Critique de La légende du saint buveur, de Joseph Roth, vu le 7 septembre 2022 au Théâtre du Lucernaire
Interprétation, adaptation et mise en scène de Christophe Malavoy

Ça fait un bout de temps que ce spectacle me fait de l’oeil. Créé au Festival OFF d’Avignon en 2019, il était prévu pour une tournée en 2020, malheureusement annulée par notre cher covid. Il a repris une partie de cette tournée l’année dernière, et est enfin revenu à Paris pour cette rentrée théâtrale 2022. Je ne connais ni l’histoire, ni l’auteur, ni l’interprète, mais j’en ai beaucoup entendu parler et j’en ai conclu que ce trio était la promesse d’une bonne soirée. Je ne m’étais pas trompée.

La légende du saint buveur, c’est celle d’Andréas, un sans-abri alcoolique à qui un inconnu offre de l’argent au début de l’histoire. Andreas n’a plus aucun bien matériel, il vit sous les ponts, mais cette misère ne lui enlève aucun cas son honneur, et il promet à l’inconnu qu’il remboursera sa dette. Nous suivrons alors ses différentes tentatives pour tenir sa promesse, et comment, alors qu’il semble incapable d’économiser l’argent qui lui reste, une étrange providence multipliera les occasions de se racheter en faisant pleuvoir sur son chemin des pluies de billets.

Je n’ai pas lu la nouvelle, mais le spectacle fait complètement honneur à cette légende évoquée dans le titre. Malavoy parvient à créer une réelle atmosphère, à nous emmener ailleurs, dans un ailleurs qui pourrait être le rêve d’Andréas. C’est un texte qui ne ressemble à rien d’autre, une histoire qui pourrait être un délire d’agonie autant qu’un conte fantastique. Christophe Malavoy parvient à proposer tout ça à la fois, grâce à une adaptation, une mise en scène et une interprétation d’une très grande finesse.

Ce spectacle est une petite merveille, plein de miracles au même titre que son histoire. Malavoy réussit à mettre le spectateur dans le même état que son personnage, Andreas. Il nous maintient dans une espèce de légèreté presque euphorique tout en y mêlant une mélancolie prégnante. Tout rappelle le tragique à cet homme qui pourtant reste joyeux et positif, et le spectateur a beau sentir la fatalité qui pèse sur l’histoire, il rit de ces situations extraordinaires qui s’enchaînent en faisant fi de tout réalisme.

Ces deux ambiances cohabitent parfaitement sur le plateau. Christophe Malavoy a fait de la place pour tous les moments, pour toutes les émotions. Il semble laisser des indices ça et là qui indiquent au spectateur de voir plus loin que l’histoire qu’il raconte. Les chansons et les morceaux de trompette qu’il interprète, avec la puissance d’incarnation d’un Reggiani, sont en totale harmonie avec la tonalité du spectacle. La construction et l’interprétation singulières de tout ce qui entoure Andréas sont pour moi de l’ordre d’un effet spécial théâtral, comme un flou intentionnel pour nous déstabiliser. Le tout est empaqueté dans une grande légèreté, de cette simplicité brillante qu’on ne rencontre que chez les plus Grands. Bravo.

C’est une émotion sur le fil. L’émotion de l’enfant qui écoute une histoire. L’émotion de l’adulte qui entend cette histoire. ♥ ♥ ♥

Critique de Je pionce donc je suis, de Michaël Hirsch et Ivan Calbérac, vu le 19 octobre 2019 au Théâtre du Lucernaire
Avec Michaël Hirsch, dans une mise en scène de Clotilde Daniault

Michaël Hirsch est un artiste que j’aime beaucoup et j’avais peur, en allant voir son nouveau spectacle. J’avais peur d’être déçue, tant Pourquoi ? était une réussite. Je l’avais vu au OFF d’Avignon en 2016, ce qui était presque « tardif » puisqu’il avait été créé aux Déchargeurs en 2014. Il a fait trois Avignons successifs. Je lui avais posé plusieurs fois la question du prochain spectacle mais il restait évasif. Car Michaël Hirsch fait les choses bien, il sait où il va, et son deuxième spectacle, Je pionce donc je suis, n’est ni une pâle imitation de Pourquoi ?, ni un brouillon destiné à tester des idées. C’est un deuxième spectacle à part entière, et très réussi.

Dans Je pionce donc je suis, on va suivre le parcours d’Isidore Beaupieu – comme il porte bien son nom – qu’on pourrait décrire comme un jeune cadre dynamique qui commet une énorme bourde alors que sa carrière devait s’envoler et se retrouve soudainement au chômage. Lui qui n’avait plus une seconde à lui se retrouve alors avec de nombreuses heures pour penser, penser à ce qu’il est, ce qu’il aime, ce à quoi il souhaite dédier sa vie. Et rêver, surtout.

Et il faut bien le reconnaître : Michaël Hirsch nous fait rêver. Si, dans Pourquoi ?, il racontait les questions existentielles d’un personnage et leurs évolutions au fil de sa vie, il nous propose ici une véritable pièce de théâtre qu’il monte à lui tout seul. Il n’incarne pas seulement Isidore Beaupieu ; il est tour à tour Sandra, sa femme, Sanchez, son boss, Bruno, le gardien de nuit, et de nombreux autres qui interviennent à un moment de l’histoire. Chaque personnage est admirablement construit, dessiné avec précision, et tout est si travaillé qu’il peut s’autoriser des pointes de folie sans risquer de nous perdre. Impossible de nous perdre d’ailleurs tant la mise en scène est rythmée : il n’arrête pas une seconde et prend un tel plaisir sur scène que c’en devient communicatif. D’ailleurs, il n’hésite pas non plus à jouer avec son public, à le charrier sur sa lenteur d’esprit ou son rire parfois trop enthousiaste, et ce lien qu’il noue avec la salle est, à la manière du comédien, bienveillant et chaleureux.

Je ne peux m’empêcher de comparer ce spectacle à son premier. J’imaginais la pression qui devait peser sur ses épaules pour écrire le deuxième. Il s’en sort plus qu’admirablement. Il ne se trahit pas, nous rappelle sans honte qu’il est l’auteur de Pourquoi ?, son spectacle est ponctué des nombreux jeux de mots qui faisaient la saveur du premier, mais il est aussi allé chercher autre chose. On aime toujours autant ses bons mots – tout y passe : les draps les couettes les oreillers – on serait même étonné de ne pas voir apparaître Laurent Delahousse au milieu du spectacle ! Et son imitation de Luchini… une perfection absolue ! Mais c’est un vrai plaisir aussi de le voir aller vers d’autres sujets, car même si c’est un peu naïf, c’est une pièce feel-good qui permet au spectateur de facilement s’identifier entre le regard sur les écrans, l’émergence des bullshit-jobs, et le besoin de toujours rêver. J’aime le voir évoluer sur scène, proposer de nouveaux personnages, nous montrer qu’en plus d’être un humoriste, il est un comédien. Et mention spéciale à son super décor multifonctions, un décor « utile » comme on n’en voit pas assez au théâtre, un décor intelligent et qui lui permet de se réinventer sans cesse, un décor dont on peut se dire, à l’image des calembours de Michaël Hirsch : « il fallait y penser ».

Comme un rêve éveillé. ♥ ♥ ♥

Critique d’Études de fesses, de X. Gallais et le Projet Bloom, vu au Lucernaire le 10 octobre 2015, par complice de MDT
Avec Xavier Gallais, Raquel Camarinha (soprano) et Christelle Séry ou Margot Fontana (guitare électrique)

Voilà un spectacles des plus troublants et des plus réussis. Dans une salle obscure, à l’atmosphère tamisée et intime, nous découvrons les trois artistes : Xavier Gallais assis devant un lutrin, une jeune guitariste d’allure garçonnière à ses côtés, et en retrait, debout, en robe du soir, une jeune et belle cantatrice. Sans se quitter du regard, sans que jamais ne s’interrompe l’espèce de courant électrique qui les relie, l’un va lire des textes, les autres jouer ou chanter.

Les textes, que Xavier Gallais habite de manière époustouflante, sont tous en rapport avec le sexe, les chants, souvent plus sentimentaux, se trouvent colorés d’érotisme par leur alternance avec les textes, les morceaux de guitare électrique accentuent l’atmosphère vibrante de la soirée. On rit beaucoup, lorsque Xavier Gallais, accompagnant sa lecture d’une gestuelle discrète, mais étudiée, lit un extrait des « Cochons sont lâchés » de Dard, on est terrifié par la force qu’il donne à un récit abject de Christian Prigent. Raquel Camarinha, magnifique soprano, est d’une classe folle dans la fameuse « Sonata erotica », et clôt la soirée avec une interprétation infiniment mélancolique de « Youkali  de Kurt Weil. Le dosage, le rythme, l’intelligence de l’ensemble sont saisissants. Tous les aspects du désir sexuel, de sa gaillardise à ses abîmes se succèdent, de manière presque envoûtante grâce à ce dispositif.

Belle idée du Lucernaire que cette « Carte blanche » à Xavier Gallais, diseur hors-pair, d’un naturel où la veulerie le dispute au désespoir, mais toujours sur un fond d’innocence, comme s’il voulait nous signifier que le fantasme dans l’ordre sexuel ne nuit à personne, sauf parfois à celui qui le conçoit. On souhaiterait que ce spectacle étonnant puisse avoir de plus nombreuses dates.

Critique des Précieuses Ridicules de Molière, vu le 29 août 2012 au théâtre du Lucernaire
Avec Régis Bocquet,Ariane Brousse, Barbara Gauvin, Aude Macé, Déborah Marique, Marion Lo Monaco, Denis Morin, Edouard Michelon, Justine Paillot, Cédric Révillion, Walter Stawinoga, Damien Vigouroux, Damien Zanoly, Jeanne Gogny, Regis Chaussard, dans une mise en scène de Pénélope Lucbert

Paris en août, c’est assez spécial … La plupart des parisiens sont partis, la ville est vide, les théâtres préparent leur rentrée, en septembre … En fait, ça ne ressemble plus au Paris qu’on connaît, puisqu’un des seuls théâtres qui continue de fonctionner est le Lucernaire. Alors, même si on n’est pas fan de ce théâtre aux petites salles inconfortables et un peu chères pour ce qu’elles sont, on est tenté de s’y rendre …

C’est en des pièces commes Les Précieuses Ridicules que l’on peut facilement s’apercevoir de ce qui fait l’immortalité de Molière. Immortel, car d’une modernité étonnante. En effet, le metteur en scène a pris le parti d’en faire un spectacle « rock’n’roll », et ceci concorde tout à fait avec le ton de la pièce. Pas de faux pas, pas de contresens, tout semble aller. 

Le spectacle dure 1h10, et c’est peut-être le seul point négatif .. En effet, les passages musicaux (il y a un guitariste sur scène) sont un peu longs, et le début de la pièce l’est également (on ne comprend d’ailleurs pas tout à ce début …). Mis à part ce léger détail, tout est bien … Les acteurs, sans être extraordinaires, maîtrisent leur rôle et mettent du coeur à l’ouvrage : ils se déchaînent, cabriolent, jouent avec le public … cela se ressent et amène le rire chez le spectateur : les précieuses sont en effet très ridicules dans leurs habits rock, leurs nombreuses mimiques, et leur chewing-gum. Mascarille et Jodelet ne restent pas en retrait et ont un égal talent comique. Enfin, le père des deux filles, petit boule de feu, est excellent.

De bonnes Précieuses Ridicules à voir au Lucernaire jusqu’au 15 septembre. ♥ ♥ 

Critique des Bonnes de Jean Genet, vu le 24 juillet 2012 au théâtre du Lucernaire
Avec Marie Fortuit, Odile Mallet, et Violaine Phavorin, dans une mise en scène de Serge Gaborieau et Armel Veilhan

Que de découvertes cet été … Après Jarry, voici maintenant Genet. J’en ai souvent entendu parler, mais jamais lu, jamais vu … Mais ayant reçu l’invitation, et débordant toujours de l’envie de découvrir de nouveaux auteurs et de nouvelles pièces, c’est avec un bon a priori que je me suis rendue au Lucernaire, mardi dernier.

Les Bonnes, c’est l’histoire de deux soeurs, aux relations parfois ambigues, qui servent pour Madame, et qui projettent de la tuer. Ainsi, à plusieurs reprises, elles jouent leur projet, le mettent en scène, le répètent, de manière à ne pas faillir quand viendra le moment fatal. Mais l’alternance entre les scènes « réelles » et les scènes de « jeu » se fait assez mal ici, et j’ai eu du mal à percevoir la différence … Quand les deux filles se projettent-elles dans le futur (ou plutôt l’irréel du futur) ? Quand reviennent-elles à la réalité ? Quand Claire est-elle dans son rôle de Madame ? Quand revient-elle à elle-même ? Difficile à déterminer. Voulu ou non, j’ai trouvé cela dommage.

De plus, je me suis vite rendue compte que je n’accrochais pas vraiment à l’histoire, et que le texte me semblait parfois trop peu naturel, un peu trop poétique, pour que je puisse vraiment l’apprécier. Et pour tout dire, les deux jeunes actrices incarnant les deux bonnes semblaient un peu vertes : trop de récitations, peut-être trop d’application … Mais rapidement intervient Odile Mallet, actrice ayant bien plus de métier (qui se fait sentir), et tout devient plus intéressant, plus brillant. La scène où elle apparaît, trop courte à mon goût, se détache du reste de la pièce. Une grande actrice.

Pourquoi pas ?