AIDS et moi

LesIdoles2-®JeanLouisFernandez-036.jpgCritique des Idoles, de Christophe Honoré, vu le 19 janvier 2019 au Théâtre de l’Odéon

Avec Youssouf Abi-Ayad, Harrison Arévalo, Jean-Charles Clichet, Marina Foïs, Julien Honoré, Marlène Saldana, et Teddy Bogaert, dans une mise en scène de Christophe Honoré

Plusieurs raisons à mon enthousiasme sur le chemin me menant à l’Odéon. Le premier s’appelle Marina Foïs. Un article du Monde parle de la comédienne comme d’une transformiste. Le mot est bien choisi. Je ne l’ai vu que dans Démons sur scène mais elle me laisse encore une impression de puissance ; ses apparitions récurrentes dans Burger Quiz me donnent toujours le sourire ; je ne peux plus voir Polisse jusqu’à la fin. Le deuxième s’appelle Christophe Honoré. Je connais la bande originale des Chansons d’amour par coeur bien que ma première réaction fut de les trouver niaise ; il a emporté Vincent Lacoste très loin dans Plaire aimer et courir vite ; je ne connais pas son travail scénique. Comment ne pas être impatiente ?

Les Idoles, ce sont celles de Christophe Honoré. Jacques Demy, Bernard-Marie Koltès, Jean-Luc Lagarce, Hervé Guibert, Cyril Collard, et Serge Daney. Tous sont morts du SIDA dans les années 90. Christophe Honoré les a admirés, puis les a perdus. Dans sa pièce, il les fait revenir aujourd’hui, en 2019, sous forme de fantômes. Ils ne s’étaient pas forcément rencontrés dans la vie, mais ils se connaissent et se respectent, et vont profiter de ce moment pour échanger sur leur vie, leur mort, la manière dont ils ont vécu la maladie, leur époque, ou encore ce que le monde est devenu aujourd’hui.

Je sors frustrée de ce spectacle. Ce ne sont pas mes idoles. Ce ne sont pas mes fantômes. Les personnages que Christophe Honoré met en mouvement ne m’évoquent que peu de chose. Je ne les inscris pas dans une époque donnée, avec ses codes, ses moeurs. Je n’ai pas les références nécessaires à comprendre les allusions qui composent le spectacle. Je ne me représente pas Elizabeth Taylor. Je n’ai jamais dansé sur Saturday Night Fever. Je n’ai pas vu les Nuits Fauves. Et même si les univers de Jacques Demy, de Jean-Luc Lagarce et de Bernard-Marie Koltès me sont familiers, je sens bien que je passe à côté de l’essence du spectacle.

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© Jean-Louis Fernandez

Néanmoins, quelque chose est là. C’est peut-être l’évocation de la mort, ou la présence si proche de ces personnages dont on sent de manière indicible qu’ils sont associés à quelque chose qui nous dépasse. Je ne comprends pas mais j’écoute et j’observe attentivement la rencontre qui se joue sous mes yeux. Les mots défilent. Corps perdu, Mon Sida, Michel Foucault, Elizabeth Taylor. Chaque comédien a son morceau de bravoure. Je suis particulièrement scotchée par Marlène Saldana, que je découvre et qui danse de manière endiablée, presque possédée, sur la Chanson d’un jour d’été des jumelles que je connais bien. Et puis, à nouveau, lors de son numéro de claquettes qui répond à la mélodie mélancolique des Parapluies de Cherbourg, me voilà transportée ailleurs. Je comprends que je passe à côté de quelque chose, car je ne suis touchée que par ce qui fait écho en moi, soit peu de chose en somme.

Et puis arrive Marina Foïs. Je ne sais rien d’Hervé Guibert ni de Michel Foucault. A dire vrai, pendant le monologue dont j’apprendrai par la suite qu’il est tiré de À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie, je ne suis même pas sûre qu’il est écrit par l’un, évoquant l’autre. Ce n’est presque pas la question, oserais-je dire. C’est dans ce monologue – court, long ? je ne sais plus – que j’ai touché du doigt l’atmosphère d’une époque. Marina Foïs est d’une sobriété à couper le souffle. Plus elle avance dans son histoire, plus la salle prolonge son apnée, jusqu’au gong final qui tombe

Je ne pourrai davantage analyser le fond. Je m’autorise quand même dire quelque mots sur la forme que prend le travail de Christophe Honoré. Si mes oreilles peinaient à suivre, mes yeux étaient ravis : la scénographie est superbe, créant avec peu d’objets des ambiances très spécifiques. Par ailleurs, j’ai déjà mentionné les « moments » de chacun des comédiens : bien que certains m’aient particulièrement touchée, je reprocherais un aspect presque imposé qui les rend moins authentiques – on les sent trop arriver. J’aurais aussi quelques reproches à faire au texte : le spectacle enchaîne beaucoup d’idées mais ne les développe parfois pas assez. Ainsi, j’aurais aimé par exemple que les fantômes poursuivent leur débat sur ce qu’est devenu le monde aujourd’hui. Mais, souvent, ils s’arrêtent sur un bon mot ou une allusion bien placée. Un peu facile, alors même que le spectacle ne l’est pas. Dommage.

Terriblement frustrante, cette impression de passer à côté de quelque chose d’important. 

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© Jean-Louis Fernandez

Ainsi s’est barrée Mordue de Théâtr(a)

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Critique de Ervart ou les derniers jours de Frederic Nietzsche, d’Hervé Blutsch vu le 18 janvier 2019 au Théâtre du Rond-Point
Avec Stéphane Bernard, Jean-Claude Bolle-Reddat, James Borniche, Maxime Dambrin, Vincent Dedienne, Margaux Desailly, Pauline Huruguen, Tommy Luminet, Marie-Christine Orry, dans une mise en scène de Laurent Fréchuret

Je me souviens très bien de ma réaction lors de la présentation de ce spectacle au Rond-Point en mai dernier : l’enthousiasme, l’envie, l’impatience. Ervart était l’un des spectacles que j’attendais le plus parmi la saison de Jean-Michel Ribes, car j’avais cru y déceler une folie et une originalité telles qu’on en trouve peu sur les scènes parisiennes – le genre de synopsis qui vous rappelle Le Gros, la Vache et le Mainate de Pierre Guillois, à vous faire saliver d’avance… Mais tous n’ont pas son talent, et le texte d’Hervé Blutsch m’a totalement laissée de marbre.

Tout commence par une poubelle qui trône sur la scène de la salle Renaud-Barrault. Des personnages anglais trouveront ça normal, avant de se rendre compte que cette poubelle n’est pas celle qu’ils recherchent : ce sont des comédiens qui se sont trompés de théâtre. Un bon vieux théâtre dans le théâtre pour se mettre en appétit. Puis survient Ervart, ce jeune homme persuadé d’être cocu et qui mettra la ville à feu et à sang. Un caprice devenant presque une quête, qui s’impose alors comme fil directeur du spectacle – si on peut dire.

Ce que je fais aujourd’hui est contraire à mes principes. En effet, j’ai pour habitude de ne pas écrire lorsque je n’assiste pas à l’intégralité d’un spectacle. Alors autant être honnête avec vous : je n’ai pas tenu les 2h10 que dure cet Ervart. Rapidement, j’ai senti le texte s’enliser et mon esprit avec, mais je n’ai eu les courage d’affronter mes voisins qu’au bout d’1h30. Pourquoi est-ce que je fais une entorse à mes principes aujourd’hui ? Pas tant pour descendre un spectacle qui ne m’a pas plu que pour exprimer ma déception face à un artiste que je suis, comme probablement un grand nombre de ceux qui auront pris leurs places pour Ervart – j’ai nommé Monsieur Vincent Dedienne.

J’étais déjà dans l’incompréhension de ses choix artistiques après Callisto et Arcas en septembre dernier. Et voilà que mes questionnements reprennent. Pire, une inquiétude. Le comédien, dont le talent n’est plus à prouver, cautionne-t-il le rendu final des créations dans lesquelles il joue ? Dans Ervart, Dedienne fait du Dedienne, à mon plus grand désespoir. La voix presque cassée, il m’a semblé ne plus s’amuser autant que sur la scène des Bouffes du Nord en début d’année. Ou peut-être ai-je transposé ma propre vision du spectacle sur son jeu d’acteur ? Quoi qu’il en soit, moi qui voyais en lui l’assurance de soirées réussies, je ne sais plus que croire.

Cette pièce est un foutoir, mais pas du genre « joyeux bordel ». Plutôt un dépotoir – d’ailleurs, la poubelle revient fréquemment sur le centre de la scène – où l’on a entassé plusieurs idées sans vrai lien qu’on aurait essayé de mettre bout à bout en forçant un peu. En vrac, on y retrouver du théâtre dans le théâtre, un zoophile, une putain, de l’alcool, un homme qui ne parle qu’en citations, un jeu de chaises musicales, des portes qui claquent, des blagues grivoises, des gens qui crient – beaucoup trop de gens qui crient. Au moment où je quittais enfin la salle, l’un des personnages criait « Regardez maintenant Nietzsche va faire des claquettes ! ». Je ne me suis pas retournée.

Une déception. pouce-en-bas

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Depardieu… Jouvet… Marcon

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Critique du Faiseur de théâtre, de Thomas Bernhard, vu le 16 janvier 2019 au Théâtre Déjazet
Avec André Marcon, Agathe L’huillier, Éric Caruso, Jules Pélissier, et Barbara Creutz, dans une mise en scène de Christophe Perton

C’est étrange mais je n’ai vu que peu de fois André Marcon et pourtant j’ai tout de suite voulu découvrir ce nouveau spectacle, simplement sur son nom. Je ne suis pas une fan de Thomas Bernhard, du peu que j’en connais du moins, mais j’avais renoué avec le Déjazet lors de son précédent spectacle et le spectacle m’attirait. Après tout, cela pourrait me permettre de mieux connaître ce Bernhard qui jusqu’alors m’avait laissée de marbre, et de découvrir un nouveau metteur en scène, Christophe Perton. Pas de suspens supplémentaire, donc, et rendez-vous fut pris pour la deuxième de ce spectacle.

Bruscon, le grand comédien Bruscon, l’incroyable dramaturge Bruscon, l’inoubliable metteur en scène Bruscon (on pourrait rajouter  a entraîné sa famille dans une aventure théâtrale plutôt sinistre. Ils se retrouvent en effet dans un patelin autrichien – dont le nom m’échappe présentement – pour y jouer la pièce que le père de famille a écrite et qui lui fait dire, sans aucune modestie, parlant de son propre travail : « Shakespeare… Goethe… Bruscon ». Dans un théâtre à l’abandon, les voilà qui répètent le spectacle qui se jouera le soir devant quelques deux cents personnes.

Je gardais un assez mauvais souvenir des mes rencontres avec Bernhard et me voilà agréablement surprise. Le texte, dont la partition revient aux 3/4 à André Marcon, ne se ressent pas comme un long monologue. On saluera évidemment la performance de l’acteur, qui parvient à toujours réinventer les situations et évite ainsi tout sentiment de répétition. Mais, en cause également, un texte qui n’hésite pas à se moquer de lui-même et à donner tantôt dans le cynisme, tantôt dans la provocation, de sorte qu’on rit à plusieurs reprises devant cette situation pourtant désespérée.

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© Fabien Cavacas

On saluera également une mise en scène permettant au texte de s’écouler sans jamais s’essouffler. Le travail de Christophe Perton est sans accroc : dans ce magnifique décor de théâtre, l’ennui n’a pas sa place. Il jongle habilement avec des créations sonores en totale rupture avec l’atmosphère et une utilisation intelligente de l’espace pour accentuer progressivement une tension qu’il n’a pas de mal à créer. Mais c’est aussi dans sa direction d’acteur qu’il excelle, permettant au reste de la troupe d’exister malgré un premier rôle fleuve. Chaque personnage est très bien dessiné, comme un caractère absent de la palette de jeu de Bruscon. Je pense notamment au personnage incarné par Jules Pélissier, tout en grâce et en souplesse, dont les déplacements sont un régal pour les yeux et qui semble exprimer avec son corps ce que sa bouche ne parvient à décrire. Comme une opposition exacte à son père, Bruscon, qui passe une partie de la pièce assis.

Il fallait un monstre pour incarner le tyrannique et parfois pitoyable Bruscon. Un monstre littéralement d’abord, parce que son personnage en est un : les répétitions avec chaque membre de la famille témoignent de son absolue rigueur et d’un sens du perfectionnisme au bord de la folie. Au-delà de ses critiques constantes, Bruscon est misogyne, détestable, effrayant. Mais il fallait aussi un monstre, sacré celui-ci, pour nous rendre ce personnage complexe, attachant, dernier symbole de la vie dans un cadre en ruine. Au-delà de son caractère abject, de sa détestation du monde, de son égocentrisme affirmé, il nous montre un homme qui ne lâche jamais rien. Cette détermination, qui jure avec l’ensemble de la pièce, est certes risible sur certains points, mais on ne peut nier qu’il s’en dégage une certaine puissance. Ce Bruscon-là, aussi exécrable soit-il, laisse une certaine impression !

Un must see pour les amoureux du Théâtre.  ♥ ♥

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© Fabien Cavacas

Un A bien mérité pour Angelica Liddell

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Critique de The Scarlet Letter, d’Angélica Liddell, vu le 12 janvier au Théâtre de la Colline
Avec Joele Anastasi, Tiago Costa, Julian Isenia, Angélica Liddell, Borja López, Tiago Mansilha, Daniel Matos, Eduardo Molina,  Nuno Nolasco, Antonio Pauletta, Antonio L. Pedraza, Sindo Puche, dans une mise en scène de Angélica Liddell

J’ai vu mon premier et dernier Angelica Liddell il y a à peine plus de quatre ans. Je me rappelle avoir été assez fascinée par ce que je voyais, sans vraiment saisir tout le propos. Je relis aujourd’hui l’article que j’en avais sorti et je me rends compte que la perception de ce nouveau spectacle n’est finalement pas si loin de ce que j’avais ressenti alors. Et de la même manière qu’il y a quatre ans, je me demande bien ce que je vais pouvoir vous raconter, tant il est question dans ces spectacles de voir et de percevoir plutôt que d’intérioriser et de réfléchir. En tout cas, sur le moment…

Tout commence par le roman de Hawthorne. La lettre écarlate, c’est ce A inscrit sur la poitrine d’Hester, condamnée pour Adultère. Une condamnation dénoncée par Angélica Liddell, et qui lui sert de prétexte à épingler une société qu’elle considère trop puritaine. On se retrouve rapidement bien loin de #MeToo, sur ce plateau où tout semble permis, où une certaine forme de violence est revendiquée, et où l’immoralité fait loi. Si il y a bien encore un endroit au monde où on peut se l’autoriser, c’est bien au théâtre. Et la démonstration est convaincante.

Je n’ai pas lu The Scarlet Letter et je l’ai parfois regretté. Si le point de départ est le même, l’adaptation est par la suite très libre mais m’aurait peut-être permis d’éclaircir certains points. Pour une adepte du théâtre de texte, les propositions de Liddell peuvent avoir quelque chose de très déconcertant mais j’étais préparée. Préparée à ne pas intellectualiser, à ne pas toujours chercher la transcription verbale brute de ce qu’elle pouvait nous proposer visuellement. Et cette préparation psychologique a été une belle initiative, car voilà un spectacle qui ne m’a pas laissée indifférente.

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© Simon Gosselin

Le spectacle est inégal. Certaines scènes sont plus obscures que d’autres, et j’ai eu l’impression que Angélica Liddell expédiait, peut-être volontairement, les scènes entre Arthur et Esther. Ce ne sont d’ailleurs pas les scènes qui m’ont le plus scotchée. Mais ils y a des scènes qui vous prennent tellement aux tripes que c’est vite pardonné. Ce spectacle me laisse de nombreuses images phares en tête, et le mélange des corps tel que l’organise Angélica Liddell est d’une beauté à couper le souffle. Il se passe sur scène quelque chose de l’ordre du magnétisme.

L’envoûtement est d’autant plus total que la bande son qui accompagne le spectacle est totalement folle et m’a totalement emportée malgré les mélanges de rythme, de genre, les ruptures et les propositions toujours plus excentriques. Devant ces tableaux qui se succèdent, dont certains portent en eux quelque chose de grandiose, je me suis retrouvée dans un état second, avec parfois mon cerveau déconnecté. Tant et si bien que, lors d’une scène où retentit un morceau de Lully – que mon inconscient reconnaît comme attaché à un sentiment de vive émotion – je me retrouve soudainement émue, je n’en comprends pas tout de suite l’origine, puisque j’ai sous mes yeux Angélica Liddell serrant deux à deux les sexes de ses partenaires comme lors d’un encouragement sportif. Moment étrange que cette dichotomie intérieure révélant un état de quasi-transe.

Mais j’ai aussi entendu Angélica Liddell et ce qu’elle avait à dire du monde d’aujourd’hui. C’est peut-être le côté le plus frustrant de mon spectacle, car ses monologues, qui se transforment rapidement en dénonciation, sont subjuguant. Je pense notamment à sa description du vieillissement des femmes à la fois drôle, cynique, amer, instigateur mais surtout brillant. On en veut à nouveau, on en redemande. Et je suis frustrée car ces parties-là sont encore trop disséminées dans le spectacle. Elle n’a pas que le talent de la scénographie mais aussi celui de l’écriture et du message, d’autant plus audible qu’il va à l’encontre de tout ce qu’on peut entendre aujourd’hui. Etonnamment, elle s’autorise tout mais ne choque jamais. On est ici pour l’art. L’art transcende tout. CQFD.

A vivre (en étant conscient de la particularité de la performance). ♥ ♥

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© Simon Gosselin

Marc Tourneboeuf, lispoète éphémère

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Critique du Récit poétique mais pas chiant d’un amoureux en voyage, de Marc Tourneboeuf vu le 11 janvier 2019 au Théâtre du Marais
Avec Marc Tourneboeuf, dans une mise en scène de Grétel Delattre

Je n’ai pas l’habitude de critiquer des seuls en scène. J’en vois peu, c’est, comme qui dirait, « pas ma came », et c’est difficile à chroniquer par-dessus le marché. Mais c’est une connaissance qui m’a parlé de celui-ci et je faisais confiance à son jugement ; me voilà donc dans le théâtre de feu Jacques Mauclair, en plein coeur du Marais, dans une ambiance de OFF qui me met en appétit, pour découvrir un certain Marc Tourneboeuf. Le nom me fait sourire, il en rira lui aussi dans le spectacle. Cet esprit-là me plaît.

Dans son spectacle, Marc Tourneboeuf nous fait revivre son histoire d’amour avec une jeune portugaise, rencontré dans une soirée parisienne. Une histoire somme toute assez banale qui se transforme en excuse pour évoquer sa vie de parisien, caser quelques critiques de cette société qu’il décrit à merveille, puis parler du Portugal, de ses différences avec la France, et de son premier voyage dans le pays de Pessoa. Un voyage haut en couleurs… et en rires ! Loin des ficelles du stand up que je redoutais, Marc Tourneboeuf se rapproche plutôt de Michael Hirsch en proposant un spectacle à la fois dynamique et remue-méninges.

Récit poétique mais pas chiant d’un amoureux en voyage. Ici, ce n’est pas la taille qui compte, mais bien plutôt la véracité de ce titre : poétique, certes, mais surtout pas chiant du tout. Ce gars-là vous embarque dans son histoire en moins de temps qu’il ne faut pour lire le titre en entier. L’aspect poète, on l’aimerait d’ailleurs parfois plus développé car il fonctionne plutôt bien : c’est vrai, certaines transitions sont peut-être un peu abruptes, mais on sent qu’il vient des tripes, peut-être davantage que certaines blagues qui semblent « rajoutées », plus faciles, le genre de blague dont on est sûr qu’elle provoquera le rire.

Mais un rire un peu plus gras, un peu moins élégant que celui auquel nous convie Marc Tourneboeuf dans l’essentiel de son récit que j’ai suivi avec grand plaisir. Je pinaille, mais il y a vraiment dans ces deux rires quelque chose de très différent : ils ne provoquent pas la même satisfaction. Lorsqu’il entame sa partie sur le voyage, je me dis : « Pas de chance, je connais bien le Portugal et je ne te laisserai pas enchaîner les clichés sur la poilousie ! » Seulement voilà, si quelques clichés parsèment le tout, le plat qu’il nous sert est celui d’un grand observateur dont l’écriture est déjà très affutée. De même que ses réflexions de normand qui débarque à Paris, et qui soulèvent la salle de manière unanime, parisiens comme provinciaux !

Si la plume est déjà douée, c’est surtout le comédien qui m’a bluffée. Il y a sa maîtrise parfaite des ruptures de rythme et des changements de ton, dont il est à mon avis parfaitement conscient. Il y a le dynamisme, voire le pile-électricisme – canaliser un peu cette énergie pourrait être bénéfique pour la suite – mais c’est une énergie transmissible, cette énergie totalement aspirée par les spectateurs grâce à une réaction chimique que j’ignore, mais qui m’a permis de sortir de cette salle revigorée alors même que j’y entrais somnolente. Alors oui, il y a beaucoup à dire sur ces éléments techniques. Mais pas que. En plus de ça, j’ai aussi voyagé. À travers son récit, il nous fait véritablement vivre son histoire. Seul sur scène, il construit son décor avec des mots et tout se retrouve sous nos yeux : alors oui, peut-être que ça parle spécialement à la lisboète qui sommeille en moi, mais quel plaisir de retrouver ces pavés glissants et ces pasteis à foison, dont on sent presque l’odeur. Il n’y a plus qu’à suivre le guide !

Un comédien à suivre ! ♥ ♥

Dans la face

0x1200x17683-or.jpgCritique de Face à face, d’après Bergman, vu le 16 décembre 2018 au Théâtre 13

Avec Emmanuelle BercotNathalie Kousnetzoff, Évelyne Istria, Philippe Dormoy, David Arribe, Thomas Gendronneau, et Lola Le Lann dans une mise en scène de Léonard Matton

Cela fait longtemps que j’entends parler de ce spectacle. Face à face aurait dû d’abord être monté à l’Atelier sous la précédente direction mais, suite aux affaires qu’on connaît bien, la production a été retardée et c’est finalement au Théâtre 13 que s’ouvre ce Face à Face d’après Ingmar Bergman en cette fin 2018, juste à temps pour rentrer encore dans le cadre de cette année-hommage. Je suis contente de voir ce projet enfin abouti car, ayant découvert Léonard Matton comme créateur du Secret, ce lieu de théâtre immersif au coeur du 5e arrondissement, j’avais hâte de le revoir dans un travail plus classique. Et je ne fus pas déçue.

La scène s’ouvre sur une consultation de Jenny et d’une de ses patientes : on comprendra rapidement que Jenny est psychiatre, mais qu’elle n’est finalement pas si éloignée que ça de ses malades. Prenant quelques jours de vacances seule, sans son mari ni sa fille, elle sera confrontée à plusieurs événements qui feront remonter rêves et autres cauchemars venant se mêler à sa réalité. Commencera alors un face à face entre elle et elle, une auto-analyse pour aller puiser au plus loin les causes d’un mal être qui s’avère bien plus profond que prévu.

C’est étrange de se dire que, pour l’instant, je ne connais Ingmar Bergman qu’à partir des adaptations théâtrales que j’ai vues. Je pense forcément à Sonate d’Automne vue à l’Oeuvre il y a quelques années, qui m’avait déjà donné la température de ce qu’était Bergman. J’ai retrouvé ce ton sombre, cette culpabilité omniprésente et pesante, ce manque d’air dans la mise en scène de Léonard Matton, dont la scène psychédélique est le point d’orgue. Une atmosphère qui m’a d’ailleurs déroutée en premier lieu, mais dans laquelle je suis finalement rentrée pour n’en plus ressortir.

J’en suis rentrée par une porte bien spécifique : celle d’Emmanuelle Bercot. Elle est à la fois la fondation, les murs, et le toit de ce spectacle. Peut-être est-ce dû à sa présence tout le long du spectacle mais elle y amène un souffle particulier. La composition de son personnage contribue grandement à définir l’ambiance de cette histoire, et ses cris, toujours surprenant, son rire, presque démoniaque, ses pleurs, jamais forcés, viennent souvent dérouter un public qui ne s’y attendait pas. Elle mêle une force apparente à une fragilité plus intérieure avec beaucoup de subtilité et j’ai été captivée par cet ouragan complexe qu’elle avait réussi à créer. Sur scène pendant plus de deux heures, elle livre une performance impressionnante et vient confirmer ce que j’avais déjà senti lors du Dîner en ville : Emmanuelle Bercot est de ces grandes artistes dont je suivrai dorénavant la carrière.

Ne me faites pas dire ce qui n’est pas : le reste de la distribution est excellente. Léonard Matton a composé avec des profils étranges, ce qui transparaît surtout lors des saluts. Des physiques, des voix, des gestuelles différents, presque antagoniques, et qui forment un tout très hétérogène rendent à merveille le manque de communication, le décalage entre les personnages qui ne parviennent à s’entendre malgré une partition constante. J’ai retrouvé avec plaisir Évelyne Istria qui incarne avec brio la grand-mère de Jenny et qui fait passer beaucoup de sentiments mais jamais de tendresse sur son visage pourtant très souriant. Une belle composition !

J’espère que ce Face à face saura faire les beaux jours du Théâtre de l’Atelier où il s’installe à partir de janvier ! ♥ ♥ ♥

Somnoler une heure

dormir-100-ans-final.pngCritique de Dormir cent ans, de Pauline Bureau, vu le 15 décembre 2018 au Théâtre de la Colline
Avec Camille Bernon, Lionel Codino, Alban Guyon, Murielle Martinelli, dans une mise en scène de Pauline Bureau

Je l’avais pressenti après Mon Coeur, ça s’était confirmé après Les Bijoux de Pacotille : j’adore le travail de Pauline Bureau. Simples et distinguées, les mises en scène de ces deux spectacles m’avaient touchée au-delà de ce que je pourrais écrire et j’avais alors placé Pauline Bureau quelque part dans mon Panthéon personnel. Seulement voilà, son adaptation de La Bohème de Puccini m’avait laissée de côté. Préférant accuser une musique qui ne m’émouvait pas, j’ai donné une nouvelle chance à Pauline Bureau dans ce conte pour enfant qu’elle a écrit et mis en scène. Une nouvelle fois, à côté.

Je lis rarement la bible avant de découvrir un spectacle. Je ne savais donc pas ce que j’allais voir, d’autant que le titre n’est pas évocateur. J’ai pensé à La belle au bois dormant, mais je n’y étais pas du tout. On suit l’évolution de deux enfants, Aurore et Théodore (ça rime !), respectivement 12 et 13 ans, dans leur vie quotidienne, la relation qu’ils ont avec leur parents mais également avec leurs réactions face à ces sentiments nouveaux qui apparaissent avec l’adolescence : la peur de grandir, le désir, la recherche de soi.

Comme c’est conceptuel, tout ça ! J’ai du mal à croire qu’un enfant se pose les questions qui sont soulevées dans ce spectacle. Moi, enfant, je crains que ça ne m’aurait pas parlé. C’est la vision d’un adulte que l’on observe, et je la comprends bien mieux aujourd’hui que je ne l’aurais comprise alors. Quand l’un des personnages écrit « Il y a une femme qui grandit en moi, je l’attends, elle prend son temps », je me tourne vers les filles assises à côté de moi et j’essaie de traduire leur visage. On se situe quelque part entre incompréhension et désintérêt. Et ennui, aussi, un peu.

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© Pierre Grosbois

Et puis, je suis un peu embêtée par les quelques clichés qui essaiment le spectacle. Le jeune garçon joue aux jeux vidéos à côté de son ami imaginaire tout droit sorti d’une bande-dessinée pendant que la jeune fille se prend en photo sous tous les angles pour essayer de comprendre ce qui change, chez elle. Alors oui, j’entends bien que cela fait en réalité l’objet d’une critique dans le spectacle, mais je n’ai pas été convaincue par la manière dont elle était amenée. Tout d’un coup, alors qu’ils se promènent dans leurs rêves, le garçon désire apprendre à pleurer et la fille apprendre à se défendre. Parce que leurs parents les ont cantonné à des stéréotypes et que ce n’est pas ce qu’ils sentent en eux. L’idée est bonne, mais le propos tombe un peu comme un cheveu sur la soupe.

En réalité, au-delà de cette partition qui ne m’a pas convaincue, le spectacle est d’une beauté froide inhabituelle chez Pauline Bureau. Il manque cruellement d’âme et ressemble bien plus à une succession de « trucs » scénographiques qu’à un ensemble pensé comme tel. Les vidéos projetées sur le décor, les plumes qui recouvrent progressivement la scène, les mouvements simultanés de certains personnages censés provoquer le rire sont finalement assez attendus et conventionnels.

Par contre, je dois reconnaître que les comédiens défendent leurs personnages avec ferveur. Si j’ai été un peu gênée par Murielle Martinelli, j’ai été bluffée par Camille Bernon qui incarne un Théodore plus vrai que nature et, par son interprétation, pose la vraie question du genre. Jusqu’au bout j’ai cru que deux acteurs différents interprétaient Théodore et la mère d’Aurore, alors que tout reposait sur les épaules de la comédienne. Une véritable transformation.

Un conte initiatique de l’adolescence… vu par un adulte.

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© Pierre Grosbois