Un Prince qui ne manque pas de charme

Critique du Prince de Hombourg, de Kleist, vu le 11 septembre 2021 au Trabendo dans le cadre du Festival Les Floréales
Avec Marie Benati, Pablo Eugène Chevalier, Jean Bourgault, Alex Dey, Edouard Dossetto, Leslie Gruel, Vincent Kambouchner, dans une mise en scène de Edouard Dossetto

J’ai découvert le Festival des Floréales en juin dernier lors de la présentation de l’édition 2021. C’est un festival entièrement dédié à la jeune création, qui a lieu sur un weekend lors duquel pas moins de onze spectacles sont joués au Trabendo, à la Villette. Le thème de cette édition 21 est « Portons nos idées haut » et accueille donc des spectacles particulièrement engagés sur des thèmes variés, parmi lesquels j’ai choisis Le Prince de Hombourg. Ce n’était pas le seul qui me faisait de l’oeil, mais c’est une troupe dont je suis le travail depuis quelques temps maintenant et j’avais envie de voir comment ils s’en sortaient avec ce monstre de Kleist  » à la sauce Tim Burton ».

La pièce s’ouvre sur une crise de somnambulisme du Prince de Hombourg à laquelle assiste également une partie de la cour qui s’en amuse. A son réveil, le Prince ne sait plus différencier le rêve et la réalité et, encore tout à ses pensées, écoute d’une oreille distraite les instruction du Grand Electeur pour la bataille à venir : il ne faudra pas attaquer avant son ordre. Ça ne manque pas : lors du combat, il ne respectera pas cette commande et, bien qu’il remporte la victoire, il doit être puni pour avoir désobéi. Le Grand Électeur lui laisse le choix : il peut accepter la sentence mortelle prévue par la loi ou être gracié pour vivre.

Pas évident de s’attaquer à cette oeuvre ardue. Et je dois bien reconnaître qu’ils s’en sortent pas mal du tout. Dès l’entrée dans la salle, on est plongé dans une ambiance toute particulière : on entre dans le rêve éveillé du Prince. Les ambiances sont à la fois la grande réussite et le grand défaut de ce spectacle. Je m’explique. Le metteur en scène Édouard Dossetto, accompagné de son scénographe Pierre Mengelle, parviennent à créer de réelles atmosphères dans lesquelles le spectateur s’évade complètement : paysage de conte ou évocations de jeux vidéos, univers du cirque et représentations fantastiques, les inspirations sont multiples et on est transportés sur le champ de bataille puis en prison en passant par les songes du Prince avec toujours beaucoup d’émerveillement.

Et pour accompagner ces changements d’ambiance, les trouvailles scéniques se multiplient : le décor se transforme pour accompagner chaque nouvelle scène et ainsi permettre au spectateur de pressentir la situation avant même l’arrivée des personnages et l’exposition des situations. Mais c’est peut-être ne pas faire suffisamment confiance au texte que de s’appuyer ainsi sur des moyens scénographiques qui, mis bout à bout, alourdissent le spectacle. Les changements de décor sont parfois longs et ralentissent un rythme pourtant soutenu. Le mieux est l’ennemi du bien, et même si certaines idées étaient vraiment excellentes (notamment la représentation de l’héroïsation que j’ai trouvée particulièrement réussi), il aurait fallu faire un choix parmi toutes ces inventions. Mais c’est un « problème de riche » que de devoir faire le tri parmi une abondance de créativité et je fais confiance au collectif pour se restreindre davantage à l’avenir.

Cela aurait peut-être permis d’évacuer le petit flou artistique qui s’invite parfois dans l’intrigue, notre attention étant alors trop accaparée par la forme en oubliant le fond. Ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit : cela reste un très bon travail – et c’est ce qui me permet d’ailleurs d’adopter le même regard critique que d’habitude, sans traitement de faveur pour cette troupe pourtant non-professionnelle. L’adaptation de Rémi Delieutraz est fluide et permet de rendre accessible un texte parfois abscons. La direction d’acteurs est encore un peu inégale, certains comédiens s’épanouissant totalement dans un style particulier, comme la Nathalie de Marie Benati aux contours enfantins et aux accents burlesques, contrepoint comique très réussi, quand d’autres ont des propositions plus lisses qui laissent parfois un peu trop couler le texte.

Je m’autorise une critique poussée parce que c’est une belle proposition que nous fait le Collectif Nuit Orange. On a déjà hâte de voir la prochaine ! ♥ ♥

© Fabrice Sabre

An-cop-nina

Critique de Coupable d’après le film Den Skyldige, adaptation de Camille Barnes et Bertrand Degrémont, vu le 9 septembre 2021 au Studio Marigny
Avec Richard Anconina et Gaëlle Voukissa, dans une mise en scène de Jérémie Lippmann

Au départ, c’était un peu pour la blague. Richard Anconina, je l’ai découvert chez Ruquier il y a un an et demi alors qu’il venait présenter Un mauvais garçon, le téléfilm dans lequel il avait tourné avec Xavier Durringer. J’ai un peu flashé sur lui, il me semble qu’il parlait de sa peur de monter sur scène mais il semblait quand même laisser une ouverture, et je me suis dit que si un jour il jouait au théâtre j’irais le voir. Et ça n’a pas manqué.

Coupable est un huis clos qui se déroule dans un commissariat, de nuit. On y découvre Pascal, en charge de la permanence téléphonique ce soir-là. On comprend aussi qu’il est à la veille d’une comparution pour une bavure policière dont il est le protagoniste. La permanence téléphonique n’est pas son quotidien, il attend plus que tout de revenir sur le terrain après son jugement. Mais alors qu’il s’apprête à finir son service, il reçoit l’appel d’une femme qui vient de se faire kidnapper et qui demande son aide.

J’adore les spectacles qui se passent comme ça. J’adore quand le théâtre me démontre que j’avais tort. Parce que, soyons honnête, je n’attendais pas grand chose de Anconina pour sa première fois sur les planches ; je ne le connais même pas en tant qu’acteur de cinéma. Ce sont deux métiers différents et, dans mes grandes théories de spectatrice, il ne pouvait pas me convaincre. Et puis il commençait avec un sacré malus : placée tout à jardin, je ne pouvais le voir pendant presque toute la première partie du spectacle car il était caché par d’énormes écrans d’ordinateur placés sur son bureau. Avouez que c’est quand même rageant de payer 50€ sa place pour voir un comédien qui finalement se cache derrière son moniteur.

Bref, il n’est pas difficile de m’imaginer, pestant contre le metteur en scène et le théâtre privé qui se fichent du monde, préparant quelques tournures de phrase aiguisées pour exprimer mon mécontentement. Mais écoutant d’une oreille ce qui se passe sur scène, quand même. Et v’là-t’y pas que je me mets à m’intéresser franchement à ce qui s’y déroule, sur scène – tout en n’en voyant pas la moitié, bien sûr. Je mords à l’hameçon. J’écoute avidement les conversations entre Pascal et Sara, la femme kidnappée. Je soupçonne. Je doute. J’accuse. J’interroge. Merde.

J’aime le théâtre quand il trompe mon cerveau. J’ai beau penser qu’on ne m’y prendrait pas, mon corps me dit le contraire. Tant pis, je lâche prise. Et je peux (presque) librement admirer ce qui se passe sur scène (n’oublions pas que je ne vois toujours pas le visage de notre vedette). Avant d’aller plus loin, il me semble essentiel de préciser que je n’ai pas vu le film dont est tirée l’adaptation, je n’ai donc aucune connaissance du scénario, ni aucun moyen de comparer les jeux d’acteurs. Je fais avec ce que je découvre en scène.

Et ce que je vois, c’est un comédien infiniment fragile, qui utilise sa fragilité pour son jeu d’acteur. On ne pouvait sans doute choisir de meilleur projet pour les premiers pas de Richard Anconina sur les planches. Le rôle lui correspond parfaitement. Il n’a pas confiance en lui, ça se voit, ça se sent, et le texte qui défile sur les écrans – qui par ailleurs limitent ma visibilité, au cas où vous n’auriez toujours pas compris – viennent confirmer mon intuition. Tout comme sa gêne lors des applaudissements du public à la fin du spectacle : il ne sait pas où se mettre, il ne sait pas recevoir l’amour du public, il rêverait d’être partout ailleurs qu’ici.

Cette fragilité, c’est sa force. Elle confère à son jeu d’acteur une authenticité et une sincérité sans faille. Son angoisse est réelle et communicative. Son manque d’assurance a quelque chose d’émouvant. Il en fait moins que ce qu’on pourrait attendre d’un pareil personnage – cette légère réserve est-elle due à son habitude de la caméra ? – ce qui le rend étonnamment proche de nous, comme accessible. Et l’objet théâtral le porte, cela se sent. Le dispositif a quelque chose de très cinématographique qui fonctionne bien. La mise en scène de Lippman accompagne l’histoire et permet à la tension de monter tranquillement sans fausse note. La régie, qui doit jouer un grand rôle dans ce spectacle en contrôlant la bande-son qui devient l’interlocuteur principal de notre personnage, est impeccable. C’est soigné. C’est réussi. Et puis, sur la deuxième partie du spectacle, j’ai même réussi à apercevoir Richard Anconina !

J’ai l’impression que ça faisait une éternité que je n’avais pas été surprise en bien au théâtre. Quel bonheur ! ♥ ♥

Crédit : ©Céline Nieszawer

Jacquou le craquant

Critique de Jacques et son maître, de Milan Kundera, vu le 8 septembre 2021 au Théâtre Montparnasse
Avec Stéphane Hillel, Nicolas Briançon, Lisa Martino, Pierre-Alain Leleu, Camille Favre-Bulle, Maxime Lombard, Philippe Beautier, Elena Terenteva, Jana Bittnerova, accompagnés par les musiciens Marek Czerniawski et Boban Milojevic, mis en scène par Nicolas Briançon

C’est mon rendez-vous incontournable de chaque saison : la création – ou la re-création, comme ici – de Nicolas Briançon. Dix ans maintenant que je le suis dans ses aventures théâtrales, souvent enthousiaste, parfois déçue, toujours objective. Ce Jacques et son Maître, ce soir, est tout particulier : parce que j’avais choisi le Montparnasse comme dernier théâtre avant la fin du monde, ou en tout cas des théâtres, en octobre dernier, et y remettre les pieds ne se fait pas sans une certaine émotion ; parce que j’ai déjà vu cette proposition il y a dix ans, quand j’avais quinze ans ; parce que retrouver l’univers de Nicolas Briançon, c’est retrouver un peu de la vie d’avant.

Difficile de résumer le spectacle. Jacques et son Maître font un voyage, ne sachant vraiment ni d’où ils viennent ni où ils vont. Ce qui doit se passer, c’est leur maître là-haut qui l’a écrit. Au cours de leur marche, ils se racontent des histoires, notamment celle du dépucelage de Jacques et comment il est tombé amoureux, mais il digresse tant qu’on ne connaîtra jamais le fin mot de cet amour. La digression est peut-être le maître-mot de cette pièce : elles permettent l’arrivée de nouveaux personnages, de nouvelles histoires, et de nouvelles digressions.

D’abord, j’ai eu peur. J’arrive au théâtre dans une humeur ambiguë : j’ai hâte car je connais l’effet des spectacles de Briançon sur moi, mais j’ai peur que la magie n’opère plus après dix ans. Et le début du spectacle confirme d’abord ma seconde impression : le cadre de scène semble trop grand, les premières répliques de Stéphane Hillel sont hésitantes – il se révèlera davantage dans sa relation avec Jacques -, je n’arrive pas à rentrer dedans. Et puis il se passe ce truc indicible, un peu magique, un peu chimique, qui soudainement m’embarque dans l’histoire pour ne plus en décrocher.

© Fabienne Rappeneau

Je ne saurai expliquer la magie mais je commence à déjouer certains des tours de Nicolas Briançon, ce qu’il parvient à faire, ce qu’il éveille en nous. Son art de metteur en scène prend ici toute son ampleur grâce au procédé de la pièce, à ces histoires qui s’enchaînent, à ce théâtre dans le théâtre : lorsque les personnages racontent leurs souvenirs, tout prend vie sur ces quelques planches de bois qui occupent le centre de la scène. Ce ne sont que quelques planches, ce ne sont que quelques souvenirs, mais c’est toute une histoire qui naît et se dessine sous nos yeux comme sous la plume d’un auteur. Comme le maître que compose Stephane Hillel, ces histoires qui se racontent répondent soudain à un besoin vital qui se crée chez le spectateur de les écouter.

Et c’est fait avec tant d’insouciance, tant de naïveté, tant de spontanéité, que cela donne l’impression des théâtre de marionnettes pour enfants, où tout s’invente au gré des idées du gamin, où ce qui existe dans sa tête prendra forme de quelque manière que ce soit dans son spectacle. Ici, les personnages des différentes histoires semblent comme sortis de l’esprit de leur créateur, ils se dessinent sous nos yeux puis disparaissent dans la nature, et ça a quelque chose de fascinant.

Fascinants aussi, les neuf comédiens et deux musiciens au plateau, acteurs de cette grande chorégraphie de la vie qui se joue dans la pièce. De la gouaille un brin nostalgique de Lisa Martino à l’affection feinte de Pierre-Alain Leleu, tous composent à merveille dans un esprit de troupe généreux et communicatif. Nos deux personnages principaux font la part belle à l’amitié : les regards rieurs et coquins de Nicolas Briançon et son intarissable faconde viennent compléter l’ingénuité et l’envie qui caractérisent le personnage de Stéphane Hillel, comme le yin complète le yang. Ils font tous les deux exister leur personnage et apparaissent parfois comme les deux entités d’un seul cerveau – leur maître là-haut qui écrit ? – faisant presque naître un troisième personnage, fruit de leur union et de leur complicité.

Cerise sur le gâteau, même quand Nicolas Briançon nous convie à ce genre de grande fête, infiniment généreuse, infiniment populaire, il ne prend jamais le spectateur pour un imbécile. Au contraire, en filigrane du divertissement, les questions philosophiques que pose Diderot ne sont pas oubliées, et teintent notre joyeux conte de touches d’absurde et de mélancolie. Toute la palette est là, nous n’avons plus qu’à admirer le tableau.

En avant ! ♥ ♥ ♥

© Fabienne Rappeneau

Sectothérapie

Critique de Cerebro, de Matthieu Villatelle, vu le 5 septembre 2021 au Théâtre de Belleville
Avec Matthieu Villatelle, mis en scène par Kurt Demey

C’est un peu par hasard que je suis tombée sur Cerebro. J’épluchais la programmation de théâtres faisant la part belle à l’émergence, soucieuse de les intégrer davantage à mon agenda cette année, et j’ai donc découvert cette proposition, entre théâtre pédagogique et spectacle de mentalisme, et ça m’a plutôt intriguée – je suis très curieuse de l’utilisation du mentalisme au théâtre et ai déjà mes places pour Que du bonheur (avec vos capteurs) de Thierry Collet, avec qui Matthieu Villatelle a d’ailleurs travaillé.

Cerebro, c’est un programme de développement personnel développé par Jack, ce personnage aux contours un peu caricaturaux qui semble nous accueillir dans le spectacle. Mais est-ce vraiment lui ? Il y a tout de suite une grande ambiguïté dans le rôle que joue Matthieu Villatelle : est-il le magicien qui s’adresse à nous ou le créateur de Cérébro au sourire Freedent ? Je n’aurais pas vraiment le temps de me décider car à peine quelques minutes après le spectacle, me voilà appelée à le rejoindre sur scène pour une première expérience.

Mettre la magie et le mentalisme au service d’une démonstration sur les processus d’embrigadement, c’est vraiment un super projet. Et il y a des choses qui fonctionnent complètement, notamment tout ce qui a trait à la confiance un peu aveugle qu’on accorde au personnage. Les expériences proposées au spectateur sont de plus en plus dangereuses mais en même temps on a envie de lui faire confiance : après tout on est dans un cadre sécurisé, il est censé savoir ce qu’il fait, il ne nous mettrait pas délibérément en danger… et pourtant le doute subsiste. Et ce « j’ai confiance parce que c’est lui », si on l’analyse un peu, c’est un peu le miroir de notre vie. J’ai confiance parce que ce sont mes parents, parce que c’est mon professeur, parce que c’est mon supérieur, parce que c’est mon médecin, parce que c’est mon ministre. J’ai confiance parce que c’est un comédien au théâtre. Et ensuite ?

Mais je reste quand même un peu sur ma faim. Le côté gourou de notre Jack ne m’a pas totalement convaincue. Il faut dire aussi que connaissant rapidement le thème du spectacle, j’étais peut-être trop vigilante pour être totalement captive. Et si l’aspect « confiance » m’a bien retourné le cerveau, je suis davantage dubitative sur le processus d’embrigadement en lui-même. Scéniquement, même si l’évolution est bien travaillée, on voit trop les changements d’atmosphère qui sont contraints par la durée du spectacle : j’ai peur que l’ensemble soit un peu court pour l’ambition de départ, ce qui oblige à utiliser quelques grosses ficelles pour atteindre le but final.

Je reste aussi un peu frustrée par certains « tours » qu’il m’aurait semblé très intéressant de pousser jusqu’au bout ou de relier davantage au thème du spectacle et que je n’ai pas réussis à vraiment associer à l’évolution de l’embrigadement – même si j’étais toujours bluffée par les démonstrations. Néanmoins, il faut prendre tout cela comme un retour à froid car j’ai globalement été captivée et très réceptive pendant l’ensemble du spectacle, et j’ai vraiment apprécié l’échange proposé avec le comédien à la fin du spectacle pour essayer de nous donner davantage de clés autour de son travail – travail que je suivrai à l’avenir avec attention.

Quand le mentalisme apprend aussi au spectateur à voir, on ne peut que saluer l’ambition ♥ ♥

Long Island

Critique de L’Ile des esclaves, de Marivaux, vue le 25 août 2021 au Théâtre de Poche-Montparnasse
Avec Hervé Briaux, Chloé Lambert, Julie Marboeuf, Pierre-Olivier Mornas et Frédéric Rose, dans une mise en scène de Didier Long

J’étais plutôt critique à l’égard de Didier Long lorsqu’il était directeur du Théâtre de l’Atelier. Après son départ, il a un peu disparu de la circulation, et c’est finalement avec une certaine nostalgie que j’ai vu son nom à la mise en scène de cette Ile des Esclaves qui ouvre la saison 21/22 du Poche-Montparnasse, et la mienne accessoirement. J’avais envie de découvrir ce qu’il devenait, ce qu’il proposait après ces années un peu difficiles. Et je dois reconnaître que j’ai été agréablement surprise.

Cette fois-ci, pas question d’intrigues amoureuses : c’est une pièce plus abstraite que ce qu’on connaît habituellement de Marivaux, une réflexion sur l’égalité fondamentale par delà les conditions. Deux couples maître/valet, deux hommes et deux femmes, viennent de faire naufrage sur une île sur laquelle une règle particulière est appliquée : maîtres et serviteurs doivent inverser leurs rôles.

Ça faisait bien longtemps que je n’avais pas vu cette pièce de Marivaux. Grande fan du dramaturge, je prends toujours plaisir à redécouvrir ses textes, et, bien que ce ne soit pas sa plus grande oeuvre, je dois dire que j’ai plutôt conquise par une direction d’acteurs fine qui permet d’entendre parfaitement les intentions – et parfois même un peu trop : les dialogues mériteraient d’être resserrés afin de dynamiser le tout, sans perdre l’excellente qualité d’interprétation des comédiens.

Cette lenteur, probablement voulue par le metteur en scène qui laisse une grande place aux silences et aux regards, est un peu trop dosée un mon goût. C’est le seul bémol de ce spectacle. C’est comme si tous les éléments étaient là mais qu’il manquait un liant à notre sauce Marivaudesque. Il a pourtant proposé un tableau très cohérent, avec une couleur spécifique par personnage – l’enthousiasme d’Arlequin, la prétention d’Iphicrate, la haine de Cléanthis, le dédain d’Euphrosine – mais il a omis le coup de pinceau final, celui qui permet de donner le mouvement d’ensemble de la scène, ce petit rien qui anime notre image.

Ceci étant, je n’ai pas boudé mon plaisir. La mise en scène de Didier Long laisse entendre le profond humanisme de la pièce, les lumières de Denis Koransky permettent à cette île particulière de prendre vie sous nos yeux – on regrettera d’ailleurs les quelques problèmes techniques qui nous ont empêché de les apprécier jusqu’à la fin du spectacle. Les cinq comédiens sont excellents, chacun dans un registre et une tonalité très différente, défendant tous leur personnage avec beaucoup d’humanité.

Une jolie ouverture de saison ! ♥ ♥

© Photographie de Pascal Gely / Hans Lucas

#OFF21 – Seuil de tolérance

Critique de Seuil de tolérance, de Frédéric Sabrou, vu le 19 juillet 2021 au Grand Pavois (14h10)
Avec Isabelle Hétier, Gauthier Fourcade et Malik Amraoui, dans une mise en scène de Armand Éloi

Par évident de trouver un spectacle à se mettre sous la dent en ce 19 juillet, dernier jour de Festival pour moi et jour de relâche pour de nombreuses compagnies. J’épluche le programme en quête de la proposition qui me permettra de finir mon séjour sur une bonne note. Je ne trouve rien. C’est finalement un courriel de présentation du spectacle qui attirera mon attention. Ma complice avait vu et critiqué favorablement un spectacle de Armand Eloi il y a quelques années, elle en garde un très bon souvenir, cela finit de me convaincre. Ce sera donc Seuil de tolérance qui signera la fin de mon édition 2021. Alors bon ou mauvais choix ?

Michel et Alice vivent une vie tranquille. Ils ont l’âge où l’enfant a quitté la maison et où on a le temps pour faire ce qu’on aime. Ils ne le disent pas franchement, mais ils s’ennuient un peu dans leur petite routine. Alors sur les conseils d’un ami, ils décident de renouveler un peu leur quotidien en accueillant une étudiante italienne chez eux, dans la chambre de leur fils parti vivre aux Etats-Unis. Ils contactent l’organisme, règlent les derniers détails, tout est parfait. Mais lorsqu’on sonne à la porte, c’est un certain Malik Chraibi qui entre. Il est jeune, il est originaire de Bruxelles, il est musulman, et il est barbu. Voilà voilà.

Je vous le dis franchement, quand j’ai vu l’affiche, j’ai un peu paniqué. Autant le reconnaître : sans le nom d’Armand Eloi, jamais je n’aurais découvert cette pièce. C’est con ce qu’une simple affiche peut nous faire manquer. Car contre toute attente, ce Seuil de tolérance est une très bonne surprise. Je ne m’attendais pas à un texte aussi bien ficelé : sur un sujet pourtant très délicat, il propose quelque chose d’à la fois très fin et très drôle. Et, chose rare dans cette édition avignonnaise, c’est un texte qui a une vraie fin, franche et théâtrale.

Ce qui fonctionne à merveille, c’est ce qu’il fait des clichés. Il utilise absolument tout ce qui peut être dit sur l’islam d’un côté comme de l’autre, chez les détracteurs comme chez les défenseurs, de la pire chaîne de télévision au musulman le plus convaincu. C’est toujours piquant et rythmé, et le résultat est franchement drôle. La situation est bien trouvée, les petits arrangements que notre couple fait avec sa conscience d’islamocraintifs – on n’est surtout pas islamophobe chez ces petits bourgeois ! – sont succulents, la maussaderie de Malik, sans surjeu, est la cerise sur le gâteau.

C’est vraiment un spectacle à déguster avec le petit doigt en l’air, bien conscient que les petits lâchetés de nos deux personnages sont un miroir de nos propres démons. L’auteur le sait, il en joue. Il a su créer, autour d’un sujet de fond très actuel, une comédie faite de dentelle. C’est un vrai numéro d’équilibriste que d’arriver à doser les poncifs pour éviter l’écueil de l’extremisme, et il le fait avec brio. Il est très bien servi par la mise en scène d’Armand Eloi, précise et efficace, et par trois comédiens dont les registres totalement opposés permettent à ce texte de dévoiler toutes ses saveurs.

On peut donc encore rire de tout, et on rit encore plus quand c’est signé Sabrou. ♥ ♥ ♥

#OFF21 – Incandescences

Critique de Incandescences de Ahmed Madani, vu le 19 juillet 2021 au Théâtre des Halles (11h)
Avec Aboubacar Camara, Ibrahima Diop, Virgil Leclaire, Marie Ntotcho, Julie Plaisir, Philippe Quy, Merbouha Rahmani, Jordan Rezgui et Izabela Zak, dans une mise en scène de Ahmed Madani

J’ai pour habitude de commencer mes articles par la raison qui m’a poussée à découvrir le spectacle. Il me suffirait ici d’une phrase : j’aime Ahmed Madani. J’aime ce qu’il fait, j’aime son théâtre, j’aime sa vision, j’aime son écriture, j’aime sa rigueur, j’aime son exigence, j’aime son ouverture, j’aime son énergie, j’aime sa sensibilité, j’aime sa générosité, j’aime son rapport au public, j’aime son regard, j’aime la confiance qu’il accorde à ses équipes. J’aime infiniment son travail et il fait partie de ces créateurs qui ont profondément marqué mon rapport au théâtre.

Après Illumination(s) et F(l)ammes, il fallait réussir à conclure la trilogie. Toujours avec des comédiens non professionnels, il nous invite cette fois-ci à un voyage au coeur de la jeunesse des quartiers populaires, une jeunesse aux racines disséminées aux quatre coins du monde, une jeunesse à qui on ne donne pas forcément la parole sur des plateaux de théâtre. Ou, du moins, à qui on ne donne pas la parole de cette manière-là.

Sur le plateau, ils sont neuf. Neuf inconnus qui vont se dévoiler au fil du spectacle. Ils vont se raconter à nous à travers les épreuves et les sentiments qu’ils ont pu traverser : la découverte du désir, le rapport à la religion, l’omniprésence des écrans, la pression familiale, le premier film porno, la masturbation… Tous les sujets sont abordés sans tabou. C’est peut-être ce qui définit le mieux le spectacle : la liberté. La liberté de ton, la liberté de parole, la liberté d’être soi.

Ahmed Madani a su saisir quelque chose de la jeunesse dans le spectacle. Quelque chose qui va au-delà du choix de ses comédiens, quasiment de l’ordre de la chimie : il a vraiment su reproduire cette sensation d’excitation mêlée de peur, cet entre-deux où l’on n’est pas encore complètement soi, cette envie de dévorer le monde qui n’a pas trouvé les moyens de s’assouvir. Sur scène, il laisse de la place aux corps pour exprimer ce qui est indicible, comme cette danse extraordinaire pour figurer la sensation du premier orgasme. C’est inventif et précis ; c’est drôle et authentique.

Ahmed Madani a l’art du mélange et l’art de l’unité. Les scènes de groupe sont des petits chef-d’oeuvre qui nous plongent immédiatement dans l’atmosphère du moment. La fête, l’émotion, l’envie, la colère, tous les sentiments exacerbés de cette période de la vie sont là, vécus puissance 10 000 sur scène comme dans la salle. L’énergie est au rendez-vous : les comédiens ont une pêche folle. Et il laisse aussi la place à chacun de s’exprimer, d’avoir son moment, de se découvrir. La scène devient le lieu d’une certaine émancipation. Ça parle de la vie et la nécessite de cette parole-là, on la ressent. La vie est là, ni simple, ni tranquille, juste réelle.

Alors Aboubacar, Ibrahima, Virgil, Marie, Julie, Philippe, Merbouha, Jordan et Izabela, bravo, et merci. Vous m’avez fait vivre un truc fou, un truc unique, un truc précieux : un petit bout de votre jeunesse. ♥ ♥ ♥

#OFF21 – Le cabaret des absents

© Christophe Raynaud de Lage

Critique du Cabaret des absents, de François Cervantes, vu le 18 juillet 2021 au 11 – Gilgamesh (22h30)
Avec Théo Chédeville, Louise Chevillotte, Emmanuel Dariès, Catherine Germain, Sipan Mouradian, Sélim Zahrani, dans une mise en scène de François Cervantes

Je n’ai pas tout de suite repéré Le cabaret des absents dans la programmation du 11. C’est quelqu’un qui, l’ayant sélectionné dans son propre agenda, m’a lu les premières lignes du résumé que j’ai trouvées absolument géniales : « Nous connaissons tous des gens qui n’ont jamais passé la porte d’un théâtre, mais pour qui, pourtant, nous continuons à faire du théâtre ». Je n’ai pas attendu une seconde de plus pour réserver mes places. J’ai ensuite découvert l’affiche à Avignon, que je trouvais sublime et qui se détachait si bien au milieu des autres. Dès que je la voyais, mon impatience grandissait. J’en attendais tant. J’en attendais trop.

Le spectacle se divise en deux narrations distinctes et entremêlées. Il y a d’abord Marseille avec ses habitants qu’on suit, passant de l’un à l’autre comme un travelling accéléré : ils vivent leur vie, ils ont leur histoire qui parfois se relient entre elles, on les laisse puis on les retrouve plus loin dans le spectacle et ce sont eux qui forment ce tout qu’est cette grande ville. Au milieu de cette épopée de la vie quotidienne, on assiste à des numéros de cabarets – introduits par nos différents personnages – qui se déroulent dans un théâtre tout particulier dont on nous a également raconté l’histoire.

Je suis hyper embêtée. Vous n’imaginez pas à quel point j’avais envie d’aimer ce spectacle. Et au début, portée par mon enthousiasme, j’étais plutôt convaincue. Cette espèce d’immense kaléidoscope a quelque chose d’indéniablement poétique, la vision du théâtre comme le lieu du rêve me touche, les numéros de cabaret sont très réussis. Les premières notes que je couche sur mon papier sont pleines de superlatifs. Et puis mes mots se font moins enthousiastes : « resserrer », « couper dans le texte », « trop long ». Et je sors du rêve.

Pourquoi faire durer ça deux heures ? Ce que je trouvais poétique devient trop rapidement ennuyeux, le procédé devient lassant et le propos m’apparaît de plus en plus surfait. La narration de l’histoire se fait face public de manière très simple, peut-être trop simple, laissant une trop grande place à l’imagination. Les personnages évoqués ne sont que des silhouettes qui ne m’intéressent pas. C’est trop lisse dans l’écriture comme dans la direction d’acteurs. Et le pire est à venir. Jusqu’ici, on échappait à peu près au fameux message que j’ai trop retrouvé dans les spectacles avignonnais. Mais même l’apparente candeur du spectacle n’est pas gratuite, et on aura droit à notre final moralisateur.

Je m’agace face à ce texte qui a l’air en plus de se prendre très au sérieux mais qui, pour moi, cache son absence de structure par une certaine forme de papillonnage. Et je ne suis pas la seule à m’impatienter : autour de moi, la salle s’agite à mesure que le spectacle s’allonge – mes voisines du premier rang se mettent carrément à discuter devant les artistes. Si bien que, lorsqu’on atteint les numéros de la fin, je n’ai plus la patience, je n’ai plus l’envie, je ne suis plus en capacité d’apprécier le – pourtant formidable – numéro de clown de Catherine Germain. Et je passe à côté de ce qui était peut-être le grand moment du spectacle.

C’est un spectacle clivant. Des gens ont quitté la salle, des bravos ponctuent le spectacle. C’est un exercice de style. Mais pas du mien.

#OFF21 – Les Hauts de Hurlevent

Critique des Hauts de Hurlevent, d’Esteban Perroy d’après Emily Bronté, vu le 18 juillet au Théâtre des Gémeaux
Avec Guillaume Sentou, Flavie Leboucher, William Mesguich, Gwendolyn Gourvenec, Esteban Perroy, Viviane Marcenaro, Elisa Birsel et Wilfried Richard, dans une mise en scène de William Mesguich

L’un des spectacles que j’avais sélectionné étant complet, je me suis retrouvée avec un trou dans mon planning. Or tout le monde sait que le trou est l’angoisse ultime du festivalier : plutôt que de songer à se reposer, il faut tout de suite qu’il se mette en recherche d’un nouveau spectacle à se mettre sous la dent. Or, comme je m’extasiais à la fois de la beauté de la façade et de la longue queue de spectateurs qui s’allongeait dans la rue à chaque fois que je passais devant les Gémeaux, c’est dans sa programmation que j’ai cherché mon nouveau spectacle. Et j’ai trouvé.

L’adaptation d’Esteban Perroy commence lorsque Heathcliff devient propriétaire des Hauts de Hurlevent, c’est-à-dire largement après le début du roman originel. On le découvre dans toute son horreur, nourrissant une rage contre tous les personnages qui composent l’histoire sauf pour sa sœur de lait, Catherine, qu’il aime depuis qu’il est enfant. Devant sa tyrannie, son frère de lait, Hindley, tente de le tuer par différents moyens, aidé par son beau-frère Linton, époux de Catherine.

Le hasard veut que j’ai lu Les Hauts de Hurlevent durant mon premier confinement. J’ai vraiment adoré. Je me demandais bien comment il allait pouvoir adapter ce roman fleuve – mettons au moins grande rivière – sur scène. La réponse est plutôt simple : il n’a pas pu. Le roman est trop long, trop complexe pour être rendu sur scène en 1h30. Il a donc suivi le chemin initial proposé par Émily Brontë mais s’est autorisé quelques routes adjacentes à partir des personnages que l’on connaît… pour un rendu fatalement moins intense. On regrettera notamment le style parfois un peu emphatique et les ellipses, nécessaires à avancer dans l’histoire dans le temps imparti, mais qui provoquent une certaine confusion et un manque de clarté si bien que je suis passée un peu à côté de la fin.

Malgré tout, Mesguich parvient à créer une atmosphère plutôt convaincante. Même si ce n’est pas ce que je préfère, il faut reconnaître que ses lumières aux couleurs franches fonctionnent bien : non seulement elles accentuent les traits horrifiques de son maquillage, mais elles contribuent à insuffler cette ambiance de train fantôme qui correspond bien à l’idée qu’on se fait de Hurlevent. Dommage que les transitions entre les scènes soient trop nombreuses et trop lentes : les comédiens déplacent des accessoires comme au ralenti, et cassent un rythme déjà un peu à la peine.

Pas la peine d’insister davantage, je pense que c’est clair : je n’ai pas passé la meilleure soirée de ma vie. Néanmoins, j’ai pris une petite claque devant la composition de William Mesguich. C’est un acteur que j’avais finalement rarement vu au théâtre, mais qui fera désormais partie de ma sélection. Son Heathcliff est effrayant, quelque part entre un vampire et un ectoplasme. On sent qu’il a déjà quelque affinité avec les morts. Il est d’une précision diabolique, il occupe l’espace de son intense noirceur. Il est… impressionnant. A ses côtés, les autres comédiens peinent à convaincre, excepté Guillaume Sentou, remarquable dans le rôle d’Hindley malgré une partition monotone.

Adapter Les Hauts de Hurlevent au théâtre n’était sûrement pas la bonne idée. Mais faire jouer Heathcliff à William Mesguich, ça, c’était vraiment dans le mille.

#OFF21 – Pères

Critique de Pères, de Elise Chatauret et Thomas Pondevie, vus le 18 juillet à la Manufacture (17h45)
Avec Laurent Barbot et Iannis Haillet, dans une mise en scène de Elise Chatauret et Thomas Pondevie

Cette année, j’ai un peu boudé La Manufacture. Elle fait pourtant partie des théâtres dont je scrute systématiquement la programmation. Plusieurs pièces ont retenu mon attention, mais je n’ai d’abord eu le déclic pour aucune. Elles étaient dans ma liste, elles ne devaient pas en bouger. Père fait partie de ces pièces-là. C’est un sujet qui m’intéresse mais je n’arrivais pas à me décider, peut-être parce que c’est un sujet sensible ou que j’avais trop peur de la caricature. C’est finalement sur le conseil de Lucie Martin, qui certes défend le spectacle mais connait surtout mes goûts en matière de spectacle vivant, que j’ai sauté le pas. Sans regret.

Comme l’annonce le titre, Pères est une enquête sur les paternité d’aujourd’hui. Une vraie enquête : les deux auteurs, Elise Chatauret et Thomas Pondevie, sont allés sur le terrain interroger des quidam sur leur histoire de famille, sur leur rapport avec leur père, sur leur manière d’être père eux-même. Les témoignages qu’ils ont récoltés nous sont transmis directement par l’intermédiaire des deux comédiens. Des témoignages attendus, quelques clichés assez merveilleux de misogynie intégrée, d’autres qui témoignent d’une évolution dans les moeurs et prône une nouvelle forme de paternité et même de parentalité.

Là, comme ça, j’imagine qu’on pourrait se représenter le spectacle comme quelque chose de mou, d’ennuyeux. Pas du tout. C’est tout le contraire. C’est du théâtre documentaire qui avance grâce à un dispositif scénique qui évolue en permanence. C’est très inventif : avec seulement deux tables d’écoliers, un tableau blanc et des autocollants, on va de surprise en surprise. J’adore ce style de théâtre qui construit beaucoup de chose à partir de rien. Quand ils ouvrent les tiroirs, ce sont des cavernes d’Ali Baba – on n’a qu’une envie, c’est qu’ils en ouvrent de nouveaux.

C’est vraiment très bien fait. On sent la complicité des comédiens, leur investissement dans ce sujet qui peut être touchy. Il n’y a pas de jugement. On sort l’autocollant du patriarcat comme celui de papa poule, on pose des faits, on constate, et c’est davantage dans le public que les réactions se font sentir. Ce n’est pas moralisateur, c’est juste intelligent. Et ça pose les bonnes questions au bon moment. Ce que je trouve génial, c’est que j’ai appris que c’était du théâtre d’appartement : la pièce peut se jouer chez vous. Un format à l’image du spectacle : ouvert, populaire, intelligent.

Ravie d’avoir mis un pied dans l’univers de Elise Chatauret. J’y sauterai à pieds joints la prochaine fois. ♥ ♥ ♥

© Christophe Raynaud de Lage