Critique de Moi non plus, de Bertrand Soulier, vu le 28 février 2018 au Théâtre de la Madeleine
Avec Mathilde Bisson et Jérémie Lippman, dans une mise en scène de Philippe Lellouche

J’aime beaucoup Mathilde Bisson. Je préfère préciser en début d’article puisque vu ce que je vais dire sur ce spectacle, on pourrait presque croire que j’avais de mauvaises intentions. Or j’avais de très bonnes raisons de vouloir le découvrir : découverte il y a quelques années dans L’importance d’être sérieux d’Oscar Wilde, Mathilde Bisson est une actrice que j’adore. C’était même l’une des seules qui avait su me convaincre dans la décevante Fleur de Cactus de Michel Fau l’année dernière, en composant un personnage de manière délicate et lumineuse. Bref, l’imaginer en Brigitte Bardot avait de quoi donner l’eau à la bouche.

D’abord, le titre comme l’intrigue sont mensongers. Là où Moi non plus évoque le célèbre duo Gainsbourg-Bardot et propose donc de découvrir les coulisses de la création de cette oeuvre, la pièce retrace en réalité une presque banale soirée entre les deux amants, la composition de la chanson n’arrivant que très tardivement dans le spectacle. Soirée banale donc, lors de laquelle Brigitte rejoint Serge dans sa suite du Ritz ; lui voudrait sortir, elle non ; elle lui demande d’écrire pour elle une chanson d’amour, il lui propose Bonnie and Clyde avant de composer, dans la nuit, Je t’aime… moi non plus.

D’abord il faut parler de la pièce. Non seulement elle est très mal ficelée, c’est-à-dire que qui ne connaîtrait pas un minimum de la vie des personnages risque de passer à côté de la plupart des références, amenées de manière assez maladroite, mais en plus elle est d’une fadeur incroyable. Dans cette soirée finalement, il ne se passe pas grand chose et les dialogues sont d’une pauvreté sidérante.On ose pourtant espérer que les soirées liant les deux artistes avaient tout de même plus de goût. Sorry groupies. Quelle part est fiction, quelle part réalité ? L’auteur s’est-il seulement renseigné sur l’existence d’une telle nuit ? Mystère.

Ensuite, il faut parler de la mise en scène. J’ai rarement vu une mise en scène aussi faible, c’est-à-dire que rien ne semble réellement pensé. Les comédiens se déplacent vaguement, Serge Gainsbourg faisant approximativement 14 fois le tour de son piano à queue et Mathilde Bisson parcourant quelques kilomètres durant ses allers-retours du piano jusqu’au lit, mais ces va-et-vient semblent sans but réel. Je passerai sous silence les intermèdes musicaux accompagnés d’une création lumineuse style « sphère infernale » à la fois cheap et inutile, véritables projections pour un con, qui jouent une grande part dans mon énervement global.

Enfin, parlons des acteurs. Je vais passer rapidement sur Mathilde Bisson, dont la superbe plastique confère un léger intérêt visuel dans le spectacle. La comédienne a une partition si peu intéressante qu’elle ne parvient pas à briller autant que d’habitude, mais s’en sort du mieux qu’elle peut. C’est moins le cas en revanche pour son partenaire, Jérémie Lippman, qui semble n’avoir trouvé qu’une note pour son Gainsbourg et ne veut plus la lâcher. Il jouera ainsi constamment, dodelinant de la tête, laissant de longs temps entre chaque répliques, baissant systématiquement le ton en fin de phrase. Vous l’aurez compris : l’un est « in » et l’autre est « out ».

Je suis venue vous dire de n’pas y aller. 

Critique du Roi Lear, de William Shakespeare, vu le 18 septembre 2015 au Théâtre de la Madeleine
Avec Michel Aumont, Marianne Basler, Bruno Abraham-Kremer, Agathe Bonitzer, Anne Bouvier, Olivier Breitman, Frédéric Chevaux, Denis D’Arcangelo, Arnaud Denis, Jean-Paul Farré, Nicolas Gaspar, Éric Guého, Martin Guillaud, José-Antonio Pereira, Éric Verdin, dans une mise en scène de Jean-Luc Revol

Shakespeare a été arrangé à de nombreuses sauces ces dernières années : on se souvient notamment du massacre d’Hamlet à la Comédie-Française il y a 2 ans, ou du grand Macbeth de Mnouchkine la saison dernière. Mais comment ne pas se laisser aller à la comparaison avec le Roi Lear de Schiaretti, présenté au Théâtre de la Ville en juin dernier ? Impossible de ne pas confronter les deux mises en scène. D’un côté, un roi déchiré et déchirant ; de l’autre, une folie qui a du mal à nous atteindre. Contrairement à Schiaretti, qui avait tenté d’approcher Shakespeare au plus près, au risque de laisser quelques spectateurs de côté au cours de son spectacle, Revol tente d’embarquer le plus de monde possible dans le sien, quitte à délaisser parfois Shakespeare. Une négligence qui coûte tout de même un peu au spectacle, qui reste en surface lors des scènes plus poignantes.

Lear est déjà vieux au début de la pièce, lorsqu’il partage son royaume entre ses trois filles. Trois ? Non, seulement deux puisque de Goneril, Régane et Cordélia, seules les deux premières sauront parler à leur père de façon à le convaincre de leur léguer une part de leur terre. Cordélia, qui avoue ne l’aimer que comme un père, ne saura pas s’attirer ses faveurs. Rejetée par Lear, elle ne réapparaîtra pas avant la fin de la pièce, lorsque le vrai visage de ses soeurs sera révélé au grand jour. En attendant, le vieux Lear, dépassé par les événements, sombre dans une forme de délire, surveillé de près par son fidèle Kent ainsi que son bouffon. Parallèlement à cette première intrigue, d’autres problèmes de filiation ont lieu : le duc de Gloucester a deux fils ; un légitime, Edgar, et un batard, Edmond. Ce dernier, qui convoite l’héritage auquel son statut ne donne pas droit, complote contre son père et son frère, amenant Gloucester à désavouer son propre fils. Edgar, poursuivi sans comprendre réellement la situation, s’enfuit et se fait passer pour un mendiant. Mais comme on est au théâtre, la vérité finit par éclater : Lear se rend compte que seule Cordélia était honnête en lui déclarant son amour, et Gloucester retrouve en Edgar le fils honnête qu’il aimait. Mais fatigués de tant d’émotions, les deux vieux hommes s’éteignent finalement, le coeur brisé.

Difficile de résumer Shakespeare ; mais dans cette tentative, on comprend, à travers les différents retournements de situation, que l’émotion doit être au rendez-vous de ce spectacle. On doit sentir l’amour qui lie Cordélia à son père, Gloucester à ses fils, Kent à Lear. On doit sentir la folie entrer progressivement en Lear, le posséder, et le conduire à sa perte. L’inquiétude, la tension, le déchirement, sont autant de sentiments qui doivent nous traverser durant le spectacle. Mais cet ébranlement intérieur n’est pas toujours au rendez-vous. En voulant rendre Le Roi Lear accessible au plus grand nombre, en transformant la pièce en une espèce de thriller, certains des aspects les plus profonds, les plus émouvants, se perdent. Par ailleurs, tenter de situer la pièce dans un milieu cinématographique, au milieu des années folles, représente pour moi une fausse idée. Rien dans le texte ne vient le justifier, et aucun des accessoires présents sur scène pour souligner cette situation n’est réellement utile. Mais ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit : dans cette ligne directrice de spectacle plus abordable, c’est un bon divertissement.

Il faut dire que les acteurs sont bien choisis. Michel Aumont campe un bon Roi Lear, qui trouve refuge et une certaine allégresse dans sa folie. Contrairement à Serge Merlin qui semblait de plus en plus écorché au fil de la pièce, Aumont ne semble pas réellement évoluer dans cette folie. Il y trouve douceur et calme, peut-être apaisement, et c’est ce qui nous laisse en surface : on ne rentre pas dans sa douleur. A ses côtés, Jean-Paul Farré, qui avoue vouloir incarner Lear un jour, est un Gloucester déchiré entre l’amour qu’il porte à ses fils et la triste réalité qu’Edmond lui insuffle. Il porte sur ses épaules la plus grande part des émotions transmises au spectateur durant le spectacle, et notamment par sa scène avec Edgar, touchant José-Antonio Pereira. Comment ne pas mentionner également Bruno Abraham-Kremer, Kent attentif et vigoureux, dont la tendresse pour Lear se lit dans ses moindres regards. Une mention également pour Arnaud Denis, qui, même en prenant pour personnage un mélange de tous les méchants qu’on a déjà pu le voir jouer, donne à Edmond une dose de machiavélisme bienvenue.

Certes, ce n’est pas un Shakespeare magistralement mis en scène. Malgré tout, le texte est là, on l’entend assez bien, et ce spectacle reste un bon divertissement. ♥ ♥

Critique de Oh les beaux jours de Samuel Beckett, vu le 22 février 2012 au théâtre de la Madeleine
Avec Catherine Frot et Pierre Banderet, dans une mise en scène de Marc Paquien

Les deux seules pièces que j’avais vues à la Madeleine étaient Diplomatie et Fin de Partie. Soit deux excellents spectacles, proches de la perfection. J’avoue que je partais avec un très bon a priori … Et que je n’ai pas été déçue !

Winnie, incarnée par Catherine Frot, semble être seule sur scène. Enterrée jusqu’au ventre, elle se réveille lorsque le rideau s’ouvre. Alors commence une nouvelle journée. Pour quelqu’un qui ne peut bouger que le haut du corps, on pourrait s’attendre à une pièce tirant sur le tragique, profonde et noire. Mais non : Winnie est une femme optimiste, qui même si elle répète les mêmes actions à longueur de journée, semble le faire avec une réelle joie de vivre. Toujours le sourire aux lèvres, le simple fait de sortir une brosse à dents de son sac réveille en elle son imagination, ses souvenirs. Winnie semble heureuse. Et encore plus lorsqu’on son mari, Willie, donne des signes de vie … Lui est caché derrière le décors, mais n’est pas enterré.

Lors du second acte, nous retrouvons Winnie enterrée jusqu’au cou. Elle ne prie plus. Mais elle s’amuse toujours. Faisant la mou, observant son visage comme elle le peut, et parlant, toujours parlant … Parlant pour se souvenir, parlant à Willie en epérant une réponse, parlant sans s’arrêter … Et si ses yeux se ferment à un seul instant, une sonnerie retentira, de manière à la maintenir éveillée … Étrange …

Quelle chose étrange … Ce n’est qu’un monologue. Le monologue de Winnie, Winnie qui nous raconte, Winnie qui se souvient, Winnie qui espère, Winnie qui prie. Winnie qui vit. Et ici, enterrée comme elle l’est, l’actrice ne peut pas tromper le spectateur : elle n’a que sa voix, ses mimiques, et, au début, ses mains, pour permettre à son monologue de prendre vie. Je n’ai pas douté de Catherine Frot … et j’ai eu raison. Elle l’a fait. Elle nous enchante. À aucun moment, l’ennuie ne se fait connaître. Juste l’envie. L’envie d’en entendre encore, l’envie d’en savoir plus sur leur vie passée, sur ce fameux Piper dont elle évoque le nom à plusieurs reprises … Catherine Frot, entre sa diction parfaite et sa maitrise tout aussi excellente des parties de son corps « à l’air libre », excelle ici. 

Le décor, simple, augmente l’impression de vide autour du couple. Ils semblent n’être nulle part. Le désert, peut-être. Personne d’autre ne viendra, ils finiront leur vie ici. Telle peut-être la signification du revolver, que Winnie sort de son sac aussi simplement que sa brosse à dent. Tout objet a une signification, un besoin, une explication. Pierre Banderet, en Willie, bien qu’il n’apparaisse que peu, parvient à faire courir une vague d’émotion dans la salle lors de sa dernière parole … Très belle performance, pour un seul mot …

Décidément, le théâtre de la Madeleine est fortement conseillé : courez voir ce spectacle, car je ne sais pas si elle sont nombreuses, les excellentes Winnie … ♥ ♥ ♥

Critique de Collaboration, de Ronald Harwood, vu le 30 janvier 2013 au théâtre de la Madeleine
Avec Michel Aumont, Didier Sandre, Christiane Cohendy, Stéphanie Pasquet, Patrick Payet, Eric Verdin, et Armand Eloi, dans une mise en scène de Georges Werler

Dur de monter une pièce dont l’histoire se déroule lors de la 2nde Guerre Mondiale, après le succès de Diplomatie au théâtre de la Madeleine. Mais malgré leur cadre commun, les deux pièces se différencient sur bien des points, et ne sont plus comparables au final. Collaboration met en scène l’alliance artistique entre Richard Strauss et Stefan Zweig, débutée vers 1931. Bien qu’elle se soit conclue plus tôt, l’histoire pousse jusque dans les années 1948. On assiste donc à leurs débuts, leur travail, leur évolution, autant artistique qu’amicale. Le compositeur n’est pas engagé politiquement, l’auteur est juif, les temps sont durs.
Collaboration. Le titre est ambigu. Fait-il réellement référence à la collaboration artistique entre Richard Strauss et Stefan Zweig ? N’y a-t-il pas, dans l’ombre, la mise en avant discrète d’une légère collaboration entre Strauss et le régime nazi ? Car quoi qu’il en dise, n’a-t-il pas accepté le titre de Président de la Chambre de Musique du Reich ? Peut-on seulement affirmer qu’il a collaboré ? Le mot de « collaboration » avait-il seulement un sens pour cet homme ? Car tel qu’il est présenté, Richard Strauss, incarné ici par Michel Aumont, semble n’avoir que la musique dans sa vie. Il ne voit que cet art ; là est sa vie.Tous ses faits et gestes sont reliés à la musique, toutes ses actions ont pour but final de pouvoir composer. Cette passion se transforme vite en servitude, puisque le personnage de Strauss est représenté, dans la pièce, comme deséspéré lorsqu’il ne peut exercer son art, et heureux que lorsqu’il joue et compose. C’est pourquoi Michel Aumont ne semble pas au sommet de son art : son personnage est un peu monotone, et passe son temps entre l’extase et le desespoir. Bien sûr, c’est exagéré, mais son personnage semble malgré tout manquer de profondeur. Néanmoins, lors de la scène finale, j’ai pu admirer le talent de l’acteur, qui semblait, sans aucun maquillage ou artifice de ce genre, avoir 20 ans de plus que dans la scène précédente. A ses côtés, Didier Sandre est un Stefan Zweig plus intéressant, en ce qu’il est plus varié, plus intriguant : tantôt hésitant, modeste, courageux, ou déterminé, l’acteur nous transmet aisément toutes les émotions de l’auteur de génie qu’il incarne. Il impose un certain respect, et, dans son costume d’une élégance british, produit un effet certain sur le spectateur : on est tout de suite « avec lui », plus qu’avec Strauss, il semble plus humain et plus sensible. J’ai aussi beaucoup aimé le jeu de Christiane Cohendy, une Mme Strauss remarquable, qui apportait les quelques rires de la pièce. En effet, son texte prête à rire, mais à cela s’ajoutaient un sens du rythme, du ton, et de la moue, excellents. Les autres acteurs qui les entouraient étaient également à la hauteur ; la jeune compagne de Zweig, presque trop timide et réservée, semblait même craindre la scène lorsqu’elle y entrait ; et l’officier nazi était inquiétant et malveillant au possible. 
Mais de bons acteurs ne peuvent suffire. Là, il manquait quelque chose. Un texte, sûrement. Un peu long au début, un peu trop rapide par la suite, j’aurais apprécié qu’on en vienne plus vite et qu’on creuse plus le sujet de leur alliance, qu’on aille plus loin dans l’opposition « factice » de Strauss face aux nazis : était-ce une réelle opposition, ou juste pour que Zweig continue de lui écrire ses livrets d’Opéra ? De plus, le texte était un peu verbeux. Malgré cela, on ne s’ennuie pas. Les acteurs savent capter et maintenir notre attention, et les passages un peu approfondis sur la musique se sont avérés très intéressants pour les amateurs. 
Malgré tout, je rage intérieurement. J’enrage qu’au théâtre de la Madeleine, deux portables sonnent. Que l’un d’eux sonne 5 fois sans que personne ne fasse quoi que ce soit. Que cette sonnerie m’empêche d’entendre une anecdote importante, déterminante. Doit-on distribuer un mode d’emploi du téléphone portable pour que les spectateurs comprennent enfin ? C’est du spectacle vivant, il s’agit de respect pour les acteurs. Et lorsque la 2e sonnerie a retenti, juste devant moi, je me suis indignée. C’est scandaleux. C’est gênant. C’est déstabilisant.

Si tant est qu’on n’est pas dérangé par des spectateurs bruyants, on passe une bonne soirée, et, si les deux têtes d’affiches ne sont pas au plus haut de leurs capacités, ils livrent tout de même devant nous une bonne part de leur art. ♥ ♥