Fleur de cacactus

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Critique de Fleur de Cactus, de Barillet et Gredy, vue le 20 mai 2017 au Théâtre Antoine
Avec Catherine Frot, Michel Fau, Patrick Ligardes, Mathilde Bisson, Wallerand Denormandie, Marie-Hélène Lentini, Frédéric Imberty, et Audrey Langle, dans une mise en scène de Michel Fau

Gênant. C’est le premier mot qui me vient en tête. Gênant de retrouver de si grands comédiens dans un spectacle pareil. Gênant de constater que la salle entière rit devant cette bouse sans la moindre forme d’intérêt. Gênant d’imaginer ce spectacle comme premières partie des Molières, lundi prochain. Gênant de constater que le nivellement par le bas qu’on retrouve dans tant de domaines s’attaque également au théâtre. Après ce premier sentiment, c’est l’indignation qui prend la parole : ma place a coûté 55€, et je ne suis même pas en carré or. Devant les décors – somptueux, il faut bien l’admettre – je n’ose imaginer le coût du spectacle. Et je ne parle pas des têtes d’affiche. Je suis outrée. Je suis dégoûtée. Je suis révoltée.

Du peu que je connaissais de Barillet et Grédy, j’aurais pu prévoir le massacre. Mais j’ai fait confiance. J’ai fait confiance aux critiques dithyrambiques sur le spectacle, j’ai fait confiance aux têtes d’affiche, j’ai fait confiance à un Michel Fau que je suis depuis un bout de temps maintenant. Mais dès le début, l’histoire sent le vieillot : cet homme qui s’est inventé une vie de famille et qui se retrouve à devoir trouver un subterfuge pour présenter sa femme et ses enfants à son amante qu’il souhaite épouser… Avec la plume d’un bon auteur, ça aurait peut-être pu donner quelque chose. Mais ici, c’est ridicule et poussif. Les situations mettent des heures à s’installer, les répliques ne reflètent aucun esprit, les acteurs n’ont rien à jouer. Il manque un ingrédient essentiel au boulevard : un grain de folie. J’ai du mal à concevoir que Barillet et Grédy aient vraiment été en vogue dans les années 50. Et je vous passe les tirades sur la libération de la femme qui s’en va conquérir le monde en conduisant sa deux chevaux.

C’est assez inconcevable, et même très triste, qu’un texte pareil connaisse un tel succès dans un grand théâtre parisien. J’écris ces quelques mots pendant le spectacle tant je m’ennuie, et l’idée qu’il me reste encore près de 2 heures à tenir m’est assez effrayante. A dire vrai, j’ai du mal à imaginer comment les acteurs vont réussir à meubler autour de ce néant pendant encore aussi longtemps. Non seulement la pièce est sans aucun intérêt mais en plus elle est mal écrite et s’étire en longueur : on tient un combo. A côté de Barillet et Gredy, Florian Zeller est le Feydeau du 21e siècle.

Pour une fois, fait étrange, les applaudissements qui ponctuent les entrées et sorties des acteurs ne sont pas ce qui m’irrite le plus. Non, après tout ça fait bien partie de la soirée : vous comprenez, c’est hilarant de voir Catherine Frot répondre au téléphone pour convenir d’un rendez-vous médical. Ceci dit, si personne ne rit à ce moment là, les acteurs risquent de passer un long moment de solitude au regard de la qualité du reste du texte.

Non, ce qui me mine le plus dans cette histoire, c’est l’idée qu’un homme tel que Michel Fau, pour qui j’ai une admiration sans borne, qui m’a fait découvrir André Roussin, et que je suis assez aveuglément, puisse monter un texte pareil. J’ai toujours fait confiance à son intelligence – mieux encore, à son esprit et à son goût, duo rare et appréciable en ces temps d’abrutissement des masses. Mais aujourd’hui je me sens trompée, trahie. La chute est d’autant plus douloureuse que j’avais placé Michel Fau depuis longtemps sur un piédestal. Les questions se bousculent dans mon esprit au fur et à mesure que ce spectacle avance : pourquoi cette pièce ? Par quel étrange hasard a-t-il pu penser qu’elle présentait un quelconque intérêt ? Pourquoi ressortir des placards les écrits de Barillet et Grédy qu’on avait si justement oubliés ? Comment a-t-il convaincu Catherine Frot de se ridiculiser ainsi ? Lui comme elle, qu’on connaît grands acteurs tout en subtilités, sont bien tristes ce soir, sur cette scène. Ce ne sont que de pâles figures d’eux-même, jouant pauvrement tels des pantins sans âme. A leurs côtés, le reste de la distribution est tout aussi caricaturale. Seule Mathilde Bisson tire son épingle du jeu avec une incarnation fine et intelligente. Surprenante et bienvenue, au vu de la tournure que prend cette soirée.

Je regarde avec désespoir la course d’obstacle qu’il me faudrait affronter pour atteindre la sortie. Je suis bloquée, et condamnée à perdre 2h10 de ma vie. J’ai du mal à concevoir l’idée que Laurent Ruquier, pourtant grand amateur de théâtre, ait pu cautionner pareil spectacle à l’affiche de son théâtre, lui qui présente l’année prochaine la reprise d’Art de Yasmina Reza. Un autre monde.

« M’avoir joué une telle comédie, le dégoût me submerge ». Finalement chers Barillet et Grédy, nous nous accordons sur ce point. pouce-en-bas

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Je vous salue, Dominique

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Critique du Testament de Marie, de Colm Toibin, vu le 13 mai 2017 au Théâtre de l’Odéon
Avec Dominique Blanc, dans une mise en scène de Deborah Warner

Le Testament de Marie. Le spectacle est un seul en scène, l’affiche a quelque chose de très solennel. En haut, en ombres chinoises, Dominique Blanc transporte l’échelle dont on peut supposer qu’elle servira lors de la descente de croix du Christ. En dessous, c’est un gros plan sur le visage de l’actrice, les yeux levés vers le ciel, très digne, une larme sur la joue, qui laisse alors mon esprit vagabonder sur le spectacle que je vais voir. Pour moi le théâtre est un temple, et ce soir cette phrase va prendre tout son sens, car la scène aura quelque chose d’encore plus sacré. J’aurais peut-être mieux fait de lire un petit résumé avant…

En réalité, ce n’est pas une Marie convaincue, possédée, religieuse, qui nous est présentée. Le texte veut présenter une version bien plus rationnelle du mythe biblique, totalement terre-à-terre. Lors du début de la pièce, on comprend que Marie est appelée à témoigner sur la vie de son fils, mais elle répond qu’elle ne donnera pas le récit que les disciples du Christ attendent. Les grandes étapes qui accompagnent la vie de Jésus jusqu’à sa crucifixion sont totalement rationalisés : Lazare n’est pas ressuscité et les jarres des Noces de Cana étaient remplies de vin dès le départ. Amis rabats-joie du soir, bonsoir !

En fait, je crois que je n’étais pas disposée à recevoir ce genre de spectacle. Je me suis un peu sentie trahie, surtout après la scène d’ouverture du spectacle, qui promet une suite pleine de grandeur. En effet, c’est très particulier : lors de l’entrée dans la salle de l’Odéon, les spectateurs sont invités à se rendre sur scène pour se fondre dans le décor qui par la suite accueillera Marie. Elle est déjà là d’ailleurs, postée dans sa cage de verre, telle une statue dans son habit rouge et bleu. Le visage de Dominique Blanc a quelque chose de très majestueux à ce moment-là. On croit reconnaître en elle est des airs de la Marie qu’on est venu voir. Lorsqu’elle lève les yeux et croise mon regard entre admiration et méditation, elle me sourit, une chaleur m’envahit. La Grâce est là. Même si le reste du spectacle ne suit pas cette ligne initiale, je ne peux regretter d’avoir vécu ce moment suspendu.

Petit à petit, les spectateurs descendent de scène. Un écran se baisse pour cacher la partie sacrée de la scène et ne laisse aux spectateurs que la vision des éléments plus relatifs à l’homme qu’a été Jésus : une échelle, une éponge, une couronne d’épines, des chaises, une jarre, un seau… Le message passe rapidement : tout ici tend à nous présenter l’histoire à travers une banalité que nous avons trop souvent niée. Ce n’est pas ce que j’étais venue voir, et je m’avoue un peu déçue. D’autant que le texte montre très rapidement ses limites : il est très verbeux, et ne décolle pas. Certes, on cherche à s’éloigner d’une certaine forme de beauté. Mais rien n’empêche de raconter avec style la banalité.

Malgré tout, il faut bien reconnaître que Dominique Blanc fait dire à ce texte tout ce qui est possible. Évidemment, je l’aurais souhaitée plus possédée, plus passionnée, mais ce sujet qui l’entraîne à nous raconter une certaine forme de médiocrité ne peut laisser place à trop de grandeur. La scénographie même, qui l’agite autour de tâches du quotidien, tend à nous rappeler la platitude d’une vie ordinaire. Néanmoins, elle donne à cette Marie désacralisante une humanité parfois poignante, avec un crescendo net sur la fin de la pièce. Une belle incarnation.

Un moment un peu trop dénué de grandeur et d’intensité, porté par une actrice qui pourtant n’en manque pas. ♥ ♥

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On n’y meurt ni de rire ni d’ennui

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Critique de Piège Mortel, de Ira Levin, vu le 15 avril 2017 au Théâtre La Bruyère
Avec Nicolas Briançon, Cyril Garnier, Virginie Lemoine, Marie Vincent, et Damien Gajda, dans une mise en scène d’Eric Metayer

Troisième pièce sélectionnée pour le prix de la fondation Jacques Toja, Piège Mortel est le seul encore à l’affiche cette saison – on ne reviendra pas sur le désastreux Cas Sneijder, vainqueur du prix et qui s’arrête prématurément. Ici, le succès est plutôt compréhensible : l’affiche, après tout, est plutôt attrayante. Moi qui suis Nicolas Briançon dans tous ses spectacles depuis plusieurs années, c’est donc un peu après tout le monde, mais quand même fidèle à mes comédiens favoris, que je découvre également la pièce.

Difficile de résumer un spectacle lorsque la demande est expressément faite en fin de spectacle de ne rien dévoiler de l’intrigue et de ses rebondissements. Je pense qu’on me laissera au moins révéler la trame : un auteur à succès – en tout cas un auteur qui a écrit des succès – a du mal à se renouveler et tombe sous le charme d’un texte que lui envoie l’un de ses élèves. Difficile pour un auteur de thriller de ne pas céder à la tentation de faire disparaître le-dit élève et de s’approprier son travail…

Bon, bon, bon. J’avoue être un petit peu déçue parce que quand même, depuis le temps que la pièce se joue j’ai vu passer pas mal d’excellents avis sur la pièce. J’attendais un thriller prenant et j’ai eu une comédie. Après tout, pourquoi pas, rire ne peut pas faire de mal en ce moment. Mais le rire ne survient presque que lors des rebondissements. Entre chaque coup de théâtre, ce n’est pas exactement l’ennui mais plutôt un certain désintérêt devant une pièce qui s’emmêle et qui nous perdrait certainement sans la mise en scène et les acteurs.

Heureusement Eric Metayer parvient à nous maintenir à peu près en haleine grâce à sa mise en scène plutôt rythmée et dynamique. On retrouve également un Nicolas Briançon en bonne forme, parvenant à faire ressortir aisément les différentes facettes de son personnage – que je ne décrirai pas pour ne rien spoiler. J’avoue cependant que j’espère vite le retrouver dans des personnages plus intéressants. Marie Vincent campe une voyante plutôt délurée avec intelligence : elle tire en effet tout ce qu’elle peut de comique de ce personnage ingrat pouvant facilement tomber dans la surcaricature. Je suis en revanche plutôt déçue du personnage incarné par Virginie Lemoine, mal construit et plutôt dérangeant sur la scène : on ne comprend pas toujours son intérêt. Dommage.

Une agréable soirée, dont – il faut bien l’avouer – on ne retiendra cependant pas grand chose… 

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C’est vraiment chouette l’après-midi !

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Critique de C’est encore mieux l’après-midi, de Ray Conney, vu le 7 avril 2017 au Théâtre Hébertot
Avec Pierre Cassignard, Lysiane Meis, Sébastien Castro, Guilhem Pellegrin, Pascale Louange, Anne-Sophie Germanaz, Guillaume Clérice, et Rudy Pilstein, dans une mise en scène de José Paul

J’ai l’impression que ça fait une éternité que je n’ai pas vu de bon boulevard au théâtre. Je veux dire, hors Feydeau and co. Je crois que le dernier en date remonte à la rentrée 2016 : c’était l’ouverture de la saison pour l’Hébertot. D’ailleurs, ça ne me laisse pas un grand souvenir. Il faut croire que je deviens trop sérieuse – ou que cette saison parisienne toute en gravité n’est que le pâle reflet du monde agité dans lequel nous vivons. Mais laissons-là ces constatations alarmantes à plus tard. Avec C’est encore mieux l’après-midi, une soirée hors du monde est assurée !

Le mari, la femme, l’amant. Rien de mieux pour passer une bonne soirée théâtrale. Bon, c’est clair qu’ici, c’est un peu remasterisé. Déjà, ce n’est pas l’amant, mais l’amante d’un côté, et un peu tout ce qui bouge de l’autre : Richard, célèbre député, a prévu de retrouver Isabelle, secrétaire du premier ministre, dans une chambre du même hôtel où il est monté avec sa femme, Christine, pendant que cette dernière le croit à un débat parlementaire. Pensant qu’il a quitté les lieux, elle-même va tenter de séduire Georges, son assistant, qui enchaînera les gaffes et les situations malencontreuses…

Bon, mettons-nous vite d’accord : ce n’est pas un grand texte. Le canevas initial devient très vite abracadabrantesque, et les situations virent rapidement à de la loufoquerie pure. Pour monter un spectacle pareil, il faut parvenir à maintenir le spectateur en haleine malgré les situations fantasques et toujours plus folles les unes que les autres : il faut parvenir à nous capter dès le début, et nous entraîner avec eux dans cette grande extravagance, où on risque de se perdre en route. José Paul réussit le pari sans problème : il monte la pièce avec un punch sans faillite, et même lorsque le texte commence à nous laisser sur le côté, sa mise en scène entraînante et sa direction d’acteur parviennent toujours à dynamiser le spectacle.

On retrouve avec plaisir certains acteurs qui suivent José Paul depuis quelques années : c’est le cas de la fabuleuse Lysiane Meis, malheureusement un peu sous-employée ici. Elle fait du Lysiane Meis et c’est super, j’adore ça, mais j’ai hâte de la revoir dans quelque chose où elle peut plus s’épanouir. Je retrouve également un Sébastien Castro en grande forme… et qui me rappelle quelqu’un tout au long de la pièce. J’ai finalement compris qu’il me rappelait José Paul ! Son côté un peu désabusé, son décalage rythmique, ses aspects gaffeur à côté de la plaque… Seul le côté charmeur du metteur en scène manque à sa composition, remplacée ici par un aspect plus bêta pas non plus déplaisant. Le reste de la distribution suit cette belle direction d’acteur, avec une jolie note pour un Pierre Cassignard qui campe un personnage politique froid et détaché malgré ses scènes comiques.

En soirée, c’est très bien aussi ! ♥ 

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Bajazet au Français : beaucoup de chaussures sans être le pied

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Critique de Bajazet, de Jean Racine, vu le 6 avril 2017 au Vieux-Colombier
Avec Alain Lenglet, Denis Podalydès, Clotilde de Bayser, Laurent Natrella, Anna Cervinka, et Rebecca Marder, dans une mise en scène d’Éric Ruf

Bajazet n’était initialement pas à l’affiche de la saison. C’est suite à « des difficultés insurmontables dans le montage de la production » (cf article du Monde à ce sujet) de La Cruche Cassée que devait mettre en scène Jacques Lassalle que, dans l’urgence, Eric Ruf décide de reprendre les rênes et de monter l’une des pièces les moins jouées de Racine – qui n’en reste pas moins sublime, il va sans dire. Quelle erreur ! Comment l’administrateur du Premier Théâtre de France a-t-il pu croire qu’il pouvait mettre en scène cette grande tragédie en quelques semaines seulement ? On ne monte pas Racine à l’arrache

Déjà, ce n’est pas le Racine le plus simple qu’on puisse trouver. Bajazet, frère du sultan Amurat, est depuis longtemps enfermé par sa faute. Alors que le sultan siège à Babylone, il a confié le contrôle du sérail à sa favorite, Roxane. Celle-ci voudrait épouser Bajazet dont elle est tombée amoureuse, et lui propose l’hymen en échange du trône dont il a longtemps été écarté. Mais Bajazet aime Atalide et ne semble pas envisager l’engagement que lui propose la sultane – qui, bien sûr, n’est pas au courant de l’amour que se portent les deux jeunes amants.

J’ai essayé de résumer grossièrement l’intrigue de l’oeuvre. Grossièrement, c’est un peu l’adverbe qui me vient lorsque je repense au spectacle. C’est comme s’il avait simplement été dégrossi. Les acteurs semblent avoir travaillé les vers et leur diction, mais ne maîtrisent pas totalement leurs personnages. Quelques idées de mise en scène sont éparpillées ici ou là, mais aucune unité ne semble réellement se dégager. Au contraire, certaines idées semblent même faire contresens : que le suicide d’Atalide soit orchestré au moyen de lacets de chaussures est totalement ridicule. Ce n’est qu’une manière assez maladroite de justifier la présence de ces chaussures lors du premier acte de la pièce : cela permet à la mise en scène de retomber sur ses pieds – si vous me passez l’expression. Mais ça ne sert en rien le texte de Racine.

Les acteurs semblent un peu perdus. Pauvre Rebecca Marder, totalement écrasée par son rôle d’Atalide. La jeune comédienne n’a pas l’expérience ni les épaules pour porter un tel rôle. Elle parle bien trop vite, si bien qu’elle ne semble pas percevoir toujours le sens des vers qu’elle récite… et nous perd en même temps qu’elle. Elle crie trop, mais où est la douleur ? Où est la passion ? Crier ne sert à rien si l’âme n’y est pas. Ni les constants hochements de tête, qu’elle semble avoir adopté comme principale gestuelle. Léonie Simaga m’a beaucoup manqué, ce soir. Elle aurait fait une merveilleuse Atalide. Quand bien même, des actrices plus confirmées auraient pu donner du corps à ce rôle : je pense notamment à Suliane Brahim ou Georgia Scalliet… Aux côtés de la jeune comédienne, Clotilde de Bayser prouve sans effort sa plus longue expérience de la scène : les vers sont admirablement dits, les attitudes réfléchies et élégantes. Mais je découvre en Roxane un texte d’une cruauté monstrueuse, et la comédienne reste très en surface. Pourtant, j’aurais pu croire qu’elle avait la carrure pour incarner une grande Roxane.

J’aime beaucoup Laurent Natrella, mais comme ses camarades il a peine à se trouver une place sur la scène. Il faut dire que de base, Bajazet n’est pas le rôle sexy par excellence. Il est un peu insipide. Mais son arrivée en chemise de nuit n’était pas forcément la meilleure idée pour le mettre en valeur… Finalement, de toute la distribution, c’est Denis Podalydès qui s’en sort le mieux. Et c’est un euphémisme. Le comédien est magistral, dans ce rôle un peu ingrat du vieux politique qui reste en dehors des passions. Mais… mais ce n’est pas normal. Ce n’est pas normal que chez Racine, ce soit le personnage carré qui l’emporte ! Il devrait être le contrepoint, et se retrouve au centre. Mais où est la passion ? Où est l’émotion ? Bien loin du Vieux-Colombier, ce soir-là.

En s’accrochant, on parvient tout de même à entendre un très beau texte, trop rare sur les planches. La déception est d’autant plus grande que le Français nous avait habitués à mieux, ces derniers temps. 

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Je crois en le théâtre

31_JeCroisenUnSEUL_1-2000x3258.pngCritique de Je crois en un seul dieu, de Stefano Massini, vu le 4 avril 2017 au Théâtre du Rond-Point
Avec Rachida Brakni, dans une mise en scène d’Arnaud Meunier

Il me fallait bien une journée entière pour digérer pareil spectacle. Et pourtant, il me semble toujours difficile d’écrire ce soir. Parfois, je me demande pourquoi je m’inflige ça. Je savais avant d’aller voir le spectacle qu’il risquait de nuire à mon moral. Un spectacle sur les coulisses d’un attentat à Tel-Aviv, vous pensez ! Moi qui, déjà, ait du mal à affronter la réalité d’un pays qui part en vrille. Et qui semble pourtant tellement serein à côté du conflit israélo-palestinien. Mais devant le courage de l’actrice, qui porte ce spectacle avec une intensité incroyable, ne devons-nous pas nous aussi, spectateurs, faire preuve du même courage ?

Pour essayer de comprendre, parfois, rien de mieux que de mettre en scène. Et quoi de mieux pour traduire une situation que de la présenter sous plusieurs angles ? C’est la proposition que nous fait Stefano Massini en nous mettant face à une réalité vue sous l’oeil de trois femmes différentes : une professeur israélienne, une jeune terroriste palestinienne, et une militaire américaine, toutes présentes sur le même terrain. Elles auront un futur commun : dès le début de la pièce, on comprend que l’attentat produit par la jeune palestinienne les atteindra toutes les trois.

Je découvrais ce soir l’écriture de Stéfano Massini. Même si le style est parfois un peu grossier et facilement décriptible, il est clair que le spectacle n’aurait pas la même force, et le procédé utilisé pour raconter l’histoire, ces parallèles entre chaque femme, exposés au même instant, sont très bien employés. Ils permettent de souligner avec intelligence les contrastes évidents, mais également les rapprochements plus subtils qui les relient. Les comparaisons entre les femmes israéliennes et palestiniennes, particulièrement, donnent lieu à de belles scènes, là où la partition accordée à la militaire américaine est un peu plus faible.

Bien sûr, pour porter ce spectacle, il fallait une excellente actrice. Je ne doutais pas une seule seconde que Rachida Brakni serait à la hauteur. La performance d’acteur est très impressionnante. Seule sur le plateau durant plus d’1h30, la comédienne incarne avec puissance et force émotion les différentes facettes de ses personnages. Dans cette mise en scène sobre, portée par des lumières magnifiques, elle nous fait suivre les journées de ces trois femmes, jonglant habilement avec leurs caractères, jusqu’à cette scène finale ou tout semble se confondre. Elle sera passée par de nombreuses étapes, de la préparation de l’attentat à son exécution en passant par le doute et la peur. Mais quelle peur ? Celle liée à l’excitation qui précède l’action. Celle qui suit l’attaque et qui provoque la panique. Celle dans laquelle je me retrouve, moi qui vit avec des fantômes depuis presque 1 an et demi.

Je crois un un seul dieu, ou comment ajouter de l’âme à des faits que l’on connaît seulement à travers des informations qui en sont souvent dénuées. ♥ ♥ 

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Laissons cette porte fermée

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Critique d’Il faut qu’une porte soit ouverte ou fermée, de Musset, vu le 2 avril 2017 au Studio-Théâtre de la Comédie-Française
Avec Christian Gonon et Jennifer Decker, dans une mise en scène de Laurent Delvert

Voilà une pièce que je connais assez bien, et que j’aurais pu prendre beaucoup de plaisir à redécouvrir. Je l’ai vue plusieurs fois il y a plus de 5 ans maintenant, dans une mise en scène de Jean-Marie Besset au théâtre de l’Oeuvre. Le spectacle s’ouvrait sur un Musset, qui était suivi d’une pièce de Besset, Je ne veux pas me marier. Entre les deux pièces, les comparaisons affluaient : si le style était différent, les intentions, les sentiments, les tournures humaines étaient d’une proximité incroyable. J’aurais aimé retrouver ce soir la douceur et la poésie de cette courte pièce de Musset. Mais j’en sors les oreilles écorchées.

Musset nous entraîne dans un badinage galant : un Comte se rend chez une Marquise et lui fait la cour. Lorsqu’il lui déclare qu’il l’aime et ne pense qu’à elle depuis plus d’une année, elle se contente de lui rire au nez, se moquant de sa manière de faire la cour, si conventionnelle. A plusieurs reprises, le Comte, blessé, feint de partir mais chaque fois elle l’en empêche in extremis et les compliments, les flatteries, les déclarations reprennent, jusqu’à ce que la vérité éclate dans une fin toute en poésie.

C’est d’autant plus dur d’assister à la destruction d’un texte lorsque celui-ci est sublime. Mais ici, pas de quartier. A nouveau, Jennifer Decker produit ce que je redoutais le plus : incapable d’incarner la moindre émotion, elle surjoue tout au long du spectacle – ce qui est bien dommage puisqu’elle représente 50% de la distribution, et pratiquement 80% du texte. Incapable de s’accorder sur un style, elle tente tout : de la Marquise nunuche à la racaille vulgaire, j’aimerais pouvoir dire qu’elle cabotine mais cela sous-entendrait qu’elle a du métier. De son port jusqu’à ses répliques en passant par sa gestuelle, tout sonne faux, récité, appliqué.

Pauvre Musset. Et pauvre Christian Gonon. Incapable d’interpréter son rôle, elle va même jusqu’à écraser son partenaire de ses mouvements inutiles. Elle se regarde jouer et pas à un moment ne semble prendre conscience de lui… qui donne pourtant une jolie consistance à son personnage. On retrouve avec plaisir la poésie et la sensibilité de Musset, sa passion toute en finesse, ses évocations pleines de retenue. Je lui aurais souhaité une véritable partenaire… pour l’instant, je ne peux lui souhaiter que du courage.

Il ne s’agit pas d’un acharnement de ma part contre cette actrice. Simplement d’une incompréhension totale de la voir distribuer. Et gâcher des spectacles qui auraient pu être si beaux. pouce-en-bas