Tristan Bernard

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Critique de 2+2, de Cyril Gely et Eric Rouquette, vu le 23 février 2019 au Théâtre Tristan Bernard
Avec José Paul, Claire Nebout, Elsa Lunghini et Eric Savin, dans une mise en scène de Jeoffrey Bourdenet

C’est pour José Paul que j’ai décidé de découvrir ce boulevard monté au Tristan Bernard au titre numérique. L’acteur est une valeur sûre, je le suis depuis plus de dix ans maintenant et je sais que sa présence sur scène empêchera tout naufrage d’un spectacle :  sa présence, son charisme et ses apartés merveilleusement rythmés ne sont plus à prouver. J’y vais donc les yeux fermés, et ce n’est qu’après réservation que j’apprend que la pièce porte sur l’échangisme. Mais cela ne me refroidit pas : au contraire, je n’ai encore jamais vu de boulevard portant sur le sujet et j’ai plutôt hâte de voir ce que Cyril Gely et Eric Rouquette ont à dire à ce propos. Apparemment, pas grand chose.

2+2, comme son nom l’indique, raconte l’histoire de deux couples d’amis, Patricia et Alain d’un côté, Caroline et Stéphane de l’autre ; les premiers ont invité les seconds dans leur maison de campagne pour le week-end. On comprend rapidement que ces vieux couples ont tous les deux eu quelques moments difficiles ces dernières années… problèmes que Patricia et Alain ont résolu en se rendant dans un club échangiste plusieurs fois par mois. Cerise sur le gâteau, si cela a relancé leur couple, il semble que ça ait aussi excité davantage Alain qui a récemment proposé à Caroline de l’accompagner dans le même club pour combler un manque que Stéphane ne souhaite pas satisfaire. Seulement voilà : Patricia n’est pas au courant de ce petit arrangement, et Stéphane ne sait même pas que ses amis pratiquent l’échangisme…

Je dois reconnaître que j’étais assez intéressée par le sujet. Ma déception fut grande : le spectacle peut se résumer comme un grand débat avec d’un côté Alain expliquant à Stéphane que non, l’échangisme n’est pas sale et que c’est un fantasme présent chez de nombreux couples que de voir son partenaire dans les bras d’un autre, et, de l’autre, Stéphane hurlant à Alain qu’il n’est qu’un dépravé et un pervers sexuel et que jamais lui ne s’adonnerait à pareilles pratiques. En gros, c’est ça pendant 1h15 – on comprend d’ailleurs pourquoi le spectacle est si court : les auteurs semblent tellement peu inspirés !

A quelques reprises, on sent des emprunts à la géniale Illusion Conjugale de Eric Assous, quand les auteurs cherchent à élever un peu le débat en insinuant que embrasser une autre femme sans le consentement de son partenaire peut se révéler pire que pratiquer l’échangisme avec lui. Mais les tentatives sont vaines et le désintérêt se fait de plus en plus présent à mesure que la pièce avance. Certains trucs de mise en scène deviennent pénibles, comme la répétition d’un gros plan sur un personnage spécifique en début de scène, rappelant la situation présente et présentant le moment à venir – ces explications inutiles sentent le remplissage à plein nez et n’apportent aucun complément d’information au spectateur ni ne servent à faire avancer l’action. Bref, un effet inutile.

J’ai du mal à comprendre comment Cyril Gely, l’auteur du pourtant génial Diplomatie qui m’a laissé un souvenir marquant et qui était un vrai texte théâtral, a pu pondre pareille pièce : elle n’avance pas, elle ne surprend pas, elle ne part de presque rien et ne va nulle part, tant et si bien qu’elle est obligée de faire intervenir le surnaturel – ou, du moins, des phénomènes inexpliqués – pour amener une fin pourtant sans aucune originalité. Le texte, heureusement, ne tombe pas dans la vulgarité, mais ne fait pas dans la dentelle et la subtilité non plus, en témoigne cette cheminée phallique qui trône sur la scène – au cas où on n’avait pas bien compris quel était le sujet. On sauvera les acteurs, qui permettent de faire de ce spectacle, sinon un vague divertissement, du moins un moment qui se laisse voir.

Plus qu’à attendre le prochain José Paul. pouce-en-bas

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© Fabienne Rappeneau

Daechespoir

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Critique de Mon ange, d’après Henry Naylor, vu le 19 octobre 2017 au Tristan Bernard
Avec Lina El Arabi, dans une mise en scène de Jérémie Lippmann

Présenté au Théâtre du Chêne Noir lors du Festival OFF 2017, je me souviens encore des affiches de Mon Ange placardées dans Avignon. Déjà, la présence de Lina El Arabi, ce mélange de résignation et de tristesse, m’avaient interloquée. Mais speed d’Avignon oblige, je n’ai évidemment pas pu tout voir, malgré les critiques engageantes qui encourageaient le spectacle. Je n’ai pas voulu manquer sa reprise parisienne.

Peut-être que si j’avais lu attentivement le pitch de la pièce, j’aurais douté. Ce genre de spectacle, je le sais, provoque en moi de désagréables échos d’événements encore trop récents pour être correctement cicatrisés. Pourtant notre traumatisme d’occidentaux privilégiés n’est en rien comparable au destin de Rehana, devenue malgré elle symbole de résistance lors du siège de Kobané, il y a quelques années.

L’horreur de la guerre, la sensation que tout peut prendre fin à n’importe quel instant, la fragilité de la vie et l’absurdité de la violence qui régnait alors sur la région, tout transparaît dans ce spectacle. Lina El Arabi a une présence indéniable et semble voir, devant ses yeux, les paysages ravagés par Daech. Malgré un texte parfois un peu verbeux, elle parvient à nous maintenir en haleine, terrorisés, plaqués au siège. Les choix scéniques de Jérémie Lippmann sont très esthétiques, tant sur ces décors d’arbres qui deviennent, à travers les jeux de lumière, successivement des cadavres puis les ombres des mitraillettes braquées sur la jeune femme, mais également sur son costume : Lina El Arabi est à la fois l’élégance et la grâce féminine, très belle dans cette longue robe noire qu’elle porte avec une certaine distinction, et l’Ange de la mort, terrible, implacable.

Je déteste l’utilisation des armes au théâtre. Dès qu’apparaît le moindre flingue sur la scène, mes doigts viennent boucher mes oreilles et mes yeux se ferment à demi. Je ne cherche pas à réfuter l’horreur, mais elle a tellement d’écho dans notre réalité que j’ai du mal encore à l’affronter en face. Connaissant mon peu d’attrait pour les sons pétaradants, la personne qui m’accompagnait m’a proposé de partir peut-être 10 minutes après le début du spectacle. Mais si le rôle du théâtre est de montrer, mon rôle de spectateur est de voir, d’entendre, de prendre conscience. Affronter une réalité que je m’efforce inconsciemment de nier, me montrer à la hauteur de celle qui, chaque soir, vit une vie de violence.

Une épreuve… nécessaire. ♥ ♥ ♥

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L’Apollon à la fourrure

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66065a6a7bd03e20e1313f51fc17cae4Critique de La Vénus à la fourrure, vu le 29 octobre 2014 au Théâtre Tristan Bernard
Avec Marie Gillain et Nicolas Briançon, dans une mise en scène de Jérémie Liepmann

Déjà lors de la sortie du film de Roman Polanski, j’avais été étonnée par la bande-annonce, et curieuse d’en savoir plus, mais n’avais pas trouvé le temps. Ayant été contactée par les Théâtres Parisiens Associés pour assister à une représentation de La Vénus à la fourrure au Tristan Bernard, et dans le but de savoir à quoi m’attendre, j’ai regardé le film de Polanski quelques jours avant. J’ai alors trouvé que si Mathieu Amalric était parfait dans le rôle, Emmanuelle Seigner, quant à elle, ne poussait pas assez loin le vice. Seulement, après avoir vu Marie Gillain sur scène, j’ai compris que le rôle était encore plus délicat que ce que je pensais.

L’histoire est complexe : alors qu’un metteur en scène semble désespéré après avoir auditionné des actrices toute la journée pour le rôle de Wanda dans sa future pièce, La Vénus à la fourrure, tiré du roman de Sacher-Masoch, une jeune femme débarque dans le théâtre. Elle est trempée jusqu’aux os, elle est vulgaire, elle est directe, et elle se présente comme s’appelant Wanda, qui voudrait passer les auditions pour jouer Wanda. Déjà, on perçoit la confusion qui va s’installer entre la réalité et la pièce de théâtre. Et tout va aller très vite : elle convainc le metteur en scène de passer l’audition et s’empare du personnage avec une étrange facilité : elle connaît le texte par coeur, et séduit assez vite le metteur en scène. Mais tout va alors s’intensifier, et le rapport metteur en scène – actrice en audition va se transformer pour conduire à un jeu de rôle entre Wanda et Thomas, en apparence personnages de la pièce qu’ils interprètent, mais tendant pourtant vers leurs réelles personnalités. La mise en abyme du théâtre prend alors une tournure étonnante, puisque les deux personnages vont s’installer dans un jeu de domination/soumission d’abord inattendu.

Marie Gillain manque de brio. On devrait observer un réel changement entre son entrée en tant que jeune femme moderne, un peu vulgaire et totalement opposée à la conduite de Thomas, et son entrée en scène comme actrice, dans le rôle de Vanda. Elle devrait alors être passionnée, sensuelle, inquiétante. Sa relation avec Thomas devrait être charnelle et gênante à la fois. Mais elle ne pousse pas assez loin son incarnation, et on voit trop la Marie Gillain, douce et inoffensive, pour y croire réellement. On attendait quelque chose de poignant, qui nous prend aux tripes. On n’a eu qu’une pâle imitation, qu’un essai vague de domination, quelque chose qui reste en surface. Dommage.

A ses côtés, Nicolas Briançon illumine le plateau. Il s’empare de chaque aspect de son rôle avec facilité et passe de l’une à l’autre des facettes de Thomas avec agilité et simplicité. Lorsque les deux personnages échangent leurs rôles, il s’avère même meilleur dans le rôle de Vénus que Marie Gillain. Tour à tour dominant, dominé, inquiet, curieux, ou dans l’incompréhension totale, il nous séduit d’un bout à l’autre du spectacle. Lorsque Wanda conseille à Thomas d’interpréter le personnage de Wanda lui-même, on ne peut que savourer le double sens, et approuver ce conseil. Bravo.

La mise en scène de Jérémie Liepmann est plus qu’honorable : certaines scènes sont de véritables bijoux. Par exemple, lorsque leur jeu devient particulièrement dangereux, cette scène où la mise en abîme devient totale, est comme accélérée par une musique sourde et un effet stroboscopique des plus ingénieux. Cependant, on lui reproche de n’être pas allé assez loin dans la gêne, de ne pas avoir imposé une gradation dans la personnalité des deux personnages, qui s’opposerait : si on le voit s’aplatir progressivement, on ne la voit commencer à dominer que parce qu’il a plié devant elle. En ce point, la direction d’acteur aurait pu être plus ferme. On aurait aimé être véritablement dérangé depuis notre siège, pas seulement assister à un spectacle de l’extérieur.

On conseillera plutôt le film de Polanski, qui accentue plus le jeu qui se déroule entre les deux personnages, jusqu’à l’humiliation, et qui rétablit mieux l’ambiance qu’on attendait pour un tel spectacle. ♥ 

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