Critique de Quadrille, de Guitry, vu au Théâtre Montansier le 31 mai 2022
Avec Xavier Gallais, Léonie Simaga, Cyril Gueï, Marie Vialle et un pianiste, mis en scène de Jean-Romain Vesperini

Par Complice de MDT

Ce qui m’a poussée à aller voir cette création est l’envie de retrouver sur scène, après une longue absence, Léonie Simaga, qui ne m’avait jamais déçue au Français, tant comme actrice (Hermione) que comme chanteuse (dans L’Opéra de quat’sous) ou metteuse en scène (son Othello avec Bakary Sangaré et Nazim Boudjenah est un des meilleurs que j’aie pu voir). La présence de Xavier Gallais, qui déçoit rarement, était un autre atout de cette pièce. Or, sans avoir passé un mauvais moment, je ne suis guère emballée par ce spectacle, du moins tel qu’il se présentait à la première, ce 31 mai.

Philippe, journaliste très en vue (Xavier Gallais) rencontre dans un palace parisien une jeune consoeur, Claudine (Léonie Simaga) : tous deux viennent interviewer une vedette d’Hollywood de passage à Paris, Carl Ericsson (Cyril Gueï). En attendant la star, ils bavardent et flirtent ; on apprend que Philippe est en ménage avec une célèbre comédienne, Paulette (Marie Vialle), et qu’il va lui faire la surprise de l’épouser, après six ans de vie commune. Quand l’acteur américain arrive, il confie qu’il aimerait profiter de son séjour en France pour améliorer son jeu et varier ses rôles, et Philippe lui obtient une place le soir même dans le spectacle que joue Paulette, qui pourrait lui donner des cours. Il se trouve que, sans le savoir, Carl a déjà rencontré Paulette peu avant. Sur cette base, s’ensuivront une idylle entre Paulette et la star, la fureur de Philippe, les tentatives pas si désintéressées de Claudine pour les réconcilier, débouchant enfin, comme dans tout bon quadrille, sur un échange des partenaires.

Cette pièce de Guitry vaut par quelques scènes où le dialogue fait mouche, mais souffre d’une exposition trop longue et respire la misogynie déplaisante de l’auteur. J’aime assez Guitry, mais il faut de l’art et de l’habileté pour transformer ses remarques acerbes sur les femmes en punchlines amusantes, comme si le personnage ne les prenait pas au sérieux. Il faut que le dialogue crépite, qu’on n’ait presque pas le temps de respirer. Il faut aussi une atmosphère légère, un peu de clinquant et de légèreté dans les décors et les costumes. Nicolas Briançon a fait cela à merveille. Encore avait-il monté Faisons un rêve, qui est une bien meilleure pièce.

Or, un certain nombre des choix du metteur en scène empêchent l’atmosphère que requiert une pièce de Guitry de s’installer. D’abord, il a inséré des lyrics (un pianiste vient accompagner les acteurs), et quelques esquisses de danse. C’est une fausse bonne idée, car cela rompt le rythme, qui dans ce genre de pièce, ne tient qu’à un fil. Et, en dehors de Simaga, qui chante toujours divinement, les acteurs sont à la peine : Gallais se contente de quelques pas de danse, Cyril Gueï chante juste, mais son grand air est trop long et alourdit encore l’exposition. Marie Vialle n’a qu’un filet de voix bien fragile. L’esprit de la comédie musicale et celui du vaudeville à la Guitry n’ont pas grand-chose à voir. De plus, le décor, très sombre, est vraiment laid. Plus que le hall ou la chambre d’un palace, on a l’impression d’être dans une administration ou un siège social. J’avoue ne pas comprendre ce choix, pas plus que celui des costumes : la dernière scène se déroule 20 minutes avant un mariage et Xavier Gallais a toujours les mêmes vêtements passe-partout qu’au premier tableau ; Claudine, que Philippe félicite pourtant pour son élégance digne d’une parisienne, est vêtue dans les deux premiers tableaux de manière très commune, et peu seyante. Ce personnage sans grand intérêt ne permet pas à Léonie Simaga de montrer ses qualités de jeu.

En revanche, il faut louer le jeu de Marie Vialle, qui sauve le spectacle. Avec Gallais, c’est elle qui bénéficie des répliques les plus amusantes, des scènes les plus brillantes. Mais là où son partenaire suscite le rire sans grand effort, en faisant « du Gallais » (cynisme, muflerie, ruptures de ton, tout ce qui lui va si bien), Vialle compose très intelligemment un personnage comique plein de reliefs. Elle fait de Paulette, cette femme de mauvaise foi qui suit ses instincts et n’admet jamais ses torts, cette actrice qui distingue mal réalité et fiction, un personnage conjuguant vulgarité et ingénuité, elle ne s’économise pas, elle surprend à chaque réplique, réussit à être vraie en en faisant un peu trop, et déclenche les seuls rires francs de cette représentation, en tirant Guitry vers Feydeau. La révélation de ce spectacle pour moi, c’est la veine comique de l’égérie de Pascal Quignard ! Guère aidée par le partenaire pataud qu’est Cyril Gueï, elle assure, avec l’abattage nécessaire, et tient à bout de bras, en donnant beaucoup, les scènes qu’ils ont ensemble ; mais ce sont évidemment ses échanges avec Xavier Gallais, ou son monologue au téléphone qui font ressortir le brio de l’écriture guitryesque, et, trop fugacement, animent la salle.

Ce spectacle décevant a au moins l’intérêt de révéler le tempérament comique de Marie Vialle, qu’on espère voir un jour en Lucette Gautier ou en Môme Crevette. ♥

Critique des Hommes en devenir d’après Bruce Machart, vu le 8 juin 2017 au Théâtre Paris-Villette
Avec Stéphane Balmino, Jérome Derre, Xavier Gallais, Jérome Kircher, Loïc Varraut, dans une mise en scène d’Emmanuel Meirieu

Cela fait deux ans que je suis privée de la fin de saison théâtrale, entre mes stages et autres concours préparatoires. Cette année, enfin, je peux m’en donner à cœur joie – ou presque – et profite donc de tous les avis dénichés sur la toile pour trouver les petits bijoux toujours présents dans cette période un peu délaissée théâtralement parlant, préparation d’Avignon oblige. Sur Des hommes en devenir, les avis étaient unanimes et j’aimais l’idée de découvrir un nouveau théâtre. Si les prestations sont incroyables, je reste tout de même sur ma faim quant aux textes légèrement surfaits.

Le talent de l’acteur, et qui d’après moi fait sa supériorité sur l’écrivain, c’est de pouvoir émouvoir autrement qu’avec des mots. Là où l’écrivain a une tâche bien plus ardue que le comédien, c’est que sa seule arme est couchée sur le papier et ne peut pas bouger. Mal assemblés, les mots auront du mal à atteindre leur but. Mais le comédien a beaucoup plus de cartouches à sa disposition : il a le geste, l’expression, le regard. C’est, à mon avis, ce qui fait que ce spectacle a fonctionné pour moi : sans les acteurs, je n’aurais pas accroché à ce texte un peu trop américain à mon goût. Bruce Machart n’est pas un grand écrivain, en ce sens qu’il peine à décrire avec véracité l’expression de la douleur. Il est déjà délicat de mettre des mots, ces médias artificiels et trompeurs, sur un ressenti personnel ; cela l’est d’autant plus lorsque le sentiment en question n’a jamais été ressenti.

La chance de Bruce Machart est d’être tombé sur de grands acteurs. Qu’ils aient déjà vécu ou non l’émotion, ils l’incarnent avec brio, et la transmettent sans la moindre difficulté, en tout cas à moi qui suis pourtant habituellement plus sensible aux mots. Le corps devient maître. Ici, la douleur passe d’abord par les expressions du visage retransmises sur un grand écran, transparent, en devant de scène. Que c’est beau. Les visages sont admirablement filmés, avec des effets maîtrisés et qui accompagnent divinement les textes, floutant parfois les expressions ou provoquant un brusque arrêt sur image permettant de figer une expression sur l’écran. C’est pour cela aussi que je pardonne aisément à Emmanuel Meirieu d’avoir choisi ces textes : cette erreur – appelons cela ainsi même si le mot est fort – est humaine, et s’intègre donc parfaitement dans ce spectacle empreint d’humanité. Les personnages qui nous sont présentés sont de grands enfants ; ils semblent découvrir le monde des sentiments, de la peine et de l’espoir, avec les yeux naïfs d’une première fois.

J’étais venue sur le nom de Xavier Gallais, qui une nouvelle fois surprend par son incarnation puissante sans jamais effleurer le pathos, mais ceux qui l’entourent s’avèrent tout aussi brillants dans l’exercice. Stéphane Balmino, conducteur de bus coupable, est poignant dans son interprétation d’une chanson italienne, dont l’intensité est le fruit d’une oscillation constante entre force, brutalité, et désespoir. Jérôme Derre, père évoquant la mort de son fils aîné, est troublant dans sa confrontation entre le passé et le présent, et présente la sagesse de l’homme qui a su laisser partir des êtres aimés, trop atteint par sa culpabilité pour les retenir. Loïc Varraut étonne de son témoignage muet et possédé, en mari dévasté par la perte de sa femme. Jérôme Kircher, enfin, est sans doute celui qui présente le plus les aspects d’un enfant dans son affrontement face à la nouvelle d’un enfant mort-né. Il semble entrer en conflit intérieur avec lui-même pour repousser au mieux le sentiment de vide et d’injustice qui cherche à croître en lui, et qui finit par éclater.

Un beau moment d’humanité. ♥ ♥ ♥