Critique de La double inconstance, de Marivaux, vue le 4 juillet 2024 au Théâtre de l’Essaïon
Avec Baptiste Bordet, Marilyne Fontaine, Emma Gamet, Agathe Quelquejay, Thomas Sagols, Xavier Simonin, et Jean-Paul Tribout, mis en csène par Jean-Paul Tribout

Cette année, mon quota classique à Avignon se fera avec Marivaux pour mon plus grand bonheur ! Mais vous savez ce qui décuple cette joie ? C’est que cette Double Inconstance est mise en scène par le génial Jean-Paul Tribout, qui sera aussi sur scène. Et qui nous permet de retrouver la merveilleuse Marilyne Fontaine. Que demande le peuple ?

La Double Inconstance, comme souvent chez Marivaux, met en scène un jeu. Un jeu des puissants sur les petits. Le Prince a fait enlever Silvia, une paysanne, car il l’aime, mais elle refuse ses avances et jure sa fidélité à Arlequin, son fiancé. Il la retient au château en espérant la faire changer de sentiments envers lui. Mais en réalité, elle ne l’a jamais vu ou plutôt croit ne l’avoir jamais vu : il s’est jusqu’ici présenté à ses yeux sous les traits d’un officier du palais, pour lequel elle pourrait bien avoir quelque affection. Pour parvenir à ses fins, le Prince va tarder à révéler sa véritable identité et, aidé de Flaminia, va tout mettre en oeuvre pour séparer le jeune couple de paysans.

Je pourrais me contenter de vous dire que c’était parfait. Je devrais probablement me contenter de vous dire que c’était parfait, car tous les mots que je vais essayer de mettre sur ce spectacle seront forcément moins brillants, moins intelligents, moins éclatants que ce que j’ai vu. Comme toujours chez Tribout, le texte est roi. Comme toujours chez Tribout, la langue est claire. Comme toujours chez Tribout, les personnages sont dessinés à la perfection. Comme toujours chez Tribout, les comédiens sont excellents. Comme toujours chez Tribout, on en ressort un peu plus grands.

Ce n’est pas ma première Double Inconstance, mais c’est sans doute la plus intéressante que j’ai vue. Celle qui joue tout, de la franche comédie au marivaudage en passant par les intrigues sociales plus sombres – voire carrément cruelles. Où l’on est constamment surpris, plein de « Oh ! » et de « Ha ! » comme si on découvrait ce texte pour la première fois. Où l’on a jamais eu autant envie de découvrir la suite, de savoir ce que deviennent ces personnages et où la situation finale les entraînera. Où les punchlines marivaudiennes éclatent comme des bulles d’un bon champagne. Où les petits sont petits et les grands sont grands. Où le diable se cache dans les détails. Où les regards effraient parfois autant que les paroles. Où la légèreté côtoie la profondeur et se nourrissent l’une l’autre. Où l’on voit presque la machinerie et le calcul déteindre sur l’authenticité la plus pure et les personnages changer progressivement de couleur. Où l’on voit tout, en fait.

S’il y en a bien un qui est constant, c’est Jean-Paul Tribout. Toujours constant dans l’excellence ! ♥ ♥ ♥

Critique de La fleur au fusil, de Lionel Cecilio, vu le 4 juillet 2024 au Théâtre des Brunes
Avec Lionel Cecilio, mis en scène par Jean-Philippe Daguerre

Moi, si je devais résumer ma vie aujourd’hui avec vous, je dirais que c’est d’abord des rencontres. Et j’aime bien certains clins d’oeil que me fait la vie. J’ai d’abord choisi ce spectacle pour son sujet. Parce que la fille de Portugais que je suis connait trop mal La Révolution des oeillets et que ça me pèse depuis longtemps. Quand j’ai vu que la mise en scène était signée de Daguerre, j’ai été tout à fait sûre d’y aller. Et ce n’est qu’à ce moment que j’ai vu le nom de Lionel Cecilio. Lionel Cecilio, il m’avait invitée à son spectacle il y a près de dix ans de ça. Il jouait dans le tout petit Théâtre Pixel à l’époque et j’étais toute fière d’avoir pu échanger avec lui à la sortie du spectacle. Et je suis un peu émue de me dire que je vais le revoir après tout ce temps.

Il y a toujours une part de subjectivité dans les critiques. Parce qu’on adore tel ou tel comédien, parce que le sujet nous touche particulièrement, parce qu’il fait écho à notre propre histoire. Aujourd’hui, ma part de subjectivité est flagrante. Je la sens dans tout mon corps. L’effet de la langue portugaise sur moi est immédiat. Elle me berce, elle me réconforte, elle m’attendrit. Parce que j’aime cette langue qui chante, parce qu’elle évoque beaucoup de souvenirs, parce qu’elle est reliée à l’enfance, parce qu’elle coule dans mes veines. Alors je vais essayer d’être la plus objective possible, mais je sais que je pars avec un avantage.

S’il y a bien quelque chose de très objectif dans ce spectacle, c’est que Lionel Cecilio est captivant. Fascinant. On a l’air un peu braves de le souligner, mais c’est quand même important : il incarne seul tous les rôles avec maestria, jonglant de l’un à l’autre avec une parfaite habileté. C’est ultra vivant, ultra dynamique, parfaitement réglé. C’est enflammé. C’est un engagement absolu. Il donne l’impression d’un film en accéléré – et pas seulement parce qu’il est complètement survolté. Parce qu’il donne à voir des lieux et des histoires qui s’entremêlent, parce que ses personnages ont quelque chose de très attachant, parce qu’il nous invite, à son côté, dans le salon de sa grand-mère.

Mais attention peut-être à ne pas en faire trop. Ses personnages sont parfaits, mais ralentissent un peu le sujet. L’équilibre entre le narratif et l’historique penche un peu trop du premier côté : pour le temps de spectacle, on aimerait en apprendre davantage. Je crois que c’est la première fois qu’on arrive à me rassasier de théâtre au point que je demande davantage d’histoire. C’est dire s’il donne !

Un spectacle à l’image de cette révolution. Complètement engagé. ♥ ♥

La fleur au fusil – Théâtre des Brunes (19h35)
32 rue Thiers, 84000 Avignon
A partir de 12,90€
Réservez sur BAM Ticket !

Critique de L’ami du président, de Félicien Marceau, vu le 4 juillet 2024 au Théâtre des Gémeaux
Avec Benjamin Boyer, Muriel Combeau, Stéphane Cottin, Stéphanie Hédin, Jean-Pierre Michaël, Marine Montaut, et Davy Sardou, mis en scène par Christophe Lidon

Alors de un, j’aime beaucoup les scenari politiques. De deux, j’aime beaucoup Jean-Pierre Michaël. De trois, j’ai plutôt confiance en Christophe Lidon. De quatre, on s’est manqué plusieurs fois avec Davy Sardou donc c’est sûrement l’heure de la réconciliation. Et de cinq, je trouvais que je n’avais pas encore assez de spectacles programmés aux Gémeaux pour cette année.

Léon Daim est de toutes les cérémonies. Il prend la pose. Se montre au côté d’hommes politiques influents. Tant et si bien qu’on commence à parler, dans les hautes sphères politiques. On se demande qui est cet homme qu’on voit partout. Qui semble être dans les petits papiers de certains ministres, voire du Président. Plus on parle, plus la rumeur s’amplifie, plus les commérages se confondent avec la réalité, et plus Léon Daim prend de l’importance…

Je suis mitigée. Je ne peux pas vraiment m’énerver, je ne peux pas dire qu’il n’y a pas de travail, je ne peux pas dire que ce n’est pas quali. Mais je peux m’étonner de l’idée de ressortir ce texte. Si le spectacle n’a pas fonctionné sur moi, c’est, à mon avis, de sa faute. Il est désuet. Il manque de rythme. Il met beaucoup trop de temps à installer la situation. Il raconte la même scène pendant les trois quarts de la pièce avant d’enfin aller plus avant. Il manque cruellement de rebondissement, d’emballement, d’intérêt. On a du mal à comprendre à quoi servent certains personnages secondaires, qui ralentissent l’action sans la servir par ailleurs. Ça n’aurait tenu qu’à nous, on aurait concentré notre attention uniquement sur le scénario principal, qui proposait une vraie bonne idée. On peut facilement imaginer un vrai thriller, qui aurait pu monter en puissance, qui aurait pu vraiment fonctionner sur moi. Il y a du monde sur scène, le travail est soigné, la qualité est au rendez-vous. Dommage qu’elle se disperse ainsi.

Première déception du Festival. Il en fallait bien une. ♥

L’ami du président – Théâtre des Gémeaux (17h15)
10 rue du Vieux-Sextier, 84000 Avignon
A partir de 12,90€
Réservez sur BAM Ticket !

Critique des Héroïdes, création collective d’après Ovide, vue le 4 juillet 2024
Avec Alice Barbosa, Capucine Baroni, Juliette Boudet, Lucie Brandsma, Laura Clauzel, et Ayana Fuentes-Uno, mises en scène par Flavia Lorenzi

Par Complice de MDT

J’ai choisi ce spectacle car j’enseigne le latin. Autant dire que cet article n’aura pas le ton primesautier de la Mordue ! Les Héroïdes est une oeuvre du poète latin Ovide où il donne la parole à une série de femmes mythiques, en général des femmes délaissées, écrivant à un héros qui les a abandonnées : Pénélope à Ulysse, Ariane à Thésée, Didon à Énée, etc. – « Héroïde » a d’ailleurs fini par signifier « lettre de femme abandonnée ».

Autant le dire : il y a assez peu d’Ovide dans cette pièce. L’auteur latin est un prétexte pour porter un nouveau regard, actuel et féministe, sur ces destinées de femmes fictives, et les arracher à leur statut de victimes passives. Au fil des figures, les vers lyriques d’Ovide se font plus rares et laissent place à une création collective.

Chaque femme est traitée avec une idée différente : ici, un jeu radiophonique où il faut choisir entre les différentes versions de la fin d’Ariane (plus une !), là, le making-off d’un spectacle sur Didon, là encore le procès intenté à Déjanire pour avoir tué Hercule. Certaines idées sont plus efficaces que d’autres, aucune n’est vraiment originale, mais l’implication des comédiennes musiciennes est, elle, sans faille.

Le spectacle déplace notre vision de ces héroïnes de l’antiquité, qui deviennent des femmes fortes et autonomes, comme Didon, présentée en fondatrice de ville et souveraine. Le collectif de femmes présent sur scène s’appuyant essentiellement sur les corps et les voix, remet puissamment en cause la passivité et la dépendance prétendument féminines. S’emparant de styles musicaux divers, du rap au lyrique, les artistes déconstruisent avec rage et humour ces fictions qui ont modelé l’image de la féminité, et nous emportent par leur sincérité et leur talent.

Les vraies héroïnes des Héroïdes, ce sont elles. ♥ ♥

Critique de Ma république et moi, de Issam Rachyq-Ahrad, vu le 4 juillet 2024 au Théâtre des Halles
Avec et mis en scène par Issam Rachyq-Ahrad

Je viens d’écrire mon article sur Entrée des artistes, de Ahmed Madani. On me demande souvent comment je choisis mes spectacles. Alors non, Ma république et moi, je ne l’ai pas choisi parce qu’il a eu un très bon article dans Telerama (mais pour être tout à fait honnête, j’aurais pu). Je l’ai choisir parce que Issam Rachyq-Ahrad, on l’a découvert chez Madani (ok, ok, ma +1 l’a découvert chez Madani, moi je ne l’ai découvert que bien plus tard en captation, puis sur scène, dans un Nasser Djemaï). Et comme on adore ce genre de fil d’Ariane, et que le sujet est passionnant, on voit pas pourquoi on se priverait. Surtout en ce moment.

Issam Rachyq-Ahrad ne savait pas qu’il tomberait en plein milieu du chaos politique qu’on vit actuellement. C’est peut-être aussi pour ça, d’ailleurs, que son spectacle est complet. Dans ce spectacle, il nous invite dans le salon de sa mère, là où il a grandi. Sa mère, à qui il donnera la parole à de nombreuses reprises dans le spectacle. Sa mère marocaine, venue habiter en France, fière de travailler pour la fonction publique dans un hôpital. Sa mère victime de racisme ordinaire comme moins ordinaire, et qui jamais ne se révolte. Sa mère qui me donne les larmes aux yeux, une boule dans la gorge, et qui fait grandir en moi une colère sourde qui cogne contre ma poitrine.

La première chose qui marque chez Issam Rarchyq-Ahrad, c’est sa sympathie. Ce sourire sur ses lèvres, cette envie de partager, d’aller vers l’autre, ce bonheur qu’on peut lire sur son visage, c’est communicatif. D’ailleurs, une spectatrice se prend un peu trop au jeu. Elle entame un dialogue avec le comédien, comme si on était dans un spectacle de stand up. Je reconnais que c’est tentant. La petite salle du théâtre des Halles permet ça. Il nous regarde tous dans les yeux, et déjà quelque chose passe. Comme une discussion des regards. On n’est pas invité à dialoguer, contrairement à ce que ma voisine pense, mais ça ne donne pas l’impression d’un monologue pour autant. C’est un échange silencieux. Il donne, on prend, et on essaie de rendre quelque chose, nous aussi.

Le seul reproche que je peux faire à ce spectacle, c’est qu’il est trop court. On voudrait qu’il dure des heures. On voudrait l’écouter encore. On voudrait qu’il continue de nous parler. On voudrait qu’il continue de partager. On voudrait en savoir plus sur son enfance, sur son évolution, sur l’homme qu’il est aujourd’hui. On voudrait en connaître davantage sur son combat, sur son rapport à la France, au Maroc, à la montée du RN. On voudrait qu’il évoque encore son rapport au théâtre. On voudrait qu’il porte une parole plus politique, qu’il s’engage plus avant, qu’il nous prenne à parti. On voudrait que ça ne s’arrête pas. On voudrait que la salle ne soit pas composée que de cet entre-soi avignonnais qui nous met face à nos erreurs et à nos contradictions. On voudrait que tout le monde le voie.

Je crois que j’ai bien fait de le voir avant dimanche 7 juillet. ♥ ♥ ♥

Critique d’Antigone, d’après Sophocle, vue le 3 juillet 2024 à la Scala Provence
Avec Romain Arnaud-Kneisky, Emma Bousquet, Yann Guchereau, Hoël Le Corre, Laurent Suire, Morgane Touzalin, mis en scène par François Ha Van

Ma découverte d’Antigone remonte au collège. Je crois qu’une partie de moi juge mon évolution en fonction du parti que je prends. J’ai toujours admiré Antigone. Et puis, il n’y a pas si longtemps, j’ai commencé à comprendre Créon. Sans prendre entièrement son parti, j’ai admis, que, peut-être, il n’était pas entièrement du côté du mal. C’est donc ça, la maturité ? Bon, clairement, team Antigone d’Anouilh, mais on n’a pas toujours ce qu’on veut dans la vie et déjà retrouver l’équipe de Kids c’est un bonheur, donc je signe pour Sophocle. Ou pour d’après Sophocle, d’ailleurs, ce qui peut être un peu mieux (ou complètement pire, tout dépend d’eux).

Etéocle et Polynice, les deux frères d’Antigone, se sont battus à mort pour la place de roi. Leurs deux corps gisent sur le sol de Thèbes. Créon, le nouveau roi, décide qu’Etéocle aura droit aux honneurs funéraires, mais pas son frère, et interdit à quiconque de s’approcher du corps pour essayer de le sauver d’une errance éternelle dans le néant. C’était sans compter sur Antigone, que cette loi révolte et qui fera tout pour enterrer son frère. Même s’il faut pour cela aller contre la loi. Même s’il faut pour cela donner sa vie.

Ce qui me marque tout particulièrement, dans ce spectacle, c’est le texte. J’appréhendais la confrontation avec Sophocle, peur de rester à côté, peur de quelque chose de trop grand pour moi, peur que ça ne m’évoque rien. Au contraire, je suis tout de suite happée par le Choeur qui ouvre le spectacle. Je serai suspendue à ses lèvres Il faut dire que Romain Arnaud-Kneisky y excelle. Son Choeur façon maître de cérémonie est sans doute la grande réussite de ce spectacle. Il est captivant. Son texte est une succession de phrases chocs que je reçois en pleine poitrine. Toutes résonnent avec le contexte actuel. Accompagné par la musique de Pierre Bienaimé, qui est l’une des signatures de la Compagnie du Vélo Volé, il donne envie de relire Sophocle pour y trouver des réponses. Et des nouvelles questions, aussi, sûrement.

Ceux qui ne me donnent peut-être pas assez de réponses, en revanche, c’est Antigone et Créon. Moi qui suis toujours en recherche d’explications, de pourquoi et de comment, de chacun des côté, je les trouve ici peut-être pas assez colorés. Ils sont tous deux très droits dans leurs bottes, lui obstiné et quelque part serein car sûr d’être dans le droit, elle portant « un regard d’orage », agressive, furibonde, une tornade proche de la folie. Mais ils restent dans leurs camps. Ils n’évoluent pas. Ne proposent pas autre chose. Ne doutent pas. Ne se frôlent pas. Deux piquets un peu trop droits qui manquent parfois de doutes et de nuances. Mais c’est peut-être le texte de Sophocle qui veut ça. Comme si il n’aimait pas ses personnages. Comme s’il ne leur laissait aucune chance, leur destin étant de toute façon contraints par le bon vouloir des dieux.

Je continue de préférer l’Antigone d’Anouilh, mais quel bonheur de pouvoir entrer enfin dans celle de Sophocle ! ♥ ♥

Critique de Ma famille en or, de Joseph Gallet et Elodie Wallace, vue le 3 juillet 2024 au Théâtre du Roi René
Avec Jean Fornerod, Joseph Gallet, Marie-Hélène Lentini, Elodie Wallace, mis en scène par Anne Bouvier

Vous savez moi je suis faible et j’aime bien ce genre d’affiche. Je sais pas, j’ai tout de suite envie de monter dans cette voiture, moi aussi. En plus, je n’avais rien de programmé au Roi René cette année, et c’est quand même la tradition.

Avec un titre pareil, on se doute bien que la famille qui va nous être proposée sera plus ou moins dysfonctionnelle. Celle-là a tiré le gros lot. Entre l’aînée rebelle en quête de liberté qui s’est simplement barrée pour un tour du monde sans donner de nouvelles, le père hypocondriaque et légèrement parano (oui, c’est vrai, ça va souvent ensemble), la mère acheteuse compulsive (de biens évidemment complètement inutiles) et le cadet un peu trop sûr de lui (et avec un cordon ombilical qui semble encore bien accroché), on est bien. On est bien bien bien bien bien.

Le problème, quand on fait ce choix sur un coup de tête, juste avec l’affiche (et un théâtre qu’on fréquente de temps en temps, hein, quand même), c’est qu’une fois qu’on est assis dans la salle, on se demande un peu ce qu’on fait là. Et quand le spectacle commence sur des vannes un peu lourdes et un rythme un peu bancal, on se demande encore plus ce qu’on fait là. Et quand tout d’un coup, alors que vous pensiez que c’était mort pour vous, que vous étiez prêt à lâcher l’affaire et à bouder tranquillement en attendant la fin, ils vous décrochent un rire, que vos yeux s’agrandissent, et que vous vous mettez à écouter de plus en plus attentivement ce qui se passe sur scène, là, vous savez vraiment pourquoi vous êtes là. Exactement pour cette sensation-là. La surprise, au théâtre, je ne sais pas s’il y a quelque chose de mieux.

Vraiment, ils avaient mal commencé. A leur décharge, c’était la première, et le rythme se cherchait encore un peu au début. Et puis ne me demandez pas exactement ce qu’il s’est passé. C’est la magie du théâtre. Marie-Hélène Lentini qui semblait jusqu’ici porter le spectacle à elle toute seule – on salue d’ailleurs cette énergie folle et ce quasi stand up qu’elle a mené au début du spectacle – retrouve des partenaires. Le rythme bancal se trouve soudainement et permet au texte de monter en puissance, de donner ce qu’il a dans le ventre, jusqu’à éclater vraiment. Et de s’éclater, aussi, sur scène. Les comédiens trouvent leurs marques et se mettent à jouer complètement ensemble. Et nous embarquent avec eux. Et tout s’emballe. Et ça part même un peu en vrille parfois. Et même si les fils sont un peu gros, on se surprend à juste avoir envie de partager ce voyage, juste avoir envie de la prochaine vanne, juste avoir envie de la prochaine destination, juste être avec eux sans se poser d’autre question. Mince, c’est bon !

Une surprise en or. ♥ ♥ ♥

Critique d’Un air de fête, des Cinq de coeur, vu le 3 juillet 2024 au Théâtre des Gémeaux
Avec Fabian Ballarin, Vincent Gillieron, Sandrine Montcoudiol, Rachel Pignot, Karine Serafin, mis en scène par Virginie Lemoine

J’ai l’impression de connaître leur nom depuis toujours mais en fait je me rends compte que je ne sais pas vraiment dire ce qu’ils font. Ou plutôt je croyais jusqu’à il y a peu que c’était des acrobates et ma +1 pensait que c’était des chanteurs a capella, si ça se trouve ce sont des dresseurs de chien mais en tout cas il est temps de lever le mystère.

Un point pour le mammouth. En tout cas, pour ma +1. Ce sont bien des chanteurs a capella. Mais au fond je n’étais pas si loin de ça puisqu’on parle aussi d’acrobates de la chanson. Je crois qu’on ne peut pas bien se rendre compte de l’effet tant qu’on ne les a pas devant nous. C’est de la musique live, en fait, puisqu’ils font tout. Mélodie harmoniques accompagnement percussions, ils ont l’entière maîtrise des morceaux proposés. Et ils font tout. Ils vont partout. Variété française, opéra, pop anglaise, rap, rien ne leur fait peur. Ils adressent tous les styles, ils mélangent tous les genres, ils excellent partout. Il y a les chansons à texte, qui demandent d’être incarnées, il y a les chansons qui donnent envie de danser – et ils ne se privent pas – et celles qui donnent lieu à des sketchs. J’essaie de le traduire comme je peux, mais au cas où ce n’est pas clair : c’est un spectacle très généreux.

C’est toujours difficile de parler d’un spectacle musical. Peut-être que le mieux c’est de vous dire tout ce qu’ils sont en plus d’être chanteurs. On parlait d’acrobate, on n’était pas si loin : on reste chez les circassiens, finalement, car ce sont aussi de vrais clowns. C’est drôle, parce que j’ai très envie de parler de ce spectacle avec un vocabulaire propre à l’enfance – sur mes notes, par exemple, on peut lire qu’on se croirait parfois chez Guignol, ou encore que la construction du spectacle, qui rebondit de proche en proche, m’évoque un « dorica castra » (trois p’tit chats – chapeau d’paille – paillasson…) qui nous entraîne si rapidement d’une scène à l’autre qu’on ne sait bientôt plus comment on y est arrivé.

Et pourtant, je n’ai pas eu l’impression que le spectacle s’adressait à l’enfant qui était en moi. Peut-être parce que les références sont parfois très actuelles – comme l’ouverture du spectacle sur Stand Up. Peut-être aussi parce qu’ils ne cherchent aucun effet. Ils sont sur scène pour fêter les 30 ans des Cinq de coeur, et ils savent qu’en se faisant plaisir, ils feront plaisir au public – dont certains les suivent peut-être depuis autant de temps. Pourquoi alors chercheraient-ils à toucher autre chose que les spectateurs qui sont en face d’eux ? Assumons-nous ! Le pari est réussi.

Je n’ai que trois coeurs, mais le coeur y est. ♥ ♥ ♥

Critique de Bérénice des Quartiers, de Thomas Griere d’après Jean Racine, vu le 2 juillet 2024 au Théâtre de la Luna
Avec Léon Dutour, Nina Garin, Thomas Griere, Thibault Rigoulet, et Naomi Vejdovsky, mis en scène par Thomas Griere

Je me rends compte en fait qu’Avignon me permet d’assouvir mon envie de découverte que je renie souvent à Paris faute de temps. Le format avignonnais est beaucoup plus propice au saut dans le vide : évidemment, il y a les spectacles dont tout le monde parle, mais ils se comptent sur les doigts d’une main et les 1600 autres spectacles restent de grandes pépites potentielles. Et celui-ci a eu le titre suffisamment accrocheur pour arrêter mon attention. C’est un spectacle que j’aurais pu m’attendre à trouver à La Fabrik Théâtre. C’est un spectacle qui m’évoque Jean Rochefort et Les Boloss des belles lettres. C’est un spectacle qui aurait pu soulever plein d’appréhension, mais qui a surtout attisé ma curiosité.

Bérénice des quartiers a conservé la trame de Bérénice, amoureuse de Titus qui l’aime en retour mais qui, dans l’oeuvre de Racine, ne peut la prendre pour femme car elle est reine de Palestine et qu’il est empereur de Rome – et que la loi romaine l’empêche de prendre pour femme une non-romaine. On se retrouve ici dans deux cités adverses, qui, presque à la manière d’un Roméo et Juliette, s’opposent. Titus, à la tête d’un trafic, ne peut épouser Bérénice car elle vient de la cité ennemie.

Il y a d’abord une très belle surprise. Le spectacle s’ouvre sur une exposition rappée. Pour moi qui suis une grande adepte de rap, je dois dire que je suis assez impressionnée. La technique est bonne et l’écriture fonctionne bien. Certains spectateurs se mettent d’ailleurs à hocher la tête en rythme. Et puis l’introduction se finit et la musique s’arrête. Et je comprends que le spectacle sera en réalité une alternance de passages rappés et parlés. Mais le mélange sonne étrangement. On quitte le rythme du rap mais on ne retombe pas sur des alexandrins. Et pour donner un air un peu plus « quartiers », certains phrases sont ponctuées de « archi pas » et autre effets de style de cités, qui sonnent un peu faux au milieu des tentatives de versifications.

C’est dommage car le début était prometteur. Il faut aller au bout. Les passages rappés n’avaient pas à pâlir face aux vers de Racine qui s’invitent à la fête un peu plus tard. Leur prose, par contre, semble un peu plus terne. Je ne sais pas si un Bérénice entièrement rappé est possible, mais peut-être alors faut-il essayer de retravailler les passages parlés ?

L’idée était bonne, reste à trouver le format optimal ! ♥