Critique de L’Augmentation, de Georges Perec, vue le 5 février 2022 au Théâtre 14
Avec Olivier Dutilloy et Anne Girouard, dans une mise en scène de Anne-Laure Liégeois

J’avais déjà repéré ce spectacle lorsqu’il avait été présenté dans la Réédition de la Saison 1 du Théâtre 14, en novembre 2020. J’avais découvert Perec pendant le confinement avec La vie mode d’emploi et je me demandais comment on théâtralisait ce style littéraire assez particulier. Je dois dire aussi que cette simple photographie du spectacle sur laquelle on percevait une pointe de folie m’attirait pas mal, et j’avoue avoir été mise en confiance aussi par le fait que le spectacle tournait depuis près de quinze ans. Autant vous dire qu’un papier de plus ou de moins sur le spectacle ne changera rien à l’affaire et qu’ils doivent être complets partout où ils passent, mais il est de ces spectacles où on a quand même envie d’écrire à quel point c’était bien.

Georges Perec est un joueur, et son oeuvre est en grande partie basée sur la contrainte – la plus connue étant sans nul doute La Disparition, ce roman en lipogramme écrit sans jamais utiliser la lettre E. Dans L’augmentation, on se retrouve face à une autre forme de contrainte : le roman est écrit sous forme d’itération. C’est une suite logique permettant d’aboutir à une demande d’augmentation auprès de son chef de service. Pour cela, il faut d’abord se rendre dans son bureau. Si votre chef de service est dans son bureau, alors vous agirez de telle manière. Si votre chef de service n’est pas dans son bureau, alors vous agirez de telle autre manière.

Sacré exercice de style ! Mais surtout, sacré challenge de transposer ce texte sur scène. Le spectacle s’ouvre sur les deux comédiens en mode automate, disant le texte mécaniquement comme on pourrait lire une suite de boucles dans un algorithme. C’est déjà drôle, et pourtant ce n’est rien comparé à ce qui nous attend. Car on se doute bien que ça ne va pas durer. On sait que la montée en puissance est là, quelque part, latente. Mais on a beau s’y attendre, on a beau comprendre la mécanique du texte, on a beau savoir que quelque chose d’autre va arriver, tout est toujours inattendu.

C’est sans doute la grande réussite de ce spectacle : de parvenir à se réinventer sans cesse tout en restant totalement fidèle au texte et à cette ambiance particulière qu’il met en place. La mise en scène accompagne progressivement l’évolution de l’atmosphère sans jamais forcer, et c’est sans doute pour ça que ça fonctionne aussi bien. Je suis complètement fascinée par tout ce qu’Anne-Laure Liégeois parvient à faire exister avec seulement une table et deux chaises. Elle transforme cet exercice de style en une forme théâtrale complètement dingue qui certes puise toute sa loufoquerie dans le texte mais surtout la transcende totalement. Le comique et la gravité s’y côtoient sans peur et la scène leur permet d’exister peut-être plus encore que dans le livre.

Bien sûr, le spectacle ne serait rien sans ses deux excellents comédiens. Olivier Dutilloy et Anne Girouard défendent ce texte avec brio. Ce sont d’abord deux excellents techniciens, qui malgré une partition en apparence répétitive parviennent à nous maintenir en haleine du début jusqu’à la fin. Mais ils amènent surtout avec eux une grande humanité, menant un combat acharné et jouant littéralement leur vie sur scène pour transformer ces simples itérations en une nécessité absolue. J’ai beaucoup ri, car ce sont des grands clowns, mais j’ai aussi eu le sentiment de toucher du doigt la profondeur d’un texte écrit en 1968 et qui continue de décrire une réalité douloureuse.

Si vous aimez Perec alors il faut y aller. Si vous n’aimez pas Perec, alors il faut y aller quand même ! ♥ ♥ ♥

Critique de On n’est pas là pour disparaître, d’après le roman d’Olivia Rosenthal, vu le 20 septembre 2021 au Théâtre 14
Avec Yuming Hey, mise en scène et adaptation de Mathieu Touzé

Ça fait longtemps que j’entends parler du travail de metteur en scène de Mathieu Touzé sans avoir encore eu l’occasion de le découvrir. En entendant parler du spectacle d’ouverture de la nouvelle saison du Théâtre 14, le titre m’a induite en erreur et j’ai d’abord cru qu’il s’agissait d’un texte écrit pendant le confinement et revenant sur le caractère essentiel de l’art – j’étais clairement prête à passer mon chemin. Mais lorsque j’ai appris mon erreur, j’ai été davantage intriguée – la disparition qu’il évoque, c’est celle du malade atteint de la maladie d’Alzheimer.

Tout part d’un fait divers : monsieur T, atteint de la maladie de A, poignard sa femme un jour de juillet 2004. Le spectacle, adapté du roman d’Olivia Rosenthal – que je n’ai pas lu – utilise la narration polyphonique pour s’approcher au plus près de cette maladie : on entendra ainsi les voix de Monsieur T., de sa femme, du corps médical, ou encore une narration extérieure qu’on imagine être celle de l’autrice.

J’ai eu peur au début du spectacle. J’ai eu peur que l’idée de l’adaptation ne soit pas bonne, car le spectacle s’ouvre avec une projection de près de dix minutes qui défile rapidement sur l’écran qui occupe toute la largeur de la scène, projection explicative qui expose les faits et met en place la situation. J’ai eu peur car si l’écran est vraiment nécessaire, c’est que se pose la question de la théatralité du texte et de son intérêt à le transposer sur scène.

Or Yuming Hey nous démontre que l’intérêt existe et nous fait rapidement oublier ces premiers doutes. Face public, les deux pieds bien ancrés dans le sol, il ne bougera pas d’un pouce. A partir du moment où il prend la parole, il se passe indéniablement quelque chose. D’abord ses premiers chuchotements, qui évoquent sans conteste les paroles solitaires des fous, nous plongent directement dans l’abime et donnent le ton de la performance à laquelle il se livre durant l’heure à venir. On ne pouvait mieux donner corps au mot polyphonie. Il ne laisse de place à aucune échappatoire, joue beaucoup sur les changements de rythme et malgré une cadence déjà très poussée, parvient à accentuer la pression jusqu’à l’événement final qu’on connaît.

Pour augmenter son effet, il est accompagné par une création sonore qui fonctionne bien, s’autorisant de grandes variations entre le boum boum rapide style film d’action, la tonalité plus légère qui évoque une telenovela et l’indescriptible musique d’ambiance avec brusque descente de gamme sur un violoncelle, évocation réussie de la brisure et de l’incompréhension. Je reste plus circonspecte sur la création visuelle qui m’a laissée de côté au début du spectacle et me laissera à nouveau de côté à plusieurs reprises, notamment avec les images évoquant le cerveau et les neurones de notre patient qui, si elles sont plus démonstratives, sont pourtant moins efficaces que notre comédien en scène.

Yuming Hey captive en performant l’insidieuse progression de la maladie d’Alzheimer jusqu’à une certaine forme de révolution. Traumatisés récents s’abstenir. ♥ ♥

Critique de l’École des femmes, de Molière, vu le 4 décembre 2015 au Théâtre 14, par complice de MDT
Avec Pierre Santini, Anne-Clotilde Rampon, Jimmy Marais, Cyrille Artaux, Arlette Allain, Michel Melki, Bertrand Lacy, dans une mise en scène d’Armand Éloi

C’est un spectacle simple, probe et efficace que cette École des femmes, mise en scène par A. Éloi. On ne rappellera pas l’intrigue de la pièce de Molière, dont tant de vers sont ancrés dans la mémoire collective. A. Éloi n’a pas cherché à relire ou rajeunir la pièce, mais il a tout fait pour la rendre évidente, ce que signalent à leur manière les couleurs tranchées des costumes : jaune d’un oiseau en cage pour Agnès, velours pourpre et empesé d’Arnolphe, rubans acidulés d’Horace. Le décor est simple et astucieux : une belle toile peinte d’un vert vibrant au fond évoque l’appel de la nature, et il suffit d’un rien pour transformer une gigantesque cage à oiseau (première image, au lever du rideau) en pavillon de jardin à claire voie ou en grille : le problème que pose l’espace scénique dans cette comédie est relevé avec brio par la scénographe, Emmanuelle Sage.

La légèreté du décor et la gaieté des couleurs, la franchise des lumières, disent le principe qui a guidé la mise en scène : mettre en valeur la force pulsionnelle et libératrice de la jeunesse et de l’amour, que rien ne peut sérieusement entraver. On ne frémit jamais vraiment pour Agnès dans cette mise en scène, et cela permet de reporter une bonne part de l’intérêt sur Arnolphe, dans un ensemble très cohérent.

Le rythme est allant, les personnages secondaires bien dessinés, permettant aux personnages principaux de déployer par contraste leur complexité. Horace évolue bien, de galant audacieux à amoureux révolté par le sort de sa conquête : Jimmy Marais a un jeu à la fois élégamment stylisé et sincère, il est très convaincant  ; Agnès (Anne-Clotilde Rampon) fait entendre avec clarté les merveilleuses répliques qu’a écrites Molière, elle a un petit air buté qui convient bien au personnage : son jeu tranchant n’en fait jamais une oie blanche, mais dès le début une jeune femme avide d’émancipation. Pierre Santini joue avec beaucoup d’autorité et de nuance un rôle écrasant, et compose un Arnolphe odieux et pourtant touchant. On rit beaucoup des répliques qui ridiculisent cet homme prétendant garder pour lui seul une toute jeune fille et la couper du monde (« Du côté de la barbe est la toute-puissance »), mais Pierre Santini parvient toujours à faire sentir ce que le personnage peut avoir d’aveuglement, de vanité, et aussi d’inexpérience devant le mystère féminin, ce qui fait que le geste final d’Agnès à son égard (que je ne révèlerai pas) n’est pas incongru. Il est en particulier remarquable dans les nombreux monologues, où, face public, il nous prend à témoin.

Dommage que la scène de reconnaissance qui clôt la pièce, toujours délicate à cause de l’excès de convention qui la caractérise, soit ici un peu bâclée. Mais en dehors de cela, c’est un très bon spectacle, que l’on recommandera en particulier aux scolaires. Molière encore et toujours, et aujourd’hui plus que jamais !

Critique d’Eurydice, de Jean Anouilh, vu le 12 janvier 2014 au Théâtre 14
Avec Jean-Laurent Cochet, Sam Richez, Vincent Simon, Maryse Flaquet, Fabrice Delorme, Norah Lehembre, Catherine Griffoni, Jean-Pierre Leroux, Julien Morin, Jean)Claude Eskenazi, Jacque Ibranosyan, François Pouron, Anthony Henrot, Pierre Ensergueix, dans une mise en scène de Cochet/Richez

Ce qui choque tout d’abord, c’est la première scène. On est dans le café d’une gare, un père (Jean-Laurent Cochet) et son fils (Sam Richez), qui joue du violon, y font passer le temps, attendant probablement un train. J’avais oublié à quel point le jeu de Cochet était parfait, et en deux mots je le reconnaissais à nouveau comme l’immense acteur qu’il est. Et ce, d’autant plus qu’il était à côté un acteur profondément décevant. Quel gouffre, quel choc de les voir l’un en face de l’autre. Cochet l’air assuré, la diction magistrale, le visage expressif, les yeux brillants. Richez, l’air éteint, la diction molle, le visage figé, les yeux vides. Difficile de l’écouter, de laisser son attention sur lui plus de quelques instants. Malheureusement, il incarne le rôle principal, et il sera présent dans pratiquement toutes les scènes jusqu’à la fin. Quelle erreur de distribution ! Moi qui connaissait un Cochet exigent et dur, que s’est-il passé ?

Rappelons brièvement l’intrigue d’Anouilh, qui reprend le mythe d’Orphée et Eurydice et le place en milieu contemporain. Eurydice fait partie d’une troupe de théâtre en tournée lorsqu’elle rencontre Orphée dans une gare, qui joue du violon. Ils tombent fous amoureux l’un de l’autre et partent ensemble pour Marseille, où Eurydice meurt écrasée par un bus. Désespéré, Orphée trouve alors l’aide d’un certain M. Henri, qui les avait observés à la gare, et qui lui propose de retrouver Eurydice, à la seule condition qu’il ne la regardera pas jusqu’au matin… Ce qui arrive, inévitablement.

Au fil du spectacle, on sent un véritable clivage s’installer entre les deux générations d’acteurs. Lors des rares apparitions de Catherine Griffoni ou de Jean-Pierre Leroux, par exemple, c’est un régal ! Elle est exaltée et quelque peu hystérique, sa voix porte et son jeu est excellent. Lui, il sait transmettre toutes les émotions, il a su nous faire pleurer, aujourd’hui il nous fait rire. Sa voix, on pourrait l’écouter des heures. On se demande bien ce que les deux acteurs font là. De même que Cochet, qui signe la mise en scène : chacune de ses apparitions est un bonheur pour nos sens, car on voit du vrai théâtre. Sinon, il faut avouer qu’on a face à nous des amateurs. Comme si Cochet avait décidé de nous montrer un cours qu’il donne. Le pire étant Sam Richez, qui n’a rien d’un acteur, qui est mou et inintéressant, semblant las et perdu sur scène, se tenant mal, les bras ballants, la voix mal posée, mâchant ses mots… En bref, je ne comprends pas pourquoi, comment Cochet a choisi un tel pseudo-acteur pour incarner ce (pourtant) beau rôle qu’est Orphée. Eurydice s’en sort mieux, bien qu’elle lâche prise à un moment du spectacle, lorsque tout repose sur ses épaules, elle perd un peu pied et se met à crier de façon délibérée, comme si elle ne savait plus quoi faire pour nous intéresser. Cependant, le reste du temps, elle intérprète le rôle titre avec grâce et passion, le regard vif, ses yeux ne s’attardant pas plus de quelques secondes à chaque endroit de la scène. Vincent Simon, qui interprète M. Henri, cet homme étrange qui permettra à Orphée de revoir Eurydice, a un jeu intéressant, mais qui est malheureusement mêlé à un manque de technique, ce qui l’empêche de briller. 

Quel dommage, quel massacre. On peine à entendre la belle langue d’Anouilh, majoritairement écrasée par la langue plate de Sam Richez. Mais il n’est pas le seul. Cochet a réuni une troupe amateure et ça se sent. Un beau moment de la pièce, lorsqu’un secrétaire lit la lettre qu’Eurydice écrivait à Orphée avant de mourir, est trahi par Pierre Ensergueix, qui ne fait que lire platement, sans transmettre aucune émotion. Lorsqu’on essaie d’écouter avec attention, on reconnaît l’auteur qu’on admire tant. Mais il faut s’accrocher, et, comme dit Peter Brook, au théâtre, le diable c’est l’ennui. Lorsqu’un spectacle demande un effort de notre part pour être entendu, ça ne vaut pas le coup. Ajoutons à cela un manque de mise en scène, d’idée, de direction d’acteur. Ils sont laissés en roue libre ; alors évidemment, les plus expérimentés s’en sortent bien, mais les autres ont peu de chance d’y arriver. 

Si le spectacle avait pour but de nous montrer les faiblesses des jeunes acteurs en les comparant à des anciens bien plus doués, c’est réussi. En revanche, si vous voulez entendre le génie d’Anouilh, il faudra repasser. 

Critique d’Occupe-toi d’Amélie, de Feydeau, mise en scène d’Henri Lazarini, Théâtre 14, Vu le 21 Novembre 2013
Ceci est un article écrit par une complice de MDT

« Occupe-toi d’Amélie » est la dernière pièce de Feydeau en trois actes. Seul son titre est dynamique et pétillant. Pour le reste, on y ressent une certaine usure de l’inspiration et de la technique dramatique. L’exposition est interminable, les personnages à effets sont peu renouvelés par rapport aux pièces antérieures, le dialogue est répétitif.

Pour donner du peps à cette pièce, on choisit généralement de supprimer le troisième acte, où la pantalonnade (double constat d’adultère) tire vraiment en longueur.

Henri Lazarini, lui, a choisi la version longue, et retient (piège, devrait-on dire) ses spectateurs deux heures durant devant une scène où s’agitent des acteurs à peine dignes d’une troupe de seconde zone. Sans doute a-t-il pensé que faire courir, taper du pied et crier ses comédiens était le secret du dynamisme et du rythme, et que pour le reste, une gestuelle vulgaire et quelques clins d’œil à l’actualité ajoutés au texte emballeraient le public ?

C’est peu dire que le soufflé retombe très vite : dès le début, rien ne prend, et l’on sait que rien ne prendra. Il faut pour Feydeau un metteur en scène et des acteurs qui insufflent un rythme endiablé, des effets calculés avec une précision horlogère, une folie qui emporte tout. et qui ne se relâche jamais. Il faut donc des artistes extrêmement talentueux et maîtres de leur art. On en est loin : Bernard Menez, sur le nom duquel repose la publicité du spectacle, ne se fatigue pas dans le seul rôle un peu original de la pièce : ce gendarme à la retraite qui gère la carrière de cocotte de sa fille a quelques répliques qui pourraient faire mouche avec un acteur plus investi. Frédérique Lazarini, beaucoup trop âgée pour le rôle d’Amélie, ne donne aucun relief à son personnage, et n’a rien du charme faubourien nécessaire. Marc-Henri Lamande en Van Putzeboom, personnage à accent, se contente de crier. Kevin Dargaud en maharadja se croit sur une scène de café théâtre et prolonge ses effets en espérant tirer la couverture à lui. Le reste de la distribution est à l’avenant : tous les acteurs naviguent à vue et leur abattage se réduit à des cris et galopades désordonnés, sans aucune des nuances et des ruptures de ton qui pourraient apporter quelque charme à l’ensemble.

Quand on pense au formidable « Homme et galant homme » qui a ouvert la saison du Théâtre 14, on se dit qu’il y a là une vraie erreur de programmation. Que le nom de Feydeau n’abuse pas ceux qui souhaiteraient se divertir pour les fêtes : rien de plus ennuyeux qu’un vaudeville raté et la vie est trop courte pour perdre ainsi sa soirée.