Critique de L’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites, de Paul Zindel, vu le 18 décembre 2015 au Théâtre de l’Atelier
Avec Isabelle Carré, Alice Isaaz, et Lily Taïeb/Armande Boulanger, dans une mise en scène d’Isabelle Carré

Le bilan de mes dernières venues au théâtre de l’Atelier s’assombrit encore un peu : cela fait bien 3 spectacles que le sentiment majeur à la sortie du théâtre est la déception. Et cette impression, malheureusement, ne fait que s’accroître. Dans De l’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites, outre le titre , tout semble excessivement long. Et ennuyeux.

On se retrouve en Amérique, chez Béatrice, qui élève seule ses deux filles et vit avec Nanny, une vieille dame qu’elle aide au quotidien. On comprend vite la relation malsaine que Béatrice entretient avec ses filles, interdisant à sa cadette, Matilda, d’aller à l’école sous prétexte qu’elle a déjà assez à faire à la maison. Son autre fille, Ruth, semble prendre le même chemin que sa mère, chaotique et délirant. Elle commence même à manipuler l’art du chantage. Le spectacle suit cette petite famille au quotidien, jusqu’à la bonne nouvelle d’un prix décerné à Matilda, jeune surdouée, pour son expérience sur les marguerites…

J’ai du mal à comprendre comment un directeur peut accepter de monter cela. Le texte n’est pas (ou plus) adapté à notre France actuelle : il est bien trop américain pour me convaincre, en tout cas. Et même dans son écriture, on trouve des failles : quelle logique dans une fille qui prône son amour pour les sciences, et qui finalement remercie Dieu d’avoir créé les atomes ? Si le film de Paul Newman a connu un succès, je doute que ce soit le cas pour ce spectacle. Il respire l’ego d’une actrice qui a vu dans Béatrice un rôle taillé pour elle. Et qui ne l’est finalement pas : Isabelle Carré n’a pas les épaules pour incarner Béatrice. Elle manque de folie, de rage, de naïveté. Elle joue cela bien trop « classiquement » pour être crédible, son personnage est si lisse qu’à chaque parole prononcée, un décalage supplémentaire s’instaure entre Béatrice et l’actrice.

Les deux jeunes actrices qui l’accompagnent ne relèvent pas ce niveau, et on en vient à souhaiter vivement que Alice Isaaz cesse de crier ainsi ses répliques et apprenne à poser sa voix. J’ai vivement regretté ma place proche de la scène, tant mes oreilles souffraient de tant de cris. Pour faire passer la colère, la folie, il y a d’autres choses. Malheureusement, aucune des actrices ne semble correctement dirigée : c’était à prévoir, Isabelle Carré n’étant pas un metteur en scène de formation.

Un gros ratage. 

Critique des Rustres de Carlo Goldoni, vu le 12 décembre 2015 au Vieux-Colombier
Avec Gérard Giroudon, Bruno Raffaelli, Coraly Zahonero, Céline Samie, Clotilde de Bayser, Laurent Natrella, Christian Hecq, Nicolas Lormeau, Christophe Montenez, et Rebecca Marder, dans une mise en scène de Jean-Louis Benoît

Les Rustres, c’est une pièce féministe qui a une certaine résonance tout particulièrement aujourd’hui. La récente montée des extrêmes en France, les attentats, tous ces événements nous amènent à nous renseigner sur ces hommes français et qui nous sont pourtant totalement étrangers, sur leurs pays, leurs modes de vie. Et on se rappelle que les femmes n’ont pas le droit (entre autres) de conduire en Arabie Saoudite.

Dans la pièce, les femmes sont interdites de sortie et leurs maris exigent d’elles une soumission totale à leurs bons vouloirs. Seulement voilà, si la plupart des femmes acceptent cette condition de vie, tout en se plaignant régulièrement, l’une d’entre elles ne l’entend pas de cette oreille et gère elle-même son couple. Elle est l’espoir, le modèle, en quelque sorte.

C’est bien de monter cette pièce en des temps si troublés. C’est un joli clin d’oeil, c’est politiquement correct. Mais au-delà de l’allusion aux récents événements, au-delà du rappel que de tels hommes existent encore et toujours, que ce texte semble daté ! Que de longueurs ! Quel manque de finesse ! On ne rit jamais de bon coeur grâce au texte ; on sourit toujours grâce à la maîtrise de Christian Hecq ou de ses camarades. Je ne reconnais pas dans ces Rustres l’auteur de La Trilogie de la Villégiature.

Peut-être que je ne parviens à apprécier Goldoni que lorsqu’il est monté de façon plus tchekhovienne, à la manière de Françon dans cette Trilogie. Seulement ici, ce choix semble plus délicat à mettre en oeuvre. Néanmoins, ces cris perpétuels sur scène, ces mouvements incessants, ces personnages sans âme ne parviennent pas à m’intéresser. Ils sont dessinés si grossièrement, comme des marionnettes qui s’agitent devant nous. Je n’aime pas voir de simples pantins, lorsque je vais au théâtre. J’y recherche l’âme, l’être plus que le jeu.

Heureusement, les acteurs sont là pour éviter de faire de ce spectacle un échec. Christian Hecq est fabuleux, au top de sa forme : il compose un Lunardo psychorigide, lunatique, égoïste, et surtout hilarant ; je lui dois mes principaux rires tant ses facéties sont rythmées ! Et bien qu’elles soient nombreuses, il ne semble jamais tirer la couverture à lui, bien au contraire ; c’est presque sa manière de donner la réplique à ses camarades ! Cette pièce fut également l’occasion de découvrir Rebecca Marder, jeune première fraîchement engagée au Français : elle tient ici un rôle principal et s’en tire très bien pour sa première apparition au Vieux-Colombier !

On connaît le talent du reste de la troupe, et chacun sert son rôle très convenablement sans non plus délivrer une prestation inoubliable. Mention spéciale à Clotilde de Bayser, qui a sûrement le rôle le plus intéressant et qui délivre son message avec brio. Grosse déception cependant du côté de Laurent Natrella, qui est pourtant un acteur que j’admire généralement : ici, son Comte est grotesque, lourd, ridicule sans être drôle. Bien dommage. Enfin, cette pièce souligne l’éternel rôle de Céline Samie, qui joue constamment de la même manière, quelle que soit la pièce dans laquelle je la vois. Juste, certes. Mais du Français, on attend plus que de la justesse…

Pour les amoureux de Goldoni, vous serez servis. Pour ceux qui doutent, vous pouvez passer votre chemin…  ♥

Critique de Gustave, de Arnaud Bédouet, vue le 16 juine 2015 au Théâtre de l’Atelier
Avec Jacques Weber et Philippe Dupont, dans une mise en scène de Christine Weber

Il est de ces acteurs que l’on voit une fois et qui nous marquent réellement. À tel point qu’on se dit : s’il joue dans cette pièce, ça ne peut être mauvais. J’ai vu Jacques Weber dirigé par Peter Stein dans l’inoubliable Prix Martin monté à l’Odéon il y a quelques années. Et lorsque je revois ce même acteurs aujourd’hui, j’avoue avoir un choc : ce n’est plus le même. Est-ce une question de direction, de pièce, ou simplement n’était-il pas en forme ce soir là ? Allez savoir. Tout ce que je retiens de ce spectacle, c’est de l’ennui et, malheureusement, de l’incompréhension.

Il faut savoir que la pièce est écrite à partir des correspondances de Flaubert… Et que je ne connais pas grand chose à la vie de Flaubert. En tout cas, pas suffisamment pour suivre avec passion ce spectacle. Je parviens à saisir le sujet à plusieurs reprises, mais par moment je ne comprends pas ce qu’il se passe. Dommage, car cela restreint quand même le public à qui s’adresse le spectacle.

L’autre problème de ce spectacle réside dans le jeu de Jacques Weber. J’imagine toujours qu’un texte moyen, ou ennuyeux, peut être sublimé par un grand acteur. Ici, ce n’est malheureusement pas le cas. Certes, il y a quelques envolées, quelques beaux moments. Mais durant la majeure partie du spectacle, Jacques Weber cabotine et cela a du mal à fonctionner sur moi, d’autant plus que le texte ne me passionne pas : je vois alors trop le jeu de l’acteur, jeu forcé et si peu naturel, jeu qui en devient inintéressant.

Aux passionnés de Flaubert, je dis peut-être. Aux autres, je déconseille.

Critique de Troyennes, vues le 15 novembre 2014 au Théâtre 13
Avec Blade, Mounya Boudiaf, Kevin Keiss, Adrien Michaux, Pierre Mignard, Marie Payen, Valentine Vittoz et Lou Wenzel, dans une mise en scène de Laetitia Guédon

Puisque le thème de La Guerre est à l’honneur cette année en prépa scientifique, je ne pouvais pas rater cette représentation des Troyennes d’Euripide, qui se donnent actuellement au théâtre 13. Malheureusement, le texte, bien que grandiose, ne résonne que faiblement dans cette mise en scène de Laetitia Guédon.

La guerre de Troie est finie. Seules les femmes restent, tous les troyens ayant été tués pendant les affrontements. Que va-t-il advenir d’Hécube, d’Andromaque, de Cassandre, et d’Hélène ? Chez quel Grec devront-elles partir en esclaves ? Quel avenir leur réserve-t-on ? La pièce est un déchirement, d’un bout à l’autre. On devrait pleurer avec Hécube, dont la souffrance irradie la pièce. Seulement ici, l’émotion ne passe pas. A se demander si les acteurs eux-mêmes ressentent quelque chose lorsqu’ils jouent.

Pas l’ombre d’un sentiment. Malgré un texte fort, on reste de marbre face au désarroi de ces femmes. On accuse la mise en scène, qui manque d’idée : Hécube crie bien trop, mais le cri n’est pas forcément le meilleur moyen de transmettre le désespoir. L’actrice, trop jeune pour le rôle, ne semble pas percevoir tous ses aspects. Le reste de la distribution suit ce jeu sans flamme. Seule Lou Wenzel parvient à nous faire croire à sa Cassandre et à sa folie. Kevin Keiss enfin, qui incarne le choeur, est peut-être le symbole même de l’échec de la pièce : qu’un homme incarne le choeur de femmes dans une pièce telle que Les Troyennes n’a aucun sens ; mais qu’en plus il massacre son texte par une diction presque vulgaire : la portée dramatique tombe à l’eau.

Si la direction d’acteurs laisse à désirer, il en est de même pour la mise en scène : pourtant le décor semblait une bonne idée : à jardin, on reconnaît des camps dans lesquelles étaient enfermées les femmes, attendant leur peine future. Mais si il est présent sur scène, il n’est jamais utilisé, et seul le plateau nu reste pour les comédiens : des lumières très restrictives, mettant l’accent sur un jeu à la fois, comme en gros plan, limite les déplacements, ce qui donne un tout très statique. Sans grande signification. On abrège sur les paillettes qui tombent à plusieurs reprises sur les spectateurs, ainsi que sur les messages bien pensant des élèves d’un collège d’Aubervilliers. Le ton de la pièce n’est pas là. Nous non plus.

On préférera relire la pièce, plutôt que conseiller le spectacle. A éviter. 

Critique de Bash, de Neil LaBute, texte français de Pierre Laville et mise en scène de Gilbert Pascal
Avec Sarah Biasini et Benoît Solès, vu au Théâtre 14 le 5 mars 2014, à 19h.

Ce spectacle se compose de trois scènes sans lien entre elles. Les deux premières sont des monologues ; dans la dernière, les deux acteurs sont réunis. Dans les trois cas, il s’agit d’évoquer des meurtres, commis dans un cadre absolument banal, par des personnages ordinaires que rien ne destinait  a priori à une telle violence. La « banalité du mal » en quelque sorte. Je préfère laisser le spectateur découvrir l’histoire qui sous-tend chacun de ces passages à l’acte, car une bonne partie de l’intérêt de ces textes repose sur la recomposition de l’histoire que doit faire le spectateur, à partir d’éléments qui lui sont fournis de manière non-chronologique –mais sans « prise de tête » pour autant. Le spectateur doit surtout interpréter ces actes : les personnages qui les avouent ne donnent pas toutes les clés, parce que, vu la pauvreté de leur univers moral, ils ne les possèdent pas, ou parce qu’ils ne veulent pas s’avouer à eux-mêmes les ressorts qui les ont fait agir.

Je ne peux pas dire que j’aie beaucoup aimé ces textes, pour deux raisons. L’une tient justement à la pauvreté morale et intellectuelle des personnages, qui limite l’empathie que l’on pourrait avoir à leur égard : il paraît absolument impossible de s’imaginer à leur place, ils nous glacent ou nous dégoûtent. Mais je suppose que c’est l’effet qu’a voulu produire Neil LaBute. La seconde tient à l’altérité de l’univers dans lequel ils gravitent : la société américaine la plus puritaine, la plus éloignée de nos moeurs : deux scènes se situent explicitement chez les Mormons. À mes yeux, quand l’univers de référence est trop spécifique, l’universalité du propos trouve ses limites, et il faudrait un auteur d’exception pour la faire ressortir. Comment atteindre l’universel par le particulier ? c’est l’éternel problème. Ici, malgré l’adaptation habile de Pierre Laville, je ne me suis pas sentie concernée. Gilbert Pascal, le metteur en scène, veut que l’on se pose la question « Et, moi, qu’aurais-je fait ? » : cette question ne se pose pas, tant ces actes paraissent incompréhensibles et gratuits.

La mise en scène est très dépouillée, dans une dramatugie de la confession. Gilbert Pascal a voulu, explique-t-il, que toute l’attention se porte « sur Sarah et Benoît ». De ce point de vue, le spectacle est réussi. Les acteurs, qui portent tout, sont très investis et à la hauteur. Dans la dernière scène, la plus vivante et animée des trois, ils jouent dans un accord parfait, même s’ils sont encore un peu tendus (j’ai assisté à la deuxième représentation). C’était la première fois que je voyais Sarah Biasini. Je suppose que le fait qu’elle soit la fille de Romy Schneider va attirer le public, mais elle n’a pas besoin de cela : c’est une très bonne comédienne, lumineuse, avec un visage extrêmement mobile et expressif, qui peut passer de la beauté à la laideur en un clin d’œil. Benoît Solès est encore plus impressionnant, composant deux personnages veules et terrifiants, et en même temps pathétiques. Dans la dernière scène, il nous tient réellement en haleine, et arrive à faire passer ce poids de la « pression sociale » qui peut pousser aux pires atrocités tout en suggérant des pulsions plus sourdes, des sentiments plus diffus.

Le spectacle vaut donc le déplacement pour ce duo d’acteurs. ♥