique de lutteur sur sa jeune épouse. Le décor, d’inspiration gothique, est inquiétant, avec la herse qui défend la maison de Claudio, et se lève en grinçant, la scène le plus souvent peu éclairée. Les musiques de liaison entre les scènes sont à dessein fortes et stridentes. L’option est bien tenue, voire soulignée.

Les costumes, soignés, ne cherchent pas l’unité temporelle, mais la signification symbolique : la robe de Marianne est « bleu burka », Coelio est en habit noir comme un jeune romantique, sa mère en robe Renaissance signifiant le passé, Octave est vêtu de couleurs chaudes et porte sur l’épaule un manteau qui évoque l’habit d’Arlequin.

Le décor unique, sur lequel s’explique un peu confusément Stéphane Peyran dans sa déclaration d’intention, n’est pas toujours cohérent : comment Marianne pourrait-elle renverser les tables du cabaret, en pleine rue, alors qu’elle vient d’être brutalisée et menacée par son mari ?

L’accent est sans conteste mis sur le couple Coelio/Octave. Le physique des acteurs oppose ces deux personnages : Guillaume Bienvenu, longiligne et pâle, est un excellent Coelio, comme amoureux de la mort ; Stéphane Peyran avec son physique plébéien, ses bonnes joues, paraît au début être un Octave improbable, qui incline vers le truculent. L’alcoolisme du personnage est visiblement une clé de lecture pour l’acteur-metteur en scène. Pourquoi pas ? La gravité qui l’envahit face à ses responsabilités est d’autant plus surprenante, et il nous émeut réellement à la fin de la pièce.

On peut faire des réserves sur le spectacle, qui est encore un peu vert et deviendra certainement plus nerveux. Le rythme est un peu languissant : les changement d’accessoires sont longs, les entrées sur scène manquent de punch, ce qui peut donner l’impression d’assister à des scènes détachées, voire à des exercices d’école (on ne « sent » pas le hors-scène, si important dans cette pièce). La réserve principale est sur le personnage de Marianne, qui n’est pas bien dirigé : l’actrice joue en force, et crie trop. Dans le programme, Stéphane Peyran insiste à juste titre sur le caractère féministe de la pièce, avec cette Marianne qui se libère de la tutelle, exprime à la fois son besoin d’amour, de respect et d’autonomie, mais il n’a pas réussi à donner une vérité au personnage. Il est vrai que le rôle de Marianne est très difficile, car le personnage est instable, évolutif et mystérieux, mais peut-être faudrait-il un autre Octave pour que les revirements de Marianne soient plus crédibles. Stéphane Peyran a mieux réussi la relation Octave/Coelio que la relation Marianne/Octave.

Avec leurs imperfections, ces Caprices sont néanmoins un spectacle de bonne tenue, porté par une troupe solide (Axel Blind et Gil Geisweiller dessinent bien leurs personnages, Colette Teissèdre est une mère belle et digne) et qui devrait se bonifier au fil des représentations.

Stéphane Peyran nous donne accès au désespoir funèbre de Musset, et cela touche. ♥ ♥ 

Critique de Ferré Ferrat Farré, vu le 30 août 2013 au Vingtième Théâtre
Avec Jean-Paul Farré, Florence Hennequin, et Benoît Urbain

Quel plaisir de commencer ainsi la nouvelle saison théâtrale : une salle que j’aime beaucoup mais où je n’étais pas allée depuis un petit bout de temps, un grand acteur et chanteur sur cette scène que je connais si bien, et des chansons à texte … Cela ne pouvait être que bien. Mais à quel point, finalement ?
Jean-Paul Farré est un véritable personnage ; voix particulièrement reconnaissable, cheveux longs, petite personne, il ne faut pas longtemps à qui ne le connaît pas pour tomber sous son charme. Dès qu’il entre sur scène, il sait capter notre attention ; sa présence est indéniable. Son talent ne se limitant donc pas à la musique (on l’avait adoré dans Les 12 pianos d’Hercule il y a quelques années), le spectacle se déroulera également autour d’une petite histoire. Farré se transforme en candidat à la présidence de la chanson poélitique : les chansons porteront donc sur plusieurs thèmes définis en début de spectacle, et l’alternance entre Ferré, Ferrat, et Farré se fait sans choquer nos oreilles sensibles, puisque les chansons sont entrecoupées de brefs dialogues.
Comme on pouvait s’y attendre, tout ce qui est chanté est impeccable … en excluant 2 légers trous du comédien, après tout nous étions à la première et l’erreur est humaine, je pense n’avoir rien à redire. Les chansons sont excellement choisies, c’est-à-dire qu’il parvient à montrer la variété d’écriture des deux auteurs qu’il nous présente : je ne connaissais Ferrat qu’en belles chansons d’amour, et je lui ai découvert d’autres facettes bien inattendues (mais je n’en dis pas plus !). Et puis il faut avouer que Farré a une superbe voix, profonde, roulant ses [r], transmettant chaque émotion jusqu’à me mettre la larme à l’oeil. Une petite objection cependant : il nous présente lors de son spectacle des chansons qu’il a lui même composées (musique et paroles). Si c’est un très bon parolier, et qu’on salue particulièrement sa chanson sur le guide parisien des théâtres, ce n’est pas un excellent compositeur, et la mélodie manque de quelque chose. Bien dommage, car aux côtés de Ferré et de Ferrat, cela fait tache.
Aux côtés de Farré, la violoncelliste et le pianiste jouent le jeu : ils donnent la réplique à Farré lorsqu’ils ne l’accompagnent pas à l’instrument. Inutile de préciser que chacun maîtrise parfaitement son domaine … par contre, j’ai beaucoup apprécié leur participation aux spectacle, vivante et pleine d’entrain ! Malgré tout, je reste un peu sur ma faim. Le spectacle m’apparaît comme « brouillon », il ne semble pas totalement terminé et quelques arrangements seraient encore appréciés. Une histoire tournant autour d’un meeting, pourquoi pas, mais peut-être pourrait-on aller plus au fond des choses ? 

Un spectacle très conseillé pour qui aime la chanson française, ou souhaite découvrir un grand acteur français quelque peu extravagant ! ♥ ♥

Critique de La Sublime Revanche, de Camille Germser, vue le 10 novembre 2011 au Vingtième Théâtre.

Voici une pièce bien étrange. Ce n’est même pas une pièce à proprement parler … L’argument-prétexte qui a été utilisé pour créer ce spectacle est celui d’un groupe de jeunes femmes, danseuses dans différents cabarets parisiens, qui fondait en 1973 un syndicat aux ambitions manifestement féministes pour relever certaines valeurs dans l’exercice de leur travail et se réapproprier corps et spectacle. Elles furent toutes licenciées. Un an plus tard, ces danseuses se retrouvèrent pour monter leur propre revue. Ce spectacle fit salle comble et scandale durant trois mois, au Théâtre du Soupirail, à Paris.

Mais je parle d’un argument-prétexte, car qui peut me confirmer que tout cela est bien réel ? 

[ Veuillez m’excusez pour ce retard (ou, comme on dirait dans Ce qui arrive et ce qu’on attend de JM Besset, « c’est pas du retard, c’est de l’humiliation ! »), mais j’ai eu les 2 semaines les plus chargées du trimestre. L’article sera donc court … ]

Le spectacle débute donc sur une présentation du groupe, et plusieurs numéros, se rapprochant de numéros de cabarets, des actrices présentes sur scène. De la danse, du chant, une ventriloque, de la nage dans l’air, bref, tout y passe. Mais bien vite, lors d’un changement de décor, une des femmes sort du lot et invite une spectatrice, chaussant du 38 ou 39, sur scène. Et la dite spectatrice restera durant tout le spectacle sur scène, avec les actrices, portant les mêmes costumes qu’elles, tentant quelques pas de danse. Premier questionnement : est-ce vraiment du hasard ?

Puis, lors d’un autre changement de décor ce me semble, ou du même, c’est cette fois-ci un homme qui est appelé à monter sur scène, et qui est ou devient complice lors d’un tour de cartes. Deuxième questionnement : quand et comment a-t-il su quelle carte choisir ?

Enfin, vers le milieu du spectacle, tout s’arrête. Comme ça. Et les actrices décident de répondre à des questions que les spectateurs vont leur poser … Troisième questionnement : les questions sont-ellespréparées à l’avance ?

Somme toute, beaucoup de questions restées sans réponse … la voix de Simone Hérault est-elletrafiquée, ou a-t-elle réellement participé au projet ? L’histoire est-elle un prétexte pour créer ce spectacle ?

Mention spéciale aux costumes, simplement magnifiques.

Mouais. Bof.

Critique de Dorian Gray, d’après Oscar Wilde, vu le 24 août au Vingtième Théâtre
Avec Gregory Benchenafi, Gilles Nicoleau, Laurent Maurel, Caroline Devismes et Stefan Corbin, mis en scène par Thomas Le Douarec

J’avais déjà vu le spectacle à Avignon … mais à Paris en Août, les spectacles n’abondent pas. Et comme j’aime assister aux premières ; que je n’avais pas détesté la pièce, et que cela faisait 8 jours que je n’étais pas allée au théâtre … « allez, on y retourne ! »

C’est l’histoire de Dorian Gray… un jeune homme, très beau, qui rencontre un peintre, nommé Basil, lors d’un soirée organisée par une lady … Ils deviennent amis, et Basil, subjugué par la beauté de son nouveau camarade, lui propose de peindre son portrait grandeur nature. Dorian accepte. Mais alors qu’il pose, sir Henry, dit Harry, ami de longue date de Basil, lui rend visite. Et cette rencontre entre Dorian et Harry change tout pour notre jeune héros … en effet, Harry complimente d’abord Dorian sur sa beauté, mais il lui tient également des discours étonnants sur la jeunesse … discours qui vont décider le beau jeune homme à échanger son âme contre la jeunesse éternelle … Et cela s’opère au moyen de son tableau ; il change de « place » avec celui-ci, dans la mesure où Dorian gardera toujours sa jeunesse et sa beauté, il ne changera pas au fil des années, alors que son tableau vieillira, et portera les marques de la noirceur de son âme …

L’histoire est merveilleuse. Rien n’est changé, ils ont juste supprimé une scène présente dans le célèbre roman d’Oscar Wilde, ce qui n’empêche en rien la compréhension de l’histoire. Pour expliquer mes impressions, je vais devoir séparer la pièce en plusieurs parties.

Tout d’abord, le début. Le lancement de la pièce. Pour tout vous avouer, j’ai ri. J’ai ri car ils en font trop, j’ai ri car cette scène, juste avant de rentrer dans l’histoire, semble inutile, j’ai ri car la morale « de surface » (celle à laquelle le lecteur pense en premier, avant d’approfondir la question et de se rendre compte que l’auteur a fait passer plus d’une idée dans son roman), plutôt implicite dans le roman, est déclarée ici haut et fort, à plusieurs reprises, ce qui donne un effet un peu lourd … « L’âme est un bien précieux, on peut l’acheter et la vendre … » 1 fois, d’accord. Mais quand les acteurs, avec des capes noires, dans une ambiance (musique, lumières) sombre, le répètent sans s’arrêter … Non, vraiment, je n’ai pas trouvé cela intéressant, cela n’apportait rien … le texte peut parler de lui même, et, si la pièce est bien faite, le spectateur doit parvenir à trouver, seul, cette morale. Mais ce détail, je l’accorde, n’est pas non plus d’une importance capitale ; le metteur en scène a fait un choix, il doit donc y avoir une raison. Je ne m’attarde donc plus sur ce point.

La pièce commence. J’étais à la première, les acteurs sont tendus, raides, et ne parviennent pas à entrer dans leur rôle – enfin, c’est l’impression qu’ils donnent. Malgré tout, on est immédiatement séduit par le jeu de Laurent Maurel, dans le rôle d’Harry : il est cynique à souhait, comme le veut son rôle – ses pensées immorales, mais très spirituelles, font grand effet sur le public ; il est, d’après moi, le meilleur acteur de cette distribution. Basil, incarné par Gilles Nicoleau, est également très bon ; son rôle semble plus difficile que celui de Harry, dans la mesure où il doit jouer un homme qui connaît un sentiment nouveau, celui de la passion … pour un autre homme. Mais quand arrive Grégory Benchenafi … l’effet attendu n’est pas le bon. Il ne se tient pas bien sur scène, en tout cas, lorsqu’il joue – il est bien meilleur lorsqu’il chante, mais j’en reparlerai. Les bras ballants, le visage fixe, la voix toujours sur le même ton, il ne parvient pas à étonner le spectateur. Et ce, tout au long de la pièce. C’est dommage, car c’est tout de même le personnage principal … Enfin, le dernier personnage est une femme : Caroline Devismes, qui tient tous les rôles de femmes de la pièce (3 différentes il me semble). C’est une bonne actrice, bien que sa voix ne porte pas énormément.

Il faut maintenant que je parle, malheureusement, d’un autre élément que j’ai trouvé à moitié utile. Je m’explique : il arrive un moment dans la pièce, où le temps doit passer. Une ellipse, en quelque sorte. Alors Basil et Harry, devant nos yeux, se teignent les cheveux et la barbe en gris : cela est une très bonne idée. Mais pendant ce temps, Dorian Gray nous explique son passe-temps favori (les femmes) à l’aide d’une chorégraphie très moyenne  … c’est l’autre moment du spectacle où j’ai bien ri ; c’est très prévisible : il arrive avec un gilet sans manche, sans rien dessous. Évidemment, lors de sa chorégraphie avec la femme, elle lui arrache son gilet et il se retrouve alors torse nu, pour le plus grand plaisir de ses fans (photo ici)… Voilà qui n’était peut-être pas nécessaire, vous ne pensez pas ?

A présent, il faut que je vous signale quelque chose, si vous ne le saviez pas encore : c’est un spectacle musical. Voilà encore quelque chose que j’ôterais (ou du moins je ferai en sorte de changer les paroles)… Les musiques sont bien (composées par Stefan Corbin, qui accompagne les chants au piano ; c’est d’ailleurs un très bon pianiste que j’ai beaucoup applaudi), mais les paroles … les refrains des différentes chansons sont « Tu as volé mon âme, Dorian », « Ne m’abandonne pas, pardonne moi », ou encore « Tu as tué mon amour, pour toujours » … Les paroles ne sont pas très recherchées et n’ajoutent rien au texte. Malgré tout, les comédiens chantent tous très bien, notamment Grégory Benchenafi, qui était à l’affiche de Mike la saison dernière. Il a une voix magnifique et, si les paroles n’étaient pas les mêmes, ce serait un réel plaisir de l’écouter. Car là, on ne parvient qu’à l’entendre …

Enfin, j’aimerais parler de la fumée… C’est un élément que je n’aime pas beaucoup au théâtre, car je ne le trouve pas souvent utile. Et là, elle est beaucoup trop présente pour être toujours réellement utile. Au début : l’ambiance brumeuse de Londres … d’accord. Mais après ? Je ne me souviens pas de tous les instants où elle est utilisée, mais je me souviens bien m’être dit à plusieurs reprises « pourquoi mettent-ils de la fumée ? ».

Pour conclure, bien que bon nombre de choix de mise en scène ne m’aient pas plus, on passe un bon moment – car après tout, lorsque je dis que « j’ai ri », même si ce n’est pas vraiment en accord avec un tel texte, je n’ai pas dit « je me suis ennuyé » (même si parfois, on frôle l’ennui).  Et je ne change pas d’avis, mon dernier mot sera : pourquoi pas ?