Bijou de famille

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Critique des Bijoux de pacotilles, de Céline Milliat Baumgartner, vu le 7 mars 2018 au Théâtre du Rond-Point
Avec Céline Milliat Baumgartner, dans une mise en scène de Pauline Bureau

De Pauline Bureau, je ne connaissais que Mon Coeur. La metteuse en scène qui monte aujourd’hui ne semble pas vouloir s’arrêter de si tôt, puisqu’après ces Bijoux, elle créera un spectacle à l’Opéra Comique cet été… pour notre plus grand plaisir. Car après la découverte de son précédent spectacle aux Bouffes du Nord, elle était incontestablement devenue une artiste à suivre. Aujourd’hui, elle devient tout simplement nécessaire au paysage théâtral français.

Ouverture du spectacle. Une voix off annonce un accident de voiture. Deux corps sont retrouvés dans le véhicule, si carbonisés qu’ils ne sont pas immédiatement identifiables. Sur le corps de la femme, seuls quelques bijoux sont encore discernables. La personne qui entre à la suite de cette annonce est une enfant. Elle a 9 ans et va apprendre, va comprendre que ses parents ne seront plus là pour le reste de sa vie. Qu’est-ce que c’est, le reste de sa vie, lorsqu’on a 9 ans ? Petit à petit, la jeune fille évoluera, et son deuil avec elle.

Pendant la pièce, une question s’installe : pour porter avec autant de pudeur, d’intériorisation, de justesse et de qualité d’incarnation cette histoire, Céline Milliat Baumgartner doit en être l’auteur. Aussitôt sortie de la salle, aussitôt vérifiée : l’assertion était juste. Dans le jeu de la comédienne, tout respire le vécu, la nécessité de dire, de chercher une vérité peut-être, de comprendre l’inconcevable et de revivre les différentes étapes du deuil.

Aucun défaut. Un fil de vérité, très mince, et une douceur, une tendresse, une naïveté qui nous emportent avec elle. Jamais de pathos, jamais larmoyant, Cécile Milliat Baumgartner a su trouver le ton juste et surtout parvient à le conserver jusqu’à la fin. Touchante dans sa sincérité, bouleversante dans sa légèreté, captivante dans sa simplicité, elle fait de son histoire la notre en laissant une part de mystère et de rêverie s’installer sur le plateau de la salle Topor.

Pour ce faire, la scénographie de Pauline Bureau a quelque chose d’aérien. Très épurée, sa proposition reste abondante d’intelligence et de beauté.  Ainsi l’utilisation du miroir penché vers le public, de la vidéo, des vêtements ou du seul accessoire présent sur scène – un carton rempli de souvenirs – est parfaite d’évocation et permet au spectateur de mêler son monde à celui du personnage. Car après tout, ce texte si personnel a aussi quelque chose d’universel : puiser dans les souvenirs la force de se tourner vers l’avenir a quelque chose de salutaire, et ce spectacle, à son image, a quelque chose de très apaisant et permet de se retrouver.

Un moment rare. ♥ ♥ ♥

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Bluebird roule au pas

bluebird_1000_1000Critique de Bluebird, de Simon Stephens, vu le 17 février 2018 au Théâtre du Rond-Point
Avec Philippe Torreton, Baptiste Dezerces, Serge Larivière, Marie Rémond, et Julie-Anne Roth, dans une mise en scène de Claire Devers

Voilà une des grosses affiches de la présentation de saison. Je me souviens encore avoir applaudi à tout rompre l’annonce de ce spectacle en mai dernier : j’étais tellement heureuse de retrouver Grégory Gadebois sur scène, et ce rôle de chauffeur de taxi  désabusé semblait si bien lui convenir, que j’étais absolument enchantée. Enchantement qui s’est amoindri à l’annonce du changement de distribution quelques mois plus tard. Et qui s’est presque entièrement dissipé devant le spectacle, laissant tranquillement sa place à l’ennui.

Le spectacle est en deux parties. Jimmy, chauffeur de taxi, fera le lien entre les deux. On le retrouve d’abord en début de soirée : il conduit alors plusieurs charges – c’est le nom donné aux clients – jusqu’à leur destination. Tous sont un peu étranges : il y a cette prof dépressive qui ne répond à aucune de ses questions, cette prostituée qui lui fait un tour de cartes, ou encore ce videur de boîte plutôt impoli. Jimmy, lui, reste toujours calme et tente chaque fois de lancer une conversation. Entre deux courses, il tente de joindre Claire. Le mystère autour de ce personnage se dévoilera dans la seconde partie : c’est son ex-femme, qu’il a quittée il y a 5 ans après l’accident de leur fille Alice, écrasée par une voiture. Ils ne se sont pas vus depuis, et c’est aujourd’hui l’anniversaire de la mort de l’enfant.

J’ai eu beaucoup de mal à rentrer dans le spectacle. Dans la première partie, les différentes interventions sont inégales : si les scènes avec Serge Larivière m’ont captivée, le dialogue s’installant entre les deux personnages étant alors à la fois très simple et pourtant empreint d’humanité, les charges incarnées par les autres comédiens semblent avoir moins à dire. Cependant, elles ne m’ont pas laissée sur le côté comme a pu le faire la seconde partie. Là, on passe encore un autre niveau. Tout est tellement souligné dans leur affrontement que ça en devient risible et peu réaliste. La différence de jeu entre les deux comédiens est flagrante et dessert un texte qui n’avait pas besoin de cela. Inutile de vouloir nous émouvoir avec des cris et forces larmes : on n’y croit pas.

Cependant, je dois reconnaître que même lorsque j’avais du mal à suivre les dialogues, j’ai pu profiter de la belle scénographie d’Emmanuel Clolus. Elle a quelque chose de très cinématographique qui fait penser au spectacle Des hommes en devenir d’Emmanuel Meirieu, surtout avec les projections du visage de Torreton en très gros plan. Mais ce n’est pas du tout pour me déplaire : si une bonne partie du spectacle se déroule dans la voiture de Jimmy, rendant certains points de vue totalement aveugles, on peut tout de même suivre les échanges grâce à cette vidéo en direct. Ajoutons à cela les différentes vues de Londres qui évoquent les courses de nuit dans la ville, et le rendu est plutôt réussi.

Et puis, il y a Philippe Torreton. Si j’étais déçue de le voir remplacer Gadebois, je dois quand même reconnaître que sa composition est une perfection à tout point de vue. Il a réussi à créer un personnage dont on sent le déchirement intérieur sans jamais tomber dans le pathos, et il parvient à délivrer sa partition, pourtant parfois si lourde dans l’affliction, avec une simplicité désarmante. Il n’est jamais un personnage central : il est un passant, toujours très naturel – ni dans la retenu ni dans l’excès. A vouloir ainsi s’effacer, le comédien brille encore plus et rapidement on ne voit plus que lui : il n’est qu’un homme, et nous touche avec des intonations vibrantes de sincérité.

Lorsqu’on s’ennuie, on peut toujours regarder Torreton. Et c’est quand même quelque chose. 

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Yasmina Reza fait pâle figure

12_Bella_Figura_BDFCritique de Bella Figura, de Yasmina Reza, vu le 2 décembre 2017 au Théâtre du Rond-Point
Avec Emmanuelle Devos, Camille Japy, Louis-Do de Lencquesaing, Micha Lescot, et Josiane Stoléru, dans une mise en scène de Yasmina Reza

Ceux qui me suivent depuis un petit moment maintenant connaissent mon amour pour Yasmina Reza. Pour sa pièce « Art » évidemment, chef-d’oeuvre du théâtre contemporain, à la fois très simple et d’une intelligence fine et piquante, tellement pertinente sur les relations humaines. Bref, une de mes pièces préférées. Mais j’avais redécouvert Reza au Rond-Point il y a plusieurs années déjà, avec son entraînant Comment vous racontez la partie ? Réunissant, comme pour Bella Figura, une très belle distribution sur scène, elle signait une proposition intéressante, une critique acerbe qu’on sentait vécue. Ici, malheureusement, on ne sent pas grand chose.

La situation de départ est somme toute assez banale : Andrea est de sortie avec son amant, Boris, mais celui-ci lui apprend qu’il l’emmène dans un restaurant conseillé par sa femme. C’est la scène initiale, sur le parking du restaurant : les deux amants s’embrouillent. Alors qu’il décide de partir, il manque d’écraser une femme avec sa marche arrière. Cette femme, c’est Yvonne, qui vient fêter son anniversaire au restaurant avec son fils Eric et Françoise, qui connaît Boris… par l’intermédiaire de sa femme. On les sent arriver grosses comme des camions, les scènes un peu gênantes.

J’ai du mal à comprendre comment Yasmina Reza dont je vénère l’écriture fine et perspicace ait pu écrire cela. J’ai laissé une chance à la première scène : après tout, ce n’était peut-être qu’une installation un peu lente de l’intrigue, plus intéressante. Mais il s’est avéré qu’en réalité c’était peut-être l’une des scènes les moins ennuyeuses de la pièce. Successions de dialogues sans grand intérêt, cette pièce se révèle d’un vide rare et inattendu, les vannes tombant à plat : « Elle fait des conférences sur l’art du tricot des chaussons pour adulte » – Oui, et ?

Pourtant, je pense avoir saisi au moins une partie de la critique inhérente à la pièce : ces scènes de la vie quotidienne semblent souligner la montée d’une forme d’individualisme, le manque d’écoute, l’égocentrisme de chacun. L’idée se perd tellement dans ces dialogues sans saveur qu’une chanson aux paroles appuyées nous rappellera le propos à la fin de la pièce, au cas où on n’aurait pas bien compris. Dommage, parce qu’étaient particulièrement bien représentée sur scène, le traitement de la vieillesse aujourd’hui, ou ces habitudes conventionnelles imposées par la société, comme cette fameuse proposition d’aller boire un verre « plus tard » tout en sachant pertinemment qu’aucune des deux parties n’en a l’envie.

Comme contrepoint à ce conformisme, Yasmina Reza a dessiné le personnage d’Andrea. Indifférente aux règles sociétales, elle rappelle le Graham de Sex, Lies, and Videotapes en jurant constamment avec le personnage qu’elle devrait adopter pour être dans la norme. Elle aurait pu être tellement géniale cette Andrea, elle aurait pu être inspirante, mais la partition n’est pas à la hauteur de l’idée. Heureusement Emmanuelle Devos en tire tout ce qu’elle peut, lumineuse toujours, un peu survoltée, attachante. A ses côtés, la troupe suit cette excellence. Malheureusement, cela ne suffira pas à rattraper ce texte désespérément vide.

Ya plus qu’à espérer que le prochain Reza soit plus à la hauteur de nos attentes ! pouce-en-bas

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Vivez, si m’en croyez

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Critique de Vous n’aurez pas ma haine, d’après le récit d’Antoine Leiris, vu le 25 novembre 2017 au Théâtre du Rond-Point
Avec Raphaël Personnaz, et, au piano, Lucrèce Sassella en alternance avec Donia Berriri, dans une mise en scène de Benjamin Guillard

Décidément, cette année, je me fais violence. Après Mon Ange et Les Barbelés, qui traitaient tous deux de sujets qui me sont délicats, j’ai encore passé un cap en me décidant à aller voir Vous n’aurez pas ma haine. Certains lecteurs savent sans doute que j’ai été traumatisée par cet événement, et que, quelque part, il a change ma vie : aujourd’hui, peu de jours se passent sans que mes fantômes ne ressurgissent. Je n’ai pas lu le livre d’Antoine Leiris. Je n’en avais pas le courage. Et il y avait autre chose : je n’avais pas la sagesse, ou la folie, ou l’inconscience – appelons ça comme on veut – de comprendre que face à la barbarie, autre chose que la haine peut se développer en nous. Ce soir, j’ai mieux compris. Antoine Leiris s’est rattaché à la vie comme jamais. Et la haine ne laisse place qu’à une demi-vie. Ce spectacle est beau, touchant, et il porte en lui une vérité incandescente plus que cruelle.

Antoine Leiris est ce journaliste qui, au lendemain de l’horreur du 13 novembre et à la suite de la perte de sa femme, a publié sur Facebook un écrit intitulé « Vous n’aurez pas ma haine », dans lequel il s’adressait d’abord aux assassins, arguant que « répondre à la haine par la colère ce serait céder à la même ignorance qui a fait de vous ce que vous êtes » et concluant sur son fils, comme la seule force qui lui restait : « Il a 17 mois à peine, il va manger son goûter comme tous les jours, puis nous allons jouer comme tous les jours et toute sa vie ce petit garçon vous fera l’affront d’être heureux et libre. Car non, vous n’aurez pas sa haine non plus. » Ce texte a été partagé plus de 200 000 fois.

Je trouve qu’adapter ce texte au théâtre est une belle idée : quoi de mieux que le théâtre pour faire ressentir ainsi un sentiment de partage ? Nous qui sommes réunis ici, n’avons-nous pas souffert ensemble, attendu ensemble, pleuré ensemble ? Ne venons-nous pas chercher ici des réponses à nos questions ? Et vivre ce moment, ensemble. Ce n’est pas juste une retrouvaille avec soi, mais un partage chaleureux entre nous. D’ailleurs, ce soir-là, un silence religieux régnait dans la petite salle du Théâtre du Rond-Point. Venir voir Vous n’aurez pas ma haine est une démarche spéciale, nous n’avons pas poussé la porte par hasard, et ça se ressent.

Contrairement à ce à quoi je pouvais m’attendre, ce spectacle n’est pas mélancolique. Au contraire, j’ai trouvé qu’il avait quelque chose de presque serein. Apaisé. Même si l’indignation est là, et la tristesse, et la peur, toujours présentes, on a aussi réussi à relever la tête, à faire face au monde tel qu’il est et, sans accepter l’horreur, nous avons réappris à vivre. Sans l’autoriser, sans oublier, mais tout simplement car c’était la meilleure des réponses. Cette démarche-là, Raphaël Personnaz la rend avec beaucoup d’humanité : de la déchirure initiale à ce départ dans cette nouvelle vie, la démarche est dure et il l’affronte avec à la fois une forme de simplicité enfantine et l’amertume d’un homme qui a souffert. Il a ce regard insouciant, presque naïf, tendre, doux, un regard où on voit le pire au fond de la pupille, mais qui ne va pas abandonner. Le regard d’un homme qui ne s’est jamais laissé le choix. La jolie scénographie de Benjamin Guillard appuie la dualité homme-enfant qui accompagne le spectacle : par terre, des origamis : ce qu’au départ je prenais pour les corps éparpillés sont en fait les témoins des soutiens reçus par Leiris, et ont pris la forme de jouets pour enfants. L’accompagnement au piano, enfin, est très intelligent et la fin en point d’orgue serre le coeur par la beauté et l’espoir qu’elle dégage.

Revivre cette nuit d’horreur m’effrayait, mais le spectacle – et il l’emprunte au livre, probablement – évoque avec pudeur ce moment refoulé. Là n’est pas du tout la question ; il s’agit de vie, d’espoir, et d’amour. Quelle naïveté ! me direz-vous. Quelle vérité ! vous répondrais-je. A travers son histoire, Leiris raconte cette démarche de reconstruction dans laquelle tous, nous nous reconnaissons. Pour parvenir à vivre après cet événement, tous nous nous sommes accrochés à l’amour de nos proches, tous nous avons dû ressentir à quel point nous étions attachés à ce monde par leurs liens, pour éviter de le fuir par lâcheté. Et si, comme Leiris le ressent, ils sont finalement toujours 3 à être ensemble, ce soir, dans la salle, nous étions 130 à applaudir.

Catharsistique. ♥  

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C’était mieux avant

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Critique de La nostalgie des blattes, de Pierre Notte, vue le 17 septembre 2017 au Théâtre du Rond-Point
Avec Catherine Hiegel et Tania Torrens, dans une mise en scène de Pierre Notte

Je trouve l’idée de départ brillante. N’ayant pas lu la note d’intention de l’auteur, je ne savais pas de quoi il était question. Je ne l’ai pas compris tout de suite d’ailleurs : lorsque Catherine Hiegel répète qu’elles « n’auront personne », je me suis demandée s’il s’agissait des visites dans une maison de retraite. En fait, on comprend vite que les deux femmes sont dans une sorte d’exposition où elles sont présentes en tant qu’éléments rares – elles étaient même le clou de l’exposition passé un temps ! Ce qui provoque la curiosité en elles, c’est l’authenticité : ces deux femmes sont vieilles, ridées, elles n’ont jamais fait appel à la chirurgie esthétique et ont connu le monde lorsqu’il était encore rempli de cafards, de poussière, et de gluten. Elles sont le témoin d’un monde qui semble s’être éteint.

Il y avait vraiment de quoi creuser. Lorsqu’il aborde la vieillesse ou le monde tel qu’il était autrefois, Pierre Notte produit des étincelles. Les répliques sont cinglantes, et dans la bouche de ces deux comédiennes incroyables, elles soulèvent la salle. Malheureusement, il semble s’être perdu dans une série de sketchs sans grand rapport les uns avec les autres. Tout y passe : les problèmes de fuite, la propriété, l’insémination artificielle… Les thèmes sont plus ou moins intéressants, et certains nous décrochent à peine un sourire. Dommage, car le canevas de base gagnait à être épuisé : si il parle de la chirurgie esthétique, la fin du gluten, et la javellisation systématique de l’environnement, d’autres thèmes auraient pu être abordés : l’extrémisation de l’égalitarisme de la société et son écriture inclusive, des avancées médicales telles qu’elles permettent de procréer par simple contact avec un autre humain (oui, je tire ça des Particules Élémentaires), l’omniprésence des réseaux sociaux, les progrès technologiques incroyables, ou que sais-je encore ?

Heureusement, Pierre Notte a fait appel à deux actrices formidables. La joute verbale qui s’instaure entre elles provoque le rire, et ce parfois plus grâce à leur talent qu’au texte qu’elles portent. Pour preuve, dès la 3e seconde du spectacle, les mimiques de Catherine Hiegel entraînent les spectateurs dans leur premier fou rire. C’est bien pour elles qu’on vient voir le spectacle et on n’est pas déçu : ce sont deux grandes actrices qui se balancent des vannes à la figure et qui semblent prendre autant de plaisir que nous à ce petit jeu. De belles voix de théâtre, très élégantes, elles tirent leurs rides et parlent de leurs plissés fortuny pour notre plus grand bonheur. Mais qu’elles sont belles, qu’elles sont drôles, qu’elles sont touchantes, et qu’est-ce qu’on aurait aimé les voir dans un texte encore plus mordant, qui oserait encore plus !

A l’image de la pièce, il faut aller voir ces deux grandes actrices magistrales et authentiques, qui s’en donnent à coeur joie sur la scène du Rond-Point. ♥ ♥

André Dussollier met dans le mille

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Critique de Novecento, d’après Alessandro Baricco, vu le 1er septembre 2017 au Théâtre du Rond-Point
Avec André Dussollier, dans une mise en scène de l’acteur

Enfin. C’était ce mot, à la fois empreint de soulagement et d’excitation, que je me répétais en arrivant au théâtre du Rond-Point ce soir. Après avoir raté le spectacle l’année de sa création à cause du trop grand nombre de spectateurs qu’il enregistrait, puis l’année dernière suite à l’accident d’André Dussollier, c’était avec une impatience incontrôlable que j’attendais le spectacle qui, de plus, marquait l’ouverture de ma saison 2017-2018. Je ne pouvais rêver mieux.

Comment ne pas fondre devant la poésie qui marque ce joli roman qu’est Novecento ? L’histoire d’un homme né sur un bateau, découvert par un marin, et qui y restera jusqu’à sa mort sans jamais en descendre. Cette histoire, racontée par le trompettiste de l’orchestre de jazz présent sur le bateau, est celle d’un homme profondément libre. Un homme qui, sans avoir jamais posé le pied à terre, peut décrire avec une précision incroyable de nombreux lieux du monde, simplement à travers les connaissances qui se sont succédées sur le bateau. Novecento, c’est ce pianiste qui jouait « quelque chose qui n’existait pas avant que lui ne se mette à le jouer, okay ? Quelque chose qui n’existait nulle part. Et quand il quittait son piano, ça n’existait plus… ça n’était plus là, définitivement… »

Je suis une inconditionnelle d’André Dussollier. Sans originalité aucune d’ailleurs, puisqu’il est l’un des plus grands acteurs français aujourd’hui. Mais plus j’y réfléchis et plus je me dis : qui d’autre aurait pu monter Novecento ainsi ? André Dussollier a cette voix faite pour raconter les histoires, et c’est bien de cela qu’il est question ici. Dussollier, qui prend les traits de Tim Tooney, le trompettiste, est l’acteur idéal pour incarner la normalité fascinée par la folie. Il parvient à faire naître en nous la possibilité qu’un tel homme existe, il parvient à nous écarter du monde terrestre effrayant pour nous emmener en balade avec ce pianiste de génie qu’il a connu et dont il nous raconte les folies.

On y croit tellement, à son histoire, que même lorsque le pianiste sur scène entame le prélude en do majeur de Bach, ou la gymnopédie de Satie, cela ne jure pas avec la description qu’on nous avait faite de l’invention éternelle de Novecento. Au contraire, le toucher est si pur que l’émotion est palpable. L’ajout de musicien en live sur scène est un plus incontestable à la proposition d’André Dussollier : comme il le dit si bien lui-même, cela permet de transmettre des choses qu’on ne parvient pas à dire avec les mots. Du côté du spectateur, la difficulté d’expression est la même, et c’est debout, les larmes aux yeux, et les mains battant à l’unisson que l’on remercie les artistes pour ce très beau moment de grâce.

Un incontournable de cette saison. ♥ ♥ ♥

De : Alessandro Baricco | Mise en scène : André Dussollier, Pierre-François Limbosch

Je crois en le théâtre

31_JeCroisenUnSEUL_1-2000x3258.pngCritique de Je crois en un seul dieu, de Stefano Massini, vu le 4 avril 2017 au Théâtre du Rond-Point
Avec Rachida Brakni, dans une mise en scène d’Arnaud Meunier

Il me fallait bien une journée entière pour digérer pareil spectacle. Et pourtant, il me semble toujours difficile d’écrire ce soir. Parfois, je me demande pourquoi je m’inflige ça. Je savais avant d’aller voir le spectacle qu’il risquait de nuire à mon moral. Un spectacle sur les coulisses d’un attentat à Tel-Aviv, vous pensez ! Moi qui, déjà, ait du mal à affronter la réalité d’un pays qui part en vrille. Et qui semble pourtant tellement serein à côté du conflit israélo-palestinien. Mais devant le courage de l’actrice, qui porte ce spectacle avec une intensité incroyable, ne devons-nous pas nous aussi, spectateurs, faire preuve du même courage ?

Pour essayer de comprendre, parfois, rien de mieux que de mettre en scène. Et quoi de mieux pour traduire une situation que de la présenter sous plusieurs angles ? C’est la proposition que nous fait Stefano Massini en nous mettant face à une réalité vue sous l’oeil de trois femmes différentes : une professeur israélienne, une jeune terroriste palestinienne, et une militaire américaine, toutes présentes sur le même terrain. Elles auront un futur commun : dès le début de la pièce, on comprend que l’attentat produit par la jeune palestinienne les atteindra toutes les trois.

Je découvrais ce soir l’écriture de Stéfano Massini. Même si le style est parfois un peu grossier et facilement décriptible, il est clair que le spectacle n’aurait pas la même force, et le procédé utilisé pour raconter l’histoire, ces parallèles entre chaque femme, exposés au même instant, sont très bien employés. Ils permettent de souligner avec intelligence les contrastes évidents, mais également les rapprochements plus subtils qui les relient. Les comparaisons entre les femmes israéliennes et palestiniennes, particulièrement, donnent lieu à de belles scènes, là où la partition accordée à la militaire américaine est un peu plus faible.

Bien sûr, pour porter ce spectacle, il fallait une excellente actrice. Je ne doutais pas une seule seconde que Rachida Brakni serait à la hauteur. La performance d’acteur est très impressionnante. Seule sur le plateau durant plus d’1h30, la comédienne incarne avec puissance et force émotion les différentes facettes de ses personnages. Dans cette mise en scène sobre, portée par des lumières magnifiques, elle nous fait suivre les journées de ces trois femmes, jonglant habilement avec leurs caractères, jusqu’à cette scène finale ou tout semble se confondre. Elle sera passée par de nombreuses étapes, de la préparation de l’attentat à son exécution en passant par le doute et la peur. Mais quelle peur ? Celle liée à l’excitation qui précède l’action. Celle qui suit l’attaque et qui provoque la panique. Celle dans laquelle je me retrouve, moi qui vit avec des fantômes depuis presque 1 an et demi.

Je crois un un seul dieu, ou comment ajouter de l’âme à des faits que l’on connaît seulement à travers des informations qui en sont souvent dénuées. ♥ ♥ 

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Mauvaise Notte de Noël

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Critique de C’est Noël tant pis, texte et mise en scène de Pierre Notte, vu au Théâtre du Rond-Point le 10 Décembre 2016, par Complice de MDT
Avec Bernard Alane, Brice Hillairet, Silvie Laguna, Chloé Olivères, Renaud Triffault (ou Romain Apfelbaum)

On n’est pas toujours disposé à rire avec la mort. Peut-être ne serais-je pas allée voir ce spectacle si j’en avais connu la teneur. Je ne l’ai pas apprécié, et il m’a même mise mal à l’aise.

Le début est pourtant brillant : deux vieux époux préparent les décorations de Noël en attendant leurs enfants. Ils s’asticotent, les répliques fusent, c’est rosse mais drôle. Bernard Alane et Silvie Laguna dessinent leurs personnages avec brio : l’un un peu lunaire, débonnaire, fuyant, l’autre agressive, cassante, de mauvaise foi. Les enfants arrivent : Nathan est célibataire, Tonio marié à Geneviève, « la pièce rapportée » ; les deux frères sont en conflit, la belle-fille ne se sent pas aimée, le repas n’est pas prêt, les cadeaux pas emballés, tout va mal et la crise s’exaspère quand on découvre la grand-mère sous la table, nue et froide. Le reste de la pièce se déroulera à l’hôpital, tant dans l’ascenseur que dans la chambre de la moribonde (ou déjà morte ?) grand-mère, que l’on ne voit jamais. Les ressentiments et les accusations de tous ordres liés à cette situation explosent. À la fin, quand Tonio tente de se suicider, la famille se ressoude. Le tout est entrecoupé de chansons, comme souvent chez Pierre Notte.

La situation de départ, avec cette grand-mère invisible mais centrale, est improbable, mais on accepte cette donnée qui sert de révélateur à toutes les exaspérations, frustrations, jalousies, coups bas, qui sont l’ordinaire des relations de cette famille. Le problème est que tout est dit dès le début : le dialogue ne fera qu’apporter des variations, ou de simples répétitions à ces relations familiales. Malgré le dynamisme des acteurs, irréprochables (on a plaisir à retrouver Bernard Alane), et alors que le rythme est effréné, paradoxalement un sentiment de sur-place et d’ennui s’installe. Le public rit de moins en moins. Le potentiel comique de la situation étant, au fond, limité, Pierre Notte recourt pour déclencher le rire à des trucs comme la satire facile des milieux intellectuels, ou la rupture de l’illusion théâtrale (« c’est mon monologue !), qui font long feu. La tirade pathétique de la mère à la fin, quand elle croit avoir perdu son fils permet de finir très artificiellement sur une note « heureuse », à moins que ce ne soit une ironie de plus à la fin de ce jeu de massacre…

Le problème de ce texte et de ce spectacle est que, sur un sujet qui parle à tout le monde (les conflits familiaux exacerbés par l’obligation festive, puis par la présence de la mort), il privilégie le ressassement (de nombreuses répliques répétées à l’identique) et un humour noir, qui, à la longue, fatiguent, voire indisposent. Ce n’est pas tant que cet humour peine à se renouveler, mais surtout que l’ensemble manque d’âme, désamorce toute tentative d’empathie. Si c’est l’enfer des relations familiales qu’a voulu représenter Pierre Notte, que ne va-t-il vers le drame (je pense à « Père » de Strindberg) ? Le drame n’exclut pas un comique sombre, profond, terrible. En soulignant le comique, en voulant faire rire à toute force de ce qui n’est pas drôle, en baroquisant à outrance sa pièce avec des chansons, Pierre Notte nous lasse et nous laisse de glace. Le brillant est sécheresse ; je n’ai pas eu envie de rire avec Pierre Notte.

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Chanter sous la vie

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Critique de Sur les cendres en avant, de Pierre Notte, vu au Théâtre du Rond-Point le 22 avril 2016 (critique par Complice de MDT)
Avec Juliette Coulon, Blanche Leleu, Chloé Oliveres, Elsa Rozenknop et la voix de Nicoles Croisille, mis en scène par Pierre Notte

         C’est pour deux de ses comédiennes que je suis allée voir ce spectacle, dont la bande-annonce ne m’emballait pourtant pas. Blanche Leleu et Chloé Oliveres, la blonde et la brune, sont en effet des actrices que je suis, autant que possible, depuis quelques années. Les voici réunies par Pierre Notte, comme elles l’avaient été par Jean-Marie Besset dans le délicieux Il faut je ne veux pas.

         C’est une pièce entièrement chantée, genre « Parapluies de Cherbourg ». L’idée peut sembler étrange, mais elle est tout à fait adaptée au propos de Pierre Notte, puisque les quatre femmes qu’il imagine trouveront à la fin dans la scène, dans le spectacle, le moyen d’échapper à l’amertume et à la difficulté de leurs vies : le fait qu’elles chantent leur quotidien est déjà l’indice de cet élan, de cette force qu’elles ont en elles sans le savoir : « L’espoir luit comme un brin de paille dans l’étable »…

         Il est difficile de résumer la pièce, tant ses rebondissements sont improbables et saugrenus. Les habitués de Pierre Notte y retrouvent sûrement l’univers de l’auteur, mais pour qui ne le connaît pas, on va de surprise en surprise. Deux voisines, la cloison qui séparait leur appartement s’étant effondrée, doivent vivre sous le regard de l’autre. Macha (Blanche Leleu, toujours aussi gracieuse) vit seule avec sa petite sœur Nina (Elsa Rozenknop) ; pour survivre, elle reçoit des hommes quand celle-ci est à l’école. Mademoiselle Rose, sa voisine (Chloé Oliveres, et sa voix au grain si particulier), ne quitte pas sa chaise dans un appartement dévasté par le feu où elle se nourrit de biscottes carbonisées et ressasse un passé qui semble terrible (mais quelle est la part de mythomanie ?). Ces deux femmes ne supportent pas la coexistence forcée et le mode de vie de l’autre : elles s’accrochent sans cesse, mais finissent par partager l’espace. Les deux autres personnages Nina et la Femme du forain jalouse de Macha qui surgit dans la deuxième partie de la pièce (Juliette Coulon) modifient l’équilibre des relations et font que le dialogue n’est jamais ennuyeux. Le constat qu’elles finissent par faire d’une vie sans intérêt et sans espoir, et de l’absurdité qu’il y a à s’affronter, débouchera sur la décision de « changer le sens de leur vie, se rassembler, faire front » (comme le dit Elsa Rozenknop dans le programme).

         Le dialogue est une source de suprise permanente, tant des thèmes sans rapport les uns avec les autres s’y mêlent (du muesli au mysticisme, de l’épluche-légume à l’art des claquettes). À la lecture, cela paraîtrait peut-être n’avoir ni queue ni tête, mais sur scène, avec l’incarnation des comédiennes, cela prend. Il n’y a aucune psychologie, l’arbitraire est assumé, le second degré et les citations sont nombreux et pourtant les personnages existent, émeuvent.

         Le fait que tout soit chanté (style Michel Legrand) est un puissant moteur pour l’attention : les paroles résonnent différemment, tout fait sens, le comique se glisse là où le dialogue parlé n’en apporterait pas. Les quatre femmes, soutenues impeccablement par leur pianiste (Donia Berriri), et par la voix off un peu gouailleuse de la grande Nicole Croisille, sont chanteuses-comédiennes, impossible de faire le partage entre les deux techniques : les déplacements sont fluides, les intonations expressives, le chant et le jeu se confondent, tout fait mouche. On ne sait comment c’est fait, cela pourrait faire flop à force d’artifice, mais tout prend. C’est du grand art, et pourtant léger, une bulle que l’on suit dans les airs et qui miraculeusement rebondit toujours et n’éclate jamais. À la fin, on applaudit à tout rompre. ♥  

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Démons à petit feu

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Critique de Démons de Lars Norén, vu le 19 septembre 2015 au Théâtre du Rond-Point
Avec Anaïs Demoustier, Romain Duris, Marina Foïs et Gaspard Ulliel, dans une mise en scène de Marcial Di Fonzo Bo

La distribution est impressionnante : Marcial Di Fonzo Bo a réuni de grands acteurs. On connaît le travail commun de Romain Duris et Anaïs Demoustier, notamment dans Une nouvelle amie de Ozon. Gaspard Ulliel, qui intervient rarement au théâtre, avait fait une apparition remarquée aux côtés de Michel Fau dans Que faire de Mr Sloan ? On ne présente plus Marina Foïs, toujours impeccable dans ses rôles au cinéma, qu’elle soit dirigée par Maïwenn ou par Christophe Honoré. Tous ces acteurs de talent réunis sur une même scène, cela ne pouvait que faire des étincelles. Certes, quelques flammèches apparaissent, mais j’aurais apprécié un feu encore plus fourni, une véritable explosion.

La situation rapelle Le Dieu du carnage de Yasmina Reza : deux couples se retrouvent un soir autour d’un verre. L’un d’eux, formé de Frank et Katarina, est en position dominante : ils sont clairement les démons de la pièce. Leur relation, étrange, malsaine, oscillant entre violence et tendresse soudaine, va petit à petit détruire la relation de leurs voisins, Jenna et Tomas, simplement venus passer un moment entre voisins. Une certaine forme de pudeur ressort de leur couple, leurs liens sont clairement moins enragés, plus calme ; ils laisse une sorte de distance entre eux qui n’existe pas entre Frank et Katarina, comme une sorte de gêne.

J’adore ce genre de pièce. Voir les relations poisons qui atteignent des êtres candides, voir l’effet qu’elles peuvent avoir sur eux et l’évolution de leur caractère en conséquence est quelque chose de très intéressant au théâtre. Cela peut être prenant, tendu, inquiétant, et on prend forcément parti pour l’un ou l’autre des personnages, espérant sans cesse qu’il prenne la bonne décision, qu’il agisse de la bonne manière. Un tel thème se doit d’être absolument poignant, absorbant. Si les personnages sont effectivement des démons, chacune de leurs actions devrait nous indigner, nous soulever du plus profond de nous-même. Tel n’est pas le cas ici. Il manque quelque chose, une tension, une atmosphère qui aurait quelque chose d’envoutant.

A qui la faute ? Au texte tout d’abord, qui ne va probablement pas au bout des choses. Lorsqu’on veut faire dans le trash, on y va carrément, car s’arrêter dans ce chemin là ne peut qu’être frustrant. Mais faute également à la mise en scène, qui s’arrête gentiment derrière le texte, là où on aurait pu lui demander de le surpasser en cruauté. Face à un texte qui n’en dit pas assez, j’aurais apprécié que la mise en scène en fasse presque trop, histoire de nous retourner carrément l’estomac. Mais elle « n’envoie » pas assez, et produit moins d’effet qu’attendu. A titre d’exemple, cette scène où Franck déverse les cendres de sa mère sur Katarina aurait dû me tordre le coeur. Or le sentiment d’horreur que j’ai ressenti était uniquement dans ma raison, et non dans mes sens. Pourtant, les acteurs concernés sont auteurs d’interprétations impressionnantes, Marina Foïs en tête. Tour à tour victime et dominatrice, elle forme avec Romain Duris un duo poignant. Lui, de sa démarche droite et précise, prend des allures effrayantes et son regard noir m’a fait baisser plus d’une fois la tête. Je ne peux parler du deuxième duo avec le même enthousiasme. Si Anaïs Demoustier prend les traits de son personnage sur scène, gênée, la voix faible, mal posée, et légèrement niaise, c’est d’après moi plus dû à son manque d’expérience qu’à une réelle composition de sa part. Mais le doute subsiste. En revanche, j’accuse clairement le manque d’expérience de son partenaire, Gaspard Ulliel, qui a raison de son jeu : il se tient mal sur scène, n’articule pas assez, et ne porte pas la voix, si bien qu’on perd des bouts de sa partition. Enfin, il est celui qui donne le moins de contenance à son personnage, qui semble perdu sur scène, et dont les sautes d’humeur sont bien trop brutales pour être crédibles.

C’est dommage : un tel sujet et de tels acteurs auraient pu donner lieu à un grand spectacle. Mais je reste sur ma faim♥ 

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