Critique de L’Effet Miroir, de Léonore Confino, vu le 18 octobre 2023 au Théâtre de l’Oeuvre
Avec François Vincentelli, Caroline Anglade, Éric Laugérias et Jeanne Arènes, mis en scène par Julien Boisselier

Quand j’ai vu l’affiche, j’ai d’abord eu un petit effet de recul – je ne me suis pas encore faite à la nouvelle charte graphique de l’Oeuvre, non, même si ça fait 7 ans, que voulez-vous. Mais difficile de passer à côté d’une distribution pareille : François Vincentelli, Éric Laugérias et Jeanne Arènes, mis en scène par Julien Boisselier de surcroît ? On fonce !

On ne va pas en dire trop, car ce serait bête de gâcher la surprise. On va dire qu’il y a un dîner de couples, un romancier en mal d’inspiration, un miroir qui fait des misères à qui se regarde dedans, une raie à cuisiner pour le dîner, quelques petits secrets qui vont pointer le bout de leur nez, un personnage tout droit sorti de la Famille Adams, et pour le reste, on vous laissera savourer…

De ce que j’en connais, je ne suis pas une grande fan du théâtre de Léonore Confino. Mais après tout je ne suis pas spécialiste et devant une telle affiche, je suis prête à donner une nouvelle chance. Et heureusement ! Dès les premières minutes du spectacle, je suis happée par cette ambiance étrange qui, tout de suite, s’installe sur scène. On est dans une comédie – ou on veut nous faire croire qu’on y est – et, pourtant, quelques chose d’inhabituel plane. Moi qui me croyais partie pour une histoire somme toute très banale de dîner de couples, me voilà dans un univers qui joue avec le surréalisme. Et j’y plonge complètement.

Pour moi, c’est la grande réussite de ce spectacle. La mise en scène de Julien Boisselier a tout misé sur cette atmosphère ambivalente qui oscille de la comédie à la fantaisie macabre, et qui m’a complètement emballée. Même une fois qu’on a pénétré cette ambiance inattendue, elle sait nous surprendre encore. La pièce ne joue pas la demi-mesure, fait confiance à sa situation, et ça fonctionne, portée évidemment par d’excellents comédiens. Elle parvient à maintenir l’étonnement, l’originalité, le décalage. Elle donne l’impression d’une atmosphère orageuse qui ne pète pas vraiment. C’est comme si le mystère qui rodait autour du conte écrit par Théophile avait pris possession du plateau. Et cela provoque un rire dans la même veine que tout ce qui se passe ici, un rire étrange et décalé, un rire qui s’impose sans qu’on l’ai senti venir et qui s’exprime librement avec quelques secondes d’écart. Il est étonnant, ce rire, et suffisamment rare au théâtre pour m’avoir marquée ce soir-là.

Bon, il faut aussi le dire : tout ne fonctionne pas. Il y a des longueurs. Je n’ai pas vraiment su analyser d’où venaient ces moments « sans » : lorsqu’on s’éloigne trop du mystère pour toucher au concret, ou lorsqu’on tente de mesurer un peu le propos, peut-être, et encore. Pas sûr. De toute façon, pour être tout à fait honnête, j’étais tellement emballée par ce climat si particulier sur le plateau que ça ne m’a pas vraiment dérangée. C’est étrange, car des longueurs devraient habituellement peser dans un spectacle aussi court. Mais elles sont comme tout le reste. Étonnantes. Comme si, parce que le le spectacle étaient très dense, les zones d’essoufflement ne parvenaient pas vraiment à entamer le rythme mis en place. Oui, je suis à deux doigts de dire que mêmes ces longueurs, je les ai bien aimées. Étrange.

Une jolie surprise ! ♥ ♥

L’Effet Miroir – Théâtre de l’Oeuvre
55 Rue de Clichy, 75009 Paris
A partir de 22€
Réservez sur BAM Ticket !

Critique d’Un Prince, d’Emilie Frèche, vu le 1 septembre 2023 au Théâtre de l’Oeuvre
Avec Sami Bouajila, mis en scène par Marie-Christine Ory

Écoutez, hein, voilà, qu’est-ce que vous voulez que je vous dise. Oui, la raison qui me pousse à aller voir ce spectacle c’est Sami Bouajila et oui le fait qu’il soit incroyablement beau pèse aussi dans la balance. Ok je suis une groupie mais pas seulement : je suis aussi complètement dégoûtée d’avoir manqué Disgrâce, dans lequel il devait incarner le premier rôle, programmé puis annulé au Théâtre du Rond-Point la saison dernière. On se rattrape comme on peut !

Sur la scène, une butte de terre. On ne sait pas trop où on est, on changera d’ailleurs de lieu au fil de l’histoire et de ses temporalités. Car Sami Bouajila incarnera successivement un père et son fils : un ouvrier, peut-être algérien, immigré en France, et sa descendance, devenue SDF, errant dans un quartier qu’on imagine difficile et qu’il imagine, lui, tout autre.

Le seul en scène, ça ne pardonne pas. Sur le plateau, ça se sent tout de suite. On l’occupe, ou on ne l’occupe pas. Pour un comédien comme Sami Bouajila, rare sur les planches, on peut avoir un doute. Se demander comment il va s’en sortir. Et pourtant. Quand il entre en scène, c’est l’évidence. Les planches sont son territoire. Il se passe quelque chose. L’instant d’avant, il n’y avait qu’une motte de terre, et, lorsqu’il se met à jouer, c’est tout un univers qui se dessine autour de lui.

Impossible de ne pas penser à Beckett quand on le voit parcourir ce plateau quasi-nu de sa démarche précise, maladroite et saccadée mais qui, déjà, raconte quelque chose alors qu’il ne fait encore que marmonner. C’est pour lui qu’on est venu, c’est lui qu’on retiendra. Il n’a pas choisi le texte le plus passionnant qu’on ait connu – Beckett rôde surtout dans la forme. Mais il en tire le maximum. Il le tient. Il l’incarne. Il le possède. Le personnage s’invente un tout qui semble prendre vie sous nos yeux. Pour exister. Pour survivre. Il y a une forme d’urgence. Sami Bouajila est un boxeur du verbe. Le texte se perd parfois dans un certain pathos, mais il arrive à nous maintenir alerte. Et, sans prévenir, au détour d’une phrase, sans hausser le ton, sans y mettre d’effet, il balance une phrase qui a l’effet d’un uppercut. Et lorsqu’il salue, il ne permet aucun doute : il a gagné.

C’est vrai que j’ai pas été fan de ce texte, mais c’est celui qui m’a permis de revoir Sami Bouajila sur scène, alors je vais pas bouder mon plaisir. ♥ ♥

Critique de Home, de David Storey, vu le 24 octobre au Théâtre de l’Oeuvre
Avec Carole Bouquet, Pierre Palmade, Gérard Desarthe, Valérie Karsenti, et Vincent Deniard, dans une mise en scène de Gérard Desarthe

Si je suis une habituée du théâtre de l’Oeuvre, si j’aime les programmations de Frédérick Franc, si j’admire le travail de Gérard Desarthe, je n’en reste pas moins totalement déconcertée par le spectacle actuellement présenté au Théâtre de l’Oeuvre. Gérard Desarthe avait pourtant réuni une si belle équipe… autour d’un texte qui sonne si creux. Quelle erreur.

Je me retrouve bien embêtée à l’idée de devoir résumer cette pièce. Comprenant assez vite qu’elle ne partait de rien et n’allait nulle part, qu’elle ne disait rien de profond, qu’elle n’était que succession de phrases sans rapport et sans intérêt, de situation inintéressantes, de propos inutiles, mon cerveau s’est assez vite mis en mode off. Je déteste perdre mon temps, et particulièrement au théâtre, là où le diable, c’est l’ennui. Coincée. J’étais coincée en ce milieu du premier rang du théâtre de l’Oeuvre, place que j’aime tant d’habitude, et qui ce soir là me semblait bien inconfortable. J’étais coincée devant des comédiens formidables qui ne parvenaient pas à porter un texte bien trop faible.

C’est donc l’histoire de 5 fous qui se rencontrent et qui se parlent. Mais ils n’ont pas grand chose de fou, ces fous-là. En tout cas, ils ne nous entraînent pas dans une atmosphère sombre, inquiétante, ou étonnante. Ils ne donnent pas l’impression d’être chez les fous. Ils ne nous amènent nulle part, en réalité. Ils enchaînent des phrases sans intérêt, des phrases creuses, molles, vides. On comprend vaguement la raison de leur présence dans cet asile, mais on ne s’y intéresse pas suffisamment pour chercher plus loin. Quel gâchis.

Le plus dommage, dans tout ça, c’est quand même le fait que les acteurs réunis par Gérard Desarthe ne sont pas des moins bons. Moi qui n’avais jamais vu Pierre Palmade sur scène, je ne peux ressortir qu’impressionnée. En effet, il signe sans doute la meilleure composition du spectacle, et c’est le seul à confier à son personnage une réelle âme, un je-ne-sais-quoi d’un peu touchant. C’est un travail très précis et fin, un travail tel qu’on pourrait en attendre chez Beckett, où il aurait parfaitement trouvé sa place et son public… A ses côtés, Gérard Desarthe campe un fou d’un autre genre, un peu moins mystérieux, plus terre à terre. C’est du côté des femmes que j’ai été un peu déçue, notamment par Carole Bouquet qui ne parvient pas à donner une réelle contenance à son personnage. Peut-être parce que c’est le moins intéressant. Et qu’il n’y a pas contenance à donner.

Alors, qui accuser ? Le metteur en scène, pour avoir choisi un tel texte ? Ou est-ce dû à une pression particulière, pour monter cet auteur ? On ne saura jamais. J’ai l’impression d’avoir dit ça une dizaine de fois ces derniers temps, mais c’est fou le nombre de distributions attirantes qui finissent en véritable fiasco. Pourquoi choisir un texte pareil ? N’est pas Beckett qui veut. On ne crée pas facilement un tout à partir de rien. Et là, c’est juste cela : il n’y a rien.

On est mieux chez soi. 

Critique de Dispersion, d’Harold Pinter, vu le 28 octobre 2014 au Théâtre de l’Oeuvre
Avec Carole Bouquet de Gérard Desarthe, dans une mise en scène de Gérard Desarthe

Ma première expérience avec ce texte est tout à fait particulière : d’abord, parce que c’était mon premier Pinter, ensuite car c’était une lecture, une mise en espace, et non une véritable mise en scène. Car c’est au Festival Nava que j’ai découvert cette pièce, incarnée par Anne Loiret et Jacques Allaire. J’avais été totalement déroutée, décontenancée, face à ce texte tout à fait imbitable à première lecture, complètement décousu, où les personnages se parlent mais ne se répondent pas, où tout reste mystère. Mais cela m’avait marquée, et j’en garde finalement un assez grand souvenir. Pour ma deuxième rencontre avec le texte, je pense que je n’aurais pas pu mieux tomber.

Du peu de Pinter que je connais, cette pièce est clairement la plus déconcertante. On y découvre un homme et sa femme, Devlin et Rebecca, qui discutent. Ils discuteront durant toute la pièce mais on ne sait pas exactement quand cela se passe, et sur quelle durée. Il semble l’interroger sur un amant qu’elle aurait eu, il essaie de comprendre plus précisément la relation qu’ils auraient entretenu. Mais elle répond à côté. Elle parle d’un homme qui la brutalisait, puis d’un bourreau qui arrachait les enfants des mains des femmes, un homme qui aurait eu un lien avec les camps de concentration. Est-ce le même homme ? On ne sait pas. Parfois même, on se demande si elle entend ses questions. Tout se passe comme si tout se mélangeait en elle : son histoire, et l’Histoire. A-t-elle tout imaginé ? Ne raconte-t-elle pas tout simplement un cauchemar ?

J’ai d’abord détesté ce texte, bêtement, parce que je ne le comprenais pas. Il ne m’atteignait pas et, trop vite, j’ai décrété que je ne l’aimais pas. Mais en découvrant d’autres textes de l’auteur, en apprenant à connaître sa plume, ce sentiment premier s’est transformé en curiosité. Et redécouvrir cette pièce montée par Gérard Desarthe s’est finalement avéré un réel plaisir. Car si Pinter laisse de grandes questions derrières son texte, Desarthe en comble certaines mais laisse, à la manière de l’auteur, d’autres énigmes dans son travail. Ainsi ces phrases entières tirées du texte et qui font partie du décor amènent à penser Rebecca comme prise au piège d’une Histoire dont elle fait partie malgré elle et dont elle ne peut s’échapper. Elle perd le spectateur dans des dires qui ne concordent pas, mais semble pourtant toujours suivre son idée. Pour elle, tout est fluide. Pour son mari qui l’écoute, tout n’est qu’énigme sans réponse, casse-tête à moitié terminé.

La mise en scène de Gérard Desarthe met en avant toutes les folies Pinteriennes : après un noir en début de spectacle, les lumières deviennent très intenses et le blanc du décor éblouit le spectateur. Avant même que le spectacle ne commence, quand nos yeux peinent à s’accoutumer à l’éclairement, on semble, à l’instar de Rebecca, sortir du sommeil. Et l’interrogatoire peut commencer. La sobriété de la pièce, le blanc aveuglant des murs, le fait qu’il soit souvent debout et elle assise, tout laisse à croire que l’interrogatoire est fait dans les règles de l’art : serions-nous dans une cour de justice ? Doit-elle avouer quelque chose ? Tout semble opposer nos deux personnages : lui se déplacera beaucoup, agité par des questions qu’il ne peut plus retenir, alors qu’elle se tiendra là, assise, les sourcils froncés, remuant nerveusement ses mains. Gérard Desarthe est grand, et sa présence sur le plateau est lourde et imposante. Elle semble une minuscule souris à côté de lui. Mais si il parvient à toujours étonner le spectateur, en l’impressionnant sans cesse, c’est moins le cas pour Carole Bouquet. On regrette un peu sa voix toujours sur le même ton, et son visage trop figé. Cependant, cette monotonie semble  due à la direction d’acteur plus qu’au mode de jeu de l’actrice, qui ainsi met en opposition totale les deux personnages, et accentue la végétativité de Rebecca.

On frissonne et on aimerait que Desarthe sème encore quelques indices pour nous éclairer toujours plus sur la signification de cette énigmatique mais grandiose pièce de Pinter. ♥ ♥ ♥