Critique de 1h22 avant la fin, de Matthieu Delaporte, vu le 8 février 2022 à la Scala Paris
Avec Kyan Khojandi, Eric Elmosnino et Adèle Simphal, dans une mise en scène de Matthieu Delaporte et Alexandre de la Patellière

Comme beaucoup de spectateurs, je pense, c’est la distribution qui m’a d’abord attirée vers ce spectacle. Kyan Khojandi au théâtre, évidemment, c’est un petit événement, et en plus face à Eric Elmosnino, il n’y a pas à dire, ça peut faire envie. J’avais quand même cette petite voix dans ma tête qui me disait : « attention, deux têtes d’affiche ne suffisent pas à faire un bon spectacle, ne l’oublie pas ». Mais, en brave mouton que je suis, j’ai ignoré la petite voix dans ma tête – après tout, Matthieu Delaporte avait participé à l’écriture du Prénom qui est quand même une comédie de qualité. Mais en fait j’aurais mieux fait de suivre la petite voix dans ma tête.

La pièce s’ouvre sur Bertrand – Kyan Khojandi – qui s’apprête à se suicider. Mais alors qu’il allait se laisser tomber du bord de sa fenêtre, quelqu’un toque à la porte. L’homme qui est là porte une moustache et un pistolet et est venu pour le tuer – c’est Eric Elmosnino. S’engage alors un dialogue entre les deux hommes qui parlent de tout et de rien. Mais surtout de rien.

1h22, c’est un peu l’archétype du genre. Deux têtes d’affiche, une scéno qui se tient, mais un texte qui gâte tout. Dès le début, on sent qu’il va y avoir un problème. Parfois, je me dis qu’il faudrait que je fasse une critique uniquement composée des notes que je couche sur le papier pendant la représentation. Ici, ça donnerait à peu près ça : « Vannes faciles qu’on devine avant. Manque de rythme. Silences entre les répliques. Ça ne décolle pas. Remplissage avec des paroles de chanson. Dialogues creux. »

Bref, pas la peine d’en écrire des lignes à mon tour, je pense qu’on comprend l’idée générale. Faire 1h22 de spectacle avec aussi peu de matière en dit long sur le texte qui nous est présenté. La note d’intention est édifiante – il ne semble pas y avoir d’autre intention que de combler des nuits d’insomnie. Soit. Au milieu du spectacle, pendant quelques minutes, on a l’impression que quelque chose se passe, légèrement, puis ça retombe. On finit par s’accrocher à la seule curiosité de connaître la fin. Dommage pour nous : c’est un long tunnel plutôt inconsistant dont on sort un peu abrutis.

On aura quand même un petit mot pour les comédiens, qui rendent le moment aussi consistant que possible : on connaît le flegme et la puissance comique d’Eric Elmosnino, cette voix légèrement traînante en fin de phrase qui donne toute la saveur à la réplique ; il est aussi bien que possible avec cette étrange partition qui lui est donnée et avec laquelle il semble parvenir à s’amuser malgré tout. Kyan Khojandi, qui fait ses premiers pas au théâtre avec ce rôle, semble plus fragile que son partenaire : il n’embrase pas le plateau mais la mélancolie de son regard, sa presque timidité, sa posture un peu avachie conviennent plutôt bien au personnage qu’il défend. Adèle Simphal, qui rejoint le duo à la fin du spectacle, doit faire théâtre avec un monologue si inconsistant qu’elle peine à exister réellement sur le plateau. Cette pièce n’était pas un cadeau pour une première fois sur les planches.

Bref, je ne m’attendais pas à grand chose et je suis quand même déçue.

Critique du Feuilleton Goldoni, d’après la trilogie Les Aventures de Zelinda et Lindoro de Carlo Goldoni, vu le 18 septembre 2021 à la Scala Paris
Avec  Joséphine de Meaux, Félicien Juttner, Augustin Bouchacourt, Charlie Dupont, Ahmed Fattat, Tania Garbarski, Jonathan Gensburger, Frédéric de Goldfiem, Pauline Huriet, Thibaut Kuttler, et Ève Pereur, dans une mise en scène de Muriel Mayette-Holtz

J’avoue avoir un peu hésité avant de me décider à réserver pour ce feuilleton Goldoni à La Scala : les confinements successifs m’ont un peu fait perdre l’habitude de ces marathons théâtraux dont les passionnés sont souvent friands. Ici, ce sont trois spectacles de 1h20 comme trois épisodes d’un même feuilleton qui sont proposés, à l’unité en semaine ou en intégrale le week-end. Et comme on n’a peur de rien, c’est évidemment l’intégrale qu’on a choisie, afin d’amener un peu du soleil de l’Italie dans mon samedi nuageux.

Trois feuilletons, donc, pour suivre les aventures amoureuses de Zelinda et Lindoro : leurs amours malheureuses dans le premier épisode, où ils sont obligés de se cacher dans la maison où ils servent, Zelinda étant courtisée à la fois par le fils de son maître et l’intendant de la maison – et de façon ambiguë par son maître qui l’aime « comme sa propre fille », ce qui rend la relation entre Zelinda et sa maîtresse parfois compliquée. La situation finira par s’arranger et ils se marient à la fin du premier épisode, mais Lindoro va gâcher cet heureux dénouement par une jalousie maladive et paranoïaque qui va entraîner diverses péripéties durant le deuxième épisode. Il travaillera sur ses doutes tout au long du dernier épisode, rendant cette fois sa femme, Zelinda, suspicieuse : s’il n’est plus jaloux, c’est qu’il ne l’aime plus…

Avant toute chose, avant d’être critique, car je vais l’être – un peu – j’aimerais saluer l’audace, le culot, le courage de Muriel Mayette de monter un marathon de théâtre comique. Porter haut les valeurs de la comédie et du divertissement, quand les pièces longues sont en général réservées à des spectacles sérieux et profonds, c’est vraiment courageux. Donc merci pour ça, merci de rappeler que la comédie n’est pas un sous-genre théâtral et que rire n’est pas réservé aux idiots. C’est une chouette vision du théâtre, que je respecte et que je partage.

J’ai été assez décontenancée par les deux premiers épisodes de ce feuilleton. C’est monté comme un vaudeville, ça m’évoque Labiche, mais le rire monte peu. Je mets d’abord en cause le texte qui n’est pas le meilleur de Goldoni et souffre de quelques longueurs, mais il n’est à mon sens pas le seul responsable. Car je vois certains comiques de situation avec pourtant un joli potentiel retomber sans soulever la salle de rire. Je sais que je n’ai pas le rire facile mais de là à ne pas m’en décrocher un seul, je suis un peu déçue.

Et j’ai l’impression de toucher du doigt le problème en avançant dans le spectacle : on ne croit pas vraiment au couple formé par Félicien Juttner et Joséphine de Meaux, Lindoro et Zelinda. On ne voit pas leur amour sur scène alors que tous les personnages ne parlent que de ça – mais il est aux abonnés absents. Il faut dire aussi que le jeu de Joséphine de Meaux est en constant décalage avec celui du reste de la troupe, comme si le premier degré ne lui convenait pas. Son jeu quelque peu nerveux peine à évoquer la pureté dont tous les personnages la louent, ce qui me bloque un peu pour pleinement apprécier le spectacle.

Je ne reste pas totalement en dehors du spectacle non plus : l’ensemble du travail est soigné, la mise en scène dynamique, les enchaînements très fluides. Et le reste de la troupe semble avoir trouvé plus facilement le ton juste : Charlie Dupont compose un maître très réussi, trouvant un bel équilibre entre tendresse et autorité – et on prendra toute la mesure de sa composition lorsqu’il incarnera le notaire au troisième épisode : transformation totale. Jonathan Gensburger est également très convaincant en intendant fourbe et omniscient ; il est le contrepoint réellement farcesque du spectacle. Mention spéciale également à Tania Garbarski, maîtresse alcoolique et dépressive qui attire instantanément le regard sans jamais tomber dans le surjeu. Ce sont eux ce qui me font rester jusqu’au bout. Quelle sage décision !

Car c’est pour moi dans le troisième épisode que le spectacle explose. L’atmosphère change complètement : l’amour de Zelinda et Lindoro n’est plus le personnage central de la pièce et ça change tout ! Certes, il est toujours présent car dans cet ultime acte Zelinda se met à douter de Lindoro, mais ce nouveau point de vue permet à l’actrice de se révéler complètement car on ne lui demande plus de jouer les amoureuses premier degré mais bien de sombrer dans une certaine folie… Or c’est là que Joséphine de Meaux excelle : dans les effets. Elle n’est plus brimée par cette personnalité qui ne lui convient pas et peut laisser libre cours à ses délires pour le plus grand plaisir des spectateurs. Cela provoque un déclic : tout d’un coup la machine s’emballe pour donner un dernier épisode à cent à l’heure qui convainc totalement !

Un bilan mitigé dont on saluera malgré tout l’ambition et le lâcher-prise final ! ♥ ♥

Critique de Perte, de Ruthy Scetbon et Mitch Riley, vu le 22 octobre 2020 à La Piccola Scala
Avec Ruthy Scetbon, mis en scène par Ruthy Scetbon et Mitch Riley

C’est chouette comme les choses arrivent. Il aurait pu y avoir plein de raisons pour lesquelles j’aurais manqué ce spectacle. Si Ronan au Théâtre ne me l’avait pas proposé, d’abord, pour me faire sortir un peu de ma zone de confort théâtrale et me faire découvrir de nouveaux univers – je le lui rendrai bientôt. Si le même Ronan ne l’avait pas lui-même fait connaître à la programmation de La Scala Paris, projetant ainsi la jeune comédienne sur une scène parisienne importante et facilitant aussi sa rencontre avec le public. Si ça n’avait pas été Dominique Racle qui défendait ce spectacle mais quelqu’un à qui je fais moins confiance. Bref, la vie est faite de rencontres, et ce sont celles-ci qui m’ont amenée là, pour voir un spectacle qui, plus qu’un autre, se base sur la rencontre d’un personnage et de ses spectateurs.

Je ne savais pas ce que j’allais voir. On m’avait vaguement mentionné un clown, j’avais rapidement regardé quelques secondes du teaser du spectacle, j’en avais déduit que c’était un clown avec un balai. Je suis pas très clown, de base, alors là j’avoue que j’étais perdue. Mais en fait pas du tout. Oublions l’histoire du clown. Le clown, c’est presque une excuse symbolique pour représenter un personnage borné dans l’univers collectif : le clown est là pour nous divertir, la femme de ménage est là pour nettoyer. Mais que se passe-t-il lorsque cette même femme de ménage habituée à l’oubli se retrouve sous les projecteurs ?

Je ne suis pas rentrée tout de suite dans le spectacle. Les rires ont fusé vite autour de moi, il m’a fallu un plus grand temps d’adaptation. Mais une fois que j’avais accepté le personnage et ce qui se jouait devant moi, impossible d’y résister. On est d’abord pris par la chouette performance de mime qui ouvre le spectacle car le début est quasiment muet, ou tout comme – les quelques mots lâchés sont voulus inintelligibles. Ce moment, où l’on découvre le personnage principalement à travers son corps, sa gestuelle, est vraiment très particulier. C’est probablement là que quelque chose se passe, que le lien entre le spectateur et la comédienne se crée. Dans son attitude, elle rappelle un bambin qui se cache et qui est à la fois heureux et gêné quand on le trouve si vite après avoir fait d’abord semblant de le cacher. C’est en tout cas ce que ses tortillements m’ont évoqué : l’enfant timide et gêné, celui qui a encore envie de se montrer et regrette rapidement son geste lorsque tous les regards se tournent vers lui. C’est absolument charmant.

Cette première approche du personnage est tellement réussie qu’on aimerait qu’elle s’éternise davantage. Mais on se rend compte que finalement, le spectacle ne perd rien quand le texte arrive. Les répliques sont, à l’instar de ce qui se joue devant nos yeux, inattendues, fines et poétiques. Je regarde ce personnage de femme de ménage et je ne peux m’empêcher de penser à une paillette. C’est elle qui astique mais c’est elle qui brille. Tout en discrétion, d’un éclat variable en fonction de la lumière afin de ne pas trop nous éblouir, elle est captivante sans jamais en faire trop. Elle attire le regard sans le chercher. Cette première partie m’a envoûtée.

Cette personne qui est face à nous, donc, c’est la femme de ménage du théâtre. Elle décide de nous montrer, de nous expliquer ce qu’elle fait ici : le nettoyage de la salle. Mais, dans cet acte banal, on sent une question de vie ou de mort. C’est comme si, soudain, le personnage était né sur ce plateau – tant qu’il y est, tant qu’il nous captive, tant qu’il se tient dans la lumière, il vit. C’est fait avec naïveté et sincérité, sans aucune prétention, et c’est probablement pour ça que ça fonctionne. Parce qu’au fond, ce qui se passe sur scène, on devrait s’en foutre – et pourtant on est comme fascinés.

Quand elle décide de nous montrer le coffre des objets trouvés, je dois dire que j’ai été très emballée. Pour moi, c’était une promesse de poésie. L’objet, l’ambiance, le personnage, tous les axes s’alignaient pour faire de ce moment un instant d’exception. J’en attendais peut-être trop ; en tout cas, j’ai été un peu déçue. Quelque chose se brise dans cette deuxième partie. Peut-être parce que la proposition devient soudainement plus attendue, peut-être parce que le changement de rythme m’a paru un peu fabriqué, peut-être parce que le personne prend trop son aise – je n’ai pas adhéré. L’univers du début m’avait transportée dans une sorte d’hypnose apaisante, soudainement interrompue par des cris inutiles et sonnant faux.

Difficile pour l’hypersensible que je suis de me raccrocher au navire qui vogue vers la troisième partie du spectacle. Et pourtant elle nous ramène, tout en douceur, près de l’univers qu’elle nous proposait en ouverture du spectacle. C’est doux comme un cocon. La fin est sans doute plus attendue que le reste de la pièce mais n’en reste pas moins ensorcelante. Les images et l’ambiance me resteront. Mais je suis peut-être passée un peu à côté de quelque chose dans le propos.

Ruthy Scetbon, un nom à suivre. ♥ ♥