Critique de Novecento, d’après Alessandro Baricco, vu le 1er septembre 2017 au Théâtre du Rond-Point
Avec André Dussollier, dans une mise en scène de l’acteur

Enfin. C’était ce mot, à la fois empreint de soulagement et d’excitation, que je me répétais en arrivant au théâtre du Rond-Point ce soir. Après avoir raté le spectacle l’année de sa création à cause du trop grand nombre de spectateurs qu’il enregistrait, puis l’année dernière suite à l’accident d’André Dussollier, c’était avec une impatience incontrôlable que j’attendais le spectacle qui, de plus, marquait l’ouverture de ma saison 2017-2018. Je ne pouvais rêver mieux.

Comment ne pas fondre devant la poésie qui marque ce joli roman qu’est Novecento ? L’histoire d’un homme né sur un bateau, découvert par un marin, et qui y restera jusqu’à sa mort sans jamais en descendre. Cette histoire, racontée par le trompettiste de l’orchestre de jazz présent sur le bateau, est celle d’un homme profondément libre. Un homme qui, sans avoir jamais posé le pied à terre, peut décrire avec une précision incroyable de nombreux lieux du monde, simplement à travers les connaissances qui se sont succédées sur le bateau. Novecento, c’est ce pianiste qui jouait « quelque chose qui n’existait pas avant que lui ne se mette à le jouer, okay ? Quelque chose qui n’existait nulle part. Et quand il quittait son piano, ça n’existait plus… ça n’était plus là, définitivement… »

Je suis une inconditionnelle d’André Dussollier. Sans originalité aucune d’ailleurs, puisqu’il est l’un des plus grands acteurs français aujourd’hui. Mais plus j’y réfléchis et plus je me dis : qui d’autre aurait pu monter Novecento ainsi ? André Dussollier a cette voix faite pour raconter les histoires, et c’est bien de cela qu’il est question ici. Dussollier, qui prend les traits de Tim Tooney, le trompettiste, est l’acteur idéal pour incarner la normalité fascinée par la folie. Il parvient à faire naître en nous la possibilité qu’un tel homme existe, il parvient à nous écarter du monde terrestre effrayant pour nous emmener en balade avec ce pianiste de génie qu’il a connu et dont il nous raconte les folies.

On y croit tellement, à son histoire, que même lorsque le pianiste sur scène entame le prélude en do majeur de Bach, ou la gymnopédie de Satie, cela ne jure pas avec la description qu’on nous avait faite de l’invention éternelle de Novecento. Au contraire, le toucher est si pur que l’émotion est palpable. L’ajout de musicien en live sur scène est un plus incontestable à la proposition d’André Dussollier : comme il le dit si bien lui-même, cela permet de transmettre des choses qu’on ne parvient pas à dire avec les mots. Du côté du spectateur, la difficulté d’expression est la même, et c’est debout, les larmes aux yeux, et les mains battant à l’unisson que l’on remercie les artistes pour ce très beau moment de grâce.

Un incontournable de cette saison. ♥ ♥ ♥

Critique de Je crois en un seul dieu, de Stefano Massini, vu le 4 avril 2017 au Théâtre du Rond-Point
Avec Rachida Brakni, dans une mise en scène d’Arnaud Meunier

Il me fallait bien une journée entière pour digérer pareil spectacle. Et pourtant, il me semble toujours difficile d’écrire ce soir. Parfois, je me demande pourquoi je m’inflige ça. Je savais avant d’aller voir le spectacle qu’il risquait de nuire à mon moral. Un spectacle sur les coulisses d’un attentat à Tel-Aviv, vous pensez ! Moi qui, déjà, ait du mal à affronter la réalité d’un pays qui part en vrille. Et qui semble pourtant tellement serein à côté du conflit israélo-palestinien. Mais devant le courage de l’actrice, qui porte ce spectacle avec une intensité incroyable, ne devons-nous pas nous aussi, spectateurs, faire preuve du même courage ?

Pour essayer de comprendre, parfois, rien de mieux que de mettre en scène. Et quoi de mieux pour traduire une situation que de la présenter sous plusieurs angles ? C’est la proposition que nous fait Stefano Massini en nous mettant face à une réalité vue sous l’oeil de trois femmes différentes : une professeur israélienne, une jeune terroriste palestinienne, et une militaire américaine, toutes présentes sur le même terrain. Elles auront un futur commun : dès le début de la pièce, on comprend que l’attentat produit par la jeune palestinienne les atteindra toutes les trois.

Je découvrais ce soir l’écriture de Stéfano Massini. Même si le style est parfois un peu grossier et facilement décriptible, il est clair que le spectacle n’aurait pas la même force, et le procédé utilisé pour raconter l’histoire, ces parallèles entre chaque femme, exposés au même instant, sont très bien employés. Ils permettent de souligner avec intelligence les contrastes évidents, mais également les rapprochements plus subtils qui les relient. Les comparaisons entre les femmes israéliennes et palestiniennes, particulièrement, donnent lieu à de belles scènes, là où la partition accordée à la militaire américaine est un peu plus faible.

Bien sûr, pour porter ce spectacle, il fallait une excellente actrice. Je ne doutais pas une seule seconde que Rachida Brakni serait à la hauteur. La performance d’acteur est très impressionnante. Seule sur le plateau durant plus d’1h30, la comédienne incarne avec puissance et force émotion les différentes facettes de ses personnages. Dans cette mise en scène sobre, portée par des lumières magnifiques, elle nous fait suivre les journées de ces trois femmes, jonglant habilement avec leurs caractères, jusqu’à cette scène finale ou tout semble se confondre. Elle sera passée par de nombreuses étapes, de la préparation de l’attentat à son exécution en passant par le doute et la peur. Mais quelle peur ? Celle liée à l’excitation qui précède l’action. Celle qui suit l’attaque et qui provoque la panique. Celle dans laquelle je me retrouve, moi qui vit avec des fantômes depuis presque 1 an et demi.

Je crois un un seul dieu, ou comment ajouter de l’âme à des faits que l’on connaît seulement à travers des informations qui en sont souvent dénuées. ♥ ♥ ♥

Critique de C’est Noël tant pis, texte et mise en scène de Pierre Notte, vu au Théâtre du Rond-Point le 10 Décembre 2016, par Complice de MDT
Avec Bernard Alane, Brice Hillairet, Silvie Laguna, Chloé Olivères, Renaud Triffault (ou Romain Apfelbaum)

On n’est pas toujours disposé à rire avec la mort. Peut-être ne serais-je pas allée voir ce spectacle si j’en avais connu la teneur. Je ne l’ai pas apprécié, et il m’a même mise mal à l’aise.

Le début est pourtant brillant : deux vieux époux préparent les décorations de Noël en attendant leurs enfants. Ils s’asticotent, les répliques fusent, c’est rosse mais drôle. Bernard Alane et Silvie Laguna dessinent leurs personnages avec brio : l’un un peu lunaire, débonnaire, fuyant, l’autre agressive, cassante, de mauvaise foi. Les enfants arrivent : Nathan est célibataire, Tonio marié à Geneviève, « la pièce rapportée » ; les deux frères sont en conflit, la belle-fille ne se sent pas aimée, le repas n’est pas prêt, les cadeaux pas emballés, tout va mal et la crise s’exaspère quand on découvre la grand-mère sous la table, nue et froide. Le reste de la pièce se déroulera à l’hôpital, tant dans l’ascenseur que dans la chambre de la moribonde (ou déjà morte ?) grand-mère, que l’on ne voit jamais. Les ressentiments et les accusations de tous ordres liés à cette situation explosent. À la fin, quand Tonio tente de se suicider, la famille se ressoude. Le tout est entrecoupé de chansons, comme souvent chez Pierre Notte.

La situation de départ, avec cette grand-mère invisible mais centrale, est improbable, mais on accepte cette donnée qui sert de révélateur à toutes les exaspérations, frustrations, jalousies, coups bas, qui sont l’ordinaire des relations de cette famille. Le problème est que tout est dit dès le début : le dialogue ne fera qu’apporter des variations, ou de simples répétitions à ces relations familiales. Malgré le dynamisme des acteurs, irréprochables (on a plaisir à retrouver Bernard Alane), et alors que le rythme est effréné, paradoxalement un sentiment de sur-place et d’ennui s’installe. Le public rit de moins en moins. Le potentiel comique de la situation étant, au fond, limité, Pierre Notte recourt pour déclencher le rire à des trucs comme la satire facile des milieux intellectuels, ou la rupture de l’illusion théâtrale (« c’est mon monologue !), qui font long feu. La tirade pathétique de la mère à la fin, quand elle croit avoir perdu son fils permet de finir très artificiellement sur une note « heureuse », à moins que ce ne soit une ironie de plus à la fin de ce jeu de massacre…

Le problème de ce texte et de ce spectacle est que, sur un sujet qui parle à tout le monde (les conflits familiaux exacerbés par l’obligation festive, puis par la présence de la mort), il privilégie le ressassement (de nombreuses répliques répétées à l’identique) et un humour noir, qui, à la longue, fatiguent, voire indisposent. Ce n’est pas tant que cet humour peine à se renouveler, mais surtout que l’ensemble manque d’âme, désamorce toute tentative d’empathie. Si c’est l’enfer des relations familiales qu’a voulu représenter Pierre Notte, que ne va-t-il vers le drame (je pense à « Père » de Strindberg) ? Le drame n’exclut pas un comique sombre, profond, terrible. En soulignant le comique, en voulant faire rire à toute force de ce qui n’est pas drôle, en baroquisant à outrance sa pièce avec des chansons, Pierre Notte nous lasse et nous laisse de glace. Le brillant est sécheresse ; je n’ai pas eu envie de rire avec Pierre Notte.

Critique de Sur les cendres en avant, de Pierre Notte, vu au Théâtre du Rond-Point le 22 avril 2016 (critique par Complice de MDT)
Avec Juliette Coulon, Blanche Leleu, Chloé Oliveres, Elsa Rozenknop et la voix de Nicoles Croisille, mis en scène par Pierre Notte

         C’est pour deux de ses comédiennes que je suis allée voir ce spectacle, dont la bande-annonce ne m’emballait pourtant pas. Blanche Leleu et Chloé Oliveres, la blonde et la brune, sont en effet des actrices que je suis, autant que possible, depuis quelques années. Les voici réunies par Pierre Notte, comme elles l’avaient été par Jean-Marie Besset dans le délicieux Il faut je ne veux pas.

         C’est une pièce entièrement chantée, genre « Parapluies de Cherbourg ». L’idée peut sembler étrange, mais elle est tout à fait adaptée au propos de Pierre Notte, puisque les quatre femmes qu’il imagine trouveront à la fin dans la scène, dans le spectacle, le moyen d’échapper à l’amertume et à la difficulté de leurs vies : le fait qu’elles chantent leur quotidien est déjà l’indice de cet élan, de cette force qu’elles ont en elles sans le savoir : « L’espoir luit comme un brin de paille dans l’étable »…

         Il est difficile de résumer la pièce, tant ses rebondissements sont improbables et saugrenus. Les habitués de Pierre Notte y retrouvent sûrement l’univers de l’auteur, mais pour qui ne le connaît pas, on va de surprise en surprise. Deux voisines, la cloison qui séparait leur appartement s’étant effondrée, doivent vivre sous le regard de l’autre. Macha (Blanche Leleu, toujours aussi gracieuse) vit seule avec sa petite sœur Nina (Elsa Rozenknop) ; pour survivre, elle reçoit des hommes quand celle-ci est à l’école. Mademoiselle Rose, sa voisine (Chloé Oliveres, et sa voix au grain si particulier), ne quitte pas sa chaise dans un appartement dévasté par le feu où elle se nourrit de biscottes carbonisées et ressasse un passé qui semble terrible (mais quelle est la part de mythomanie ?). Ces deux femmes ne supportent pas la coexistence forcée et le mode de vie de l’autre : elles s’accrochent sans cesse, mais finissent par partager l’espace. Les deux autres personnages Nina et la Femme du forain jalouse de Macha qui surgit dans la deuxième partie de la pièce (Juliette Coulon) modifient l’équilibre des relations et font que le dialogue n’est jamais ennuyeux. Le constat qu’elles finissent par faire d’une vie sans intérêt et sans espoir, et de l’absurdité qu’il y a à s’affronter, débouchera sur la décision de « changer le sens de leur vie, se rassembler, faire front » (comme le dit Elsa Rozenknop dans le programme).

         Le dialogue est une source de suprise permanente, tant des thèmes sans rapport les uns avec les autres s’y mêlent (du muesli au mysticisme, de l’épluche-légume à l’art des claquettes). À la lecture, cela paraîtrait peut-être n’avoir ni queue ni tête, mais sur scène, avec l’incarnation des comédiennes, cela prend. Il n’y a aucune psychologie, l’arbitraire est assumé, le second degré et les citations sont nombreux et pourtant les personnages existent, émeuvent.

         Le fait que tout soit chanté (style Michel Legrand) est un puissant moteur pour l’attention : les paroles résonnent différemment, tout fait sens, le comique se glisse là où le dialogue parlé n’en apporterait pas. Les quatre femmes, soutenues impeccablement par leur pianiste (Donia Berriri), et par la voix off un peu gouailleuse de la grande Nicole Croisille, sont chanteuses-comédiennes, impossible de faire le partage entre les deux techniques : les déplacements sont fluides, les intonations expressives, le chant et le jeu se confondent, tout fait mouche. On ne sait comment c’est fait, cela pourrait faire flop à force d’artifice, mais tout prend. C’est du grand art, et pourtant léger, une bulle que l’on suit dans les airs et qui miraculeusement rebondit toujours et n’éclate jamais. À la fin, on applaudit à tout rompre. ♥ ♥ ♥