Critique de Démons de Lars Norén, vu le 19 septembre 2015 au Théâtre du Rond-Point
Avec Anaïs Demoustier, Romain Duris, Marina Foïs et Gaspard Ulliel, dans une mise en scène de Marcial Di Fonzo Bo

La distribution est impressionnante : Marcial Di Fonzo Bo a réuni de grands acteurs. On connaît le travail commun de Romain Duris et Anaïs Demoustier, notamment dans Une nouvelle amie de Ozon. Gaspard Ulliel, qui intervient rarement au théâtre, avait fait une apparition remarquée aux côtés de Michel Fau dans Que faire de Mr Sloan ? On ne présente plus Marina Foïs, toujours impeccable dans ses rôles au cinéma, qu’elle soit dirigée par Maïwenn ou par Christophe Honoré. Tous ces acteurs de talent réunis sur une même scène, cela ne pouvait que faire des étincelles. Certes, quelques flammèches apparaissent, mais j’aurais apprécié un feu encore plus fourni, une véritable explosion.

La situation rapelle Le Dieu du carnage de Yasmina Reza : deux couples se retrouvent un soir autour d’un verre. L’un d’eux, formé de Frank et Katarina, est en position dominante : ils sont clairement les démons de la pièce. Leur relation, étrange, malsaine, oscillant entre violence et tendresse soudaine, va petit à petit détruire la relation de leurs voisins, Jenna et Tomas, simplement venus passer un moment entre voisins. Une certaine forme de pudeur ressort de leur couple, leurs liens sont clairement moins enragés, plus calme ; ils laisse une sorte de distance entre eux qui n’existe pas entre Frank et Katarina, comme une sorte de gêne.

J’adore ce genre de pièce. Voir les relations poisons qui atteignent des êtres candides, voir l’effet qu’elles peuvent avoir sur eux et l’évolution de leur caractère en conséquence est quelque chose de très intéressant au théâtre. Cela peut être prenant, tendu, inquiétant, et on prend forcément parti pour l’un ou l’autre des personnages, espérant sans cesse qu’il prenne la bonne décision, qu’il agisse de la bonne manière. Un tel thème se doit d’être absolument poignant, absorbant. Si les personnages sont effectivement des démons, chacune de leurs actions devrait nous indigner, nous soulever du plus profond de nous-même. Tel n’est pas le cas ici. Il manque quelque chose, une tension, une atmosphère qui aurait quelque chose d’envoutant.

A qui la faute ? Au texte tout d’abord, qui ne va probablement pas au bout des choses. Lorsqu’on veut faire dans le trash, on y va carrément, car s’arrêter dans ce chemin là ne peut qu’être frustrant. Mais faute également à la mise en scène, qui s’arrête gentiment derrière le texte, là où on aurait pu lui demander de le surpasser en cruauté. Face à un texte qui n’en dit pas assez, j’aurais apprécié que la mise en scène en fasse presque trop, histoire de nous retourner carrément l’estomac. Mais elle « n’envoie » pas assez, et produit moins d’effet qu’attendu. A titre d’exemple, cette scène où Franck déverse les cendres de sa mère sur Katarina aurait dû me tordre le coeur. Or le sentiment d’horreur que j’ai ressenti était uniquement dans ma raison, et non dans mes sens. Pourtant, les acteurs concernés sont auteurs d’interprétations impressionnantes, Marina Foïs en tête. Tour à tour victime et dominatrice, elle forme avec Romain Duris un duo poignant. Lui, de sa démarche droite et précise, prend des allures effrayantes et son regard noir m’a fait baisser plus d’une fois la tête. Je ne peux parler du deuxième duo avec le même enthousiasme. Si Anaïs Demoustier prend les traits de son personnage sur scène, gênée, la voix faible, mal posée, et légèrement niaise, c’est d’après moi plus dû à son manque d’expérience qu’à une réelle composition de sa part. Mais le doute subsiste. En revanche, j’accuse clairement le manque d’expérience de son partenaire, Gaspard Ulliel, qui a raison de son jeu : il se tient mal sur scène, n’articule pas assez, et ne porte pas la voix, si bien qu’on perd des bouts de sa partition. Enfin, il est celui qui donne le moins de contenance à son personnage, qui semble perdu sur scène, et dont les sautes d’humeur sont bien trop brutales pour être crédibles.

C’est dommage : un tel sujet et de tels acteurs auraient pu donner lieu à un grand spectacle. Mais je reste sur ma faim. ♥ ♥

Critique de Paroles Gelées, d’après Rabelais, vu le 28 mars au Théâtre du Rond-Point.
Avec Marc Bollengier, François Deblock, Patrick Delattre, Karyll Elgrichi, Samuel Glaumé, Benjamin Guillard/Teddy Melis, Camille de la Guillonière, Jacques Hadjaje, Gosha Kowalinska, Blanche Leleu, Clara Mayer, Geoffrey Rondeau et Hugo Sablic, dans une mise en scène de Jean Bellorini

La pièce s’ouvre en annonçant clairement la couleur : trois personnages se précipitent depuis les coulisses sur la scène, et commencent à discuter de la meilleure manière de se torcher le cul. Pour moi qui ne connaissais pas Rabelais (quelle honte !), la surprise est de taille, mais pas question d’être choquée. Tout le spectacle tournera autour de l’oeuvre de Rabelais, et principalement autour du Quart Livre, que Jean Bellorini et Camille de la Guillonière ont su adapter avec intelligence et respect de l’oeuvre : et pour ceux qui, comme moi, ne parleraient pas couramment la langue de Rabelais, le-dit Camille est là, à expliquer sans cesse tel ou tel mot de l’auteur, campant un monsieur « je-sais-tout » énervant au possible, mais attachant malgré tout.

Après cette introduction à l’oeuvre de Rabelais, le rideau s’ouvre, et l’on découvre la troupe, instruments de musiques à la main, chantant et dansant dans l’eau, sur la scène. Déjà, l’entrain et la qualité, qui seront maîtres durant le spectacle, nous enchante. Et le metteur en scène a pensé à tout, et peut-être un peu trop : chaque acteur aura son moment de gloire. Mais cette envie d’égalité est peut-être de trop, et, si chacun des instants de bravoure reste un beau moment, ils ne sont pas toujours utiles et rallongent le spectacle. Je pense tout particulièrement à la scène où Blanche Leleu effectue une danse dans l’eau : ça rend très bien visuellement et l’actrice peut être très satisfaite de sa performance. Cependant : pourquoi ? Je ne trouve pas d’autre réponse que « pour faire joli ». Dommage.

Cependant, en dehors de ces moments de gloire personnels, c’est un véritable travail de troupe, et ça se sent. Les acteurs donnent au public, l’ambiance est électrique, mais Rabelais reste maître de la soirée. On suit principalement Panurge et son compagnon Pantagruel, le fils du géant Gargantua, dans leur voyage vers l’oracle de la Dive Bouteille, qui leur annoncera si Panurge doit, ou non, se marier. Avant d’entreprendre ce long voyage, d’autres péripéties nous sont contées, comme lors du parcours dans le ventre du géant rabelaisien : scène par ailleurs très réussie. L’aventure de Panurge et de Pantagruel est contée en mêlant amusement et apprentissage : on n’oublie jamais qu’on est là pour Rabelais, et les intervention de Camille de la Guillonière tombent toujours à point. Panurge est incarné avec brio par le jeune François Deblock, qui, courant sans cesse, sautant partout, se déshabillant, plongeant dans l’eau, et déclamant son texte sans une seule fausse note, nous a fait penser à Pierre Niney et sa prestation dans Le Chapeau de Paille d’Italie. L’acteur est impressionnant de maîtrise et de précision, et porte la pièce sans défaillir. A ses côtés, on retient principalement Geoffroy Rondeau qui incarne un personnage complètement décalé, chanteur à ses heures perdues, et qui nous enchante avec sa reprise de Still Loving You, autant que lorsqu’il entonne Tiens, voilà du boudin !. L’acteur, en kilt, se détache un peu du reste de la troupe par son décalage et, bien qu’il semble tirer la couverture à lui, il faut reconnaître qu’il dégage un je ne sais quoi qui sait capter l’attention et la maintenir à lui. Le reste de la troupe suit le même niveau, à l’exception d’un acteur, qui n’a pas su nous convaincre : Benjamin Guillard, qui, laissé comme seul sur le plateau lorsqu’il doit narrer la tempête, ne parvient pas à capter notre attention, à nous emmener dans son histoire, et nous fait juste trouver le temps un peu long.

C’est un beau spectacle, mais on reproche tout de même à Bellorini d’en faire trop : le texte de Rabelais se suffit à lui-même, et tous ces ornements autour, bien que visuellement réussis, ne sont pas toujours véritablement utiles. Malgré tout, le spectacle est plus que plaisant ! ♥ ♥