Critique des Gens Bien de David Lindsay-Abaire, vu le 17 février 2014 au Théâtre Hebertot
Avec Miou-miou, Patrick Catalifo, Brigitte Catillon, Isabelle de Botton, Aïssa Maïga, et Julien Personnaz, dans une mise en scène de Anne Bourgeois

Un coup. Un choc. Ce spectacle fait mal au moral et au coeur. Aux miens, en tout cas. Peut-être parce que l’époque et mon état d’esprit s’y prêtent : le doute, la peur, les regrets, l’incertitude. Pas ceux d’une femme pauvre des bas quartiers de Boston, mais ceux que l’on rencontre tous, un jour, soudainement. Ils arrivent, ils sont là, ils prennent place, et même lorsqu’on les croit vaincus, un spectacle comme celui-ci les fait revenir de plein fouet. Joli travail, pour un texte qui ne paie pas de mine.

On comprend dès le début de la pièce que c’est mal parti : Margareth, incarnée par Miou-Miou, tente bien d’échapper à la conversation avec son supérieur par tous les moyens ; elle lui coupe la parole, tente de le faire rire, reste évasive sur les raisons de leur discussion. Mais il parvient à s’imposer et le verdict tombe : Margareth est licenciée. Comment réussir à payer le loyer qui arrive si vite ? Comment réussir à vivre et à faire vivre sa fille, handicapée ? Où retrouver un travail par les temps qui courent, et à son âge ? Le cas de Margareth semble désespéré. Et c’est grâce à de telles conditions, extrêmes, qu’on peut découvrir le vrai visage de son entourage : que vaut l’amitié qu’on croyait solide, face à l’égoïsme et à la peur ? Est-ce que la bonté pure et simple existe-t-elle réellement ? Peut-on penser à l’autre avant de penser à soi ? Margareth, qui touche le fond, tente tant bien que mal de s’en sortir : elle pense à un ancien ami, Mike, qui vient du même cadre qu’elle et qui a réussi. Si lui ne peut pas l’aider, peut-être qu’elle peut lui faire comprendre la misère dans laquelle elle est en brisant sa vie…

Je ne crois pas avoir déjà vu une pièce américaine contemporaine qui ne fonctionnait pas sous forme de tableau. Ou plus généralement c’est vers cette forme que tendent la plupart des pièces modernes, toute nationalité confondue. Je trouve ça dommage qu’on ne soit plus capable d’écrire une histoire d’un seul trait. Ici, les tableaux sont nécessaires aux changements de décor. Cependant, comme toujours, ils brisent quelque peu le rythme qui s’installe. Ajoutons à cela quelques longueurs dans le texte, et j’aurais pu passer une mauvaise soirée. Cependant, il n’en est rien. La trame dramatique est là, et par dessus tout, l’incarnation semble ici une évidence. On a plus l’impression que jamais que les acteurs se battent pour la cause de leurs personnages, qu’ils défendent becs et ongles. Impressionnant.

Miou-Miou compose un personnage complexe et déchirant. Encore une fois, je ne pense pas que le texte soit pour grand chose dans mon ressenti : il y a des longueurs, et un manque d’originalité : on s’attend beaucoup à ce qu’il va se passer. Et pourtant, la tension dramatique est là. Dans son regard, on sent une femme perdue et perturbée : elle hésite entre poursuivre son chemin à la recherche d’un travail, ou continuer ce combat immoral qu’elle a entamé, et dans lequel apparaît une forme de rancoeur, de jalousie vis-à-vis de cet autre qui a réussi. Sentiments inexplicables puisque soudain : jusqu’alors, rien ne dit que Margareth avait pensé à cet homme. Mais on sent qu’une force, inexplicable, la pousse à s’entêter dans cette voie, si bien qu’elle réussit sa tâche mais qu’elle se perd dans ce jeu malsain. Le désarroi, la honte, l’introspection, sont autant de sentiments que l’on peut lire à travers le personnage de Margareth. Touchante dans sa détresse et sa confusion, détestable dans ses actes, elle soulève un problème épineux : peut-on en vouloir à cette femme, à qui la vie a tout pris, et qui tente simplement de se battre contre son sort ? Miou-Miou défend ardemment son personnage, si bien que je n’ai toujours pas la réponse à cette question. Bravo.

Personnage central, elle laisse cependant briller certains de ses camarades sans complexe ; à commencer par Patrick Catalifo, ce fameux « ancien » que Margaret cherche à contacter, et qui se voudrait blanc comme neige, lui qui a été souvent noir dans son passé… Cherche-t-il à cacher ce qu’il a été, ou juste à l’embellir aux yeux de sa femme ? Est-ce vraiment par pitié qu’il accepte de recevoir Margareth ? Est-il vraiment quelqu’un de bien, comme il se plaît à la dire ? Encore un personnage complexe, par ses actes qui semblent plein d’empathie, mais qui pourraient simplement cacher des regrets amers et difficilement avouables. On lit la peur dans ses yeux, même lorsqu’il tente de rester calme. Il n’est pas serein, le Mike. Et décidément, il semble aussi noir que blanc. Une jolie composition. Le reste de la distribution suit ce niveau : Aïssa Maïga est une femme empreinte des moeurs de sa classe sociale, mais qui sait agir en conséquence en présence de qui ne les suit pas. Réfléchie et déterminée, elle est peut-être celle dont on peut le plus dire : « c’est une belle personne ». Brigitte Catillon a assurément la gueule de l’emploi de son personnage : ses remarques acerbes sont toujours placées avec un rythme parfait et son air blasé s’accorde tout à fait avec son personnage que la vie semble avoir usé. Je pense enfin à Isabelle de Botton, dont je n’ai rien à redire du jeu, mais dont le personnage m’a tellement énervée par son égoïsme que j’ai d’abord cru que je n’avais pas aimé son interprétation. Pour confondre pareillement personnage et acteur, c’est une belle maîtrise de son art : bravo, donc !

A travers des personnages simples et presque banals, des questions fondamentales sont soulevées, si bien que nous, spectateurs, nous retrouvons mal à l’aise face à la multitude de choix possibles. On n’en ressort pas indemne. ♥ ♥ ♥ 

Critique du Roi se Meurt de Ionesco, vu le 23 avril 2014 au Théâtre Hébertot
Avec Michel Bouquet, Juliette Carré, Nathalie Bigarre, Pierre Forest, Lisa Martino, et Sébastien Rognoni dans une mise en scène de Georges Werler

Ne nous mentons pas : c’est autant pour Michel Bouquet que pour Ionesco que je me suis rendue au théâtre Hébertot mercredi dernier. On parle de cet acteur comme d’un monstre sacré, d’une pointure, d’un grand comédien. Mais, si c’est vrai que sur scène on sent qu’il a été quelqu’un, qu’il a cette présence, et cette voix si marquantes, en revanche, on sent qu’il n’est plus : c’est comme s’il était déjà ailleurs.

Sur scène, ils sont 6 : le roi, sa première femme (incarnée par Juliette Carré, la femme à la ville de Michel Bouquet), sa seconde femme, Juliette (femme de ménage et femme de chambre, infirmière, cuisinière et jardinière), le médecin (chirurgien, bactériologue, bourreau et astrologue), et un garde. Ils sont 5 autour du roi, malade, qui devrait mourrir à la fin de la pièce. Il a 1h30 pour résigner à cette mort, à cette fin inéluctable, mais il n’est pas encore prêt, et la pièce montrera son chemin vers l’acceptation de cette mort. La pièce est belle et émouvante, elle doit montrer le passage progressif d’une conscience à la résignation de la mort. Je n’ai rien vu de tout cela.

Il faut préciser que Michel Bouquet reprend la pièce depuis plusieurs années sans interruption. A force de jouer la mort, elle devient une banalité, et il n’a plus alors à s’habituer à l’idée le temps de la pièce, puisqu’il est déjà coutumier de ce sentiment. Je pense que là est la principe explication au manque cruel d’émotion du spectacle. De plus, il me semble que de belles tirades de la pièce ont été supprimées, pour un soucis de temps (ou de mémoire du texte ?) je suppose. 

A cela s’ajoute une mise en scène étrange, empêchant tout brin de sentiment profond d’exister : la pièce est dite à toute allure, particulièrement lorsque c’est Juliette Carré qui parle. L’actrice campe une reine effrayante et sans pitié aucune (assez mal jouée d’ailleurs), constrastant avec la seconde épouse du roi, interprétée par Lisa Martino, toujours dans les larmes et les lamentations. On ne comprend pas où veulent en venir les personnages : les deux reines ne sont-elles que des caricatures ? Une pleurnicheuse et une sans coeur ? J’ai eu de la peine à entrer dans leur jeu, à saisir la relation qui les unissait au roi.

Quant à Michel Bouquet, il a une présence indéniable et il pourrait parfaitement convenir au rôle si seulement il n’était pas aussi habitué à le jouer. Je n’ai pas ressenti d’évolution du personnage, pas de peur face à la mort, pas de résignation. C’est comme si lui-même attendait que cela finisse. Il ne donne plus l’impression de jouer, juste d’être là, d’être Michel Bouquet et non le Roi Bérenger Ier, et d’attendre. Dommage.

Le public se lève et applaudit à tout rompre, saluant plus la longue carrière de Michel Bouquet que sa prestation dans la pièce, à mon avis. Les bravos fusent, l’acteur est tout sourire. Sans doute le moment le plus émouvent du spectacle. Mais au moins je pourrais dire : « j’ai vu Michel Bouquet ». Pour ce monument : ♥.

Critique du Père, de Florian Zeller, vu le 7 novembre 2012 au Théâtre Hebertot.
Avec Robert Hirsch, Isabelle Gelinas, Patrick Catalifo, Eric Boucher, Sophie Bouilloux, et Elise Diamant, dans une mise en scène de Ladislas Chollat

Le Père, c’est l’histoire d’un homme, André, incarné par Robert Hirsch, qui est atteint d’Alzheimer. Sa famille, en la personne de sa fille aînée, essaie de trouver le meilleur moyen pour combattre un peu la maladie. Qu’Anne, sa fille, passe le voir souvent chez lui. Puis qu’il emménage chez elle. Puis qu’on emploie une infirmière spécialisée dans l’aide aux personnes atteintes de la maladie. Tout est essayé. Et si l’histoire peut paraître banale, elle est traitée d’un point de vue assez particulier, et assez intéressant : celui d’André lui-même. Bonne idée, très bonne idée même, pourrait-on dire. Tout nous est confus, puisqu’à l’instar du malade, nous confondons les personnages de la pièces, les moments, les époques.

Oui mais voilà : tout semble flou, rien ne s’explique. Je pose un bémol. C’est là que Florian Zeller échoue, pour moi. Tout comme dans La Vérité, il a une bonne idée mais ne l’utilise pas à bon escient. C’est-à-dire que lui-même ne semble pas comprendre sa propre pièce. Tout part dans tous les sens, certaines scènes se répètent équivalentes aux précédentes, sans qu’on comprenne pourquoi. Si le metteur en scène justifie cette incompréhension par la position d’André qu’adopte le spectateur, alors il faut m’expliquer pourquoi certaines scènes, où le personnage d’André n’apparaît pas, sont répétées ? Vraiment dommage que l’on ne comprenne pas plus que ça l’histoire, les périodes, les faits, mais faisons abstraction de tout cela. Après tout, ce n’est pas pour Zeller que je venais voir le spectacle. Oh que non.

Il y a un acteur, dans ce spectacle, un acteur qui dépasse tous les autres. Il y a un monstre sacré. Il y a un très très Grand. Un immense homme. Robert Hirsch, 87 ans, incarne André. Je ne trouverais de toute façon pas les mots justes pour décrire la perfection de son jeu, de sa voix, de ses réactions, de ses mouvements. Comment décrire une telle présence ? J’étais malade ce jour-là. Des éternuements qui ne cessent pas. Croyez-le ou non, dès qu’il est entré en scène, tout a cessé. J’étais scotchée. J’étais admirative. Il est entré, il a attiré tous les regards, et les a conservés jusqu’à la fin de la pièce. Lorsqu’il parlait, avec tant d’expréience dans la voix, de cette voix puissante mais pas du tout forcée, la salle faisait preuve d’un silence religieux. Tous ses mouvements étaient si naturels, comme s’ils n’étaient pas prévus, pas calculés. Lorsqu’il le désirait, il était drôle, il paraissait jeune, il faisait des claquettes et se mouvait si rapidement, si facilement. Parfois il était très attendrissant. Déchirant, lorsqu’il appelait et demandait sa « maman ». Parfois infernal et impatient, comme un enfant. Mais globalement, le personnage était très émouvant, de par sa solitude. La maladie implique la solitude. Cette solitude, implicite, ressortait à merveille, grâce au talent de Robert Hirsch. 

Il était néanmoins bien entouré. Isabelle Gélinas, cette actrice qui possède tant de charmes, incarnait sa fille. Deuxième rôle, et même si sa voix sanglotante semblait parfois un peu forcée, elle excelle aussi. Mais qu’est-ce qu’exceller, à côté de Robert Hirsch ? C’est difficile, puisque lui est déjà si loin, si haut, si grand. Les deux hommes, que je confonds, étaient, tout comme Isabelle Gélinas, très bon, mais restaient aussi derrière André. Les scènes sans lui semblaient lentes, inutiles, monotones. Élise Diamant riait un peu faux. J’ai beaucoup apprécié Sophie Bouilloux : dans la dernière scène, elle s’éclipse en douceur derrière lui, et lui laisse son jeu, elle ne cherche pas à s’imposer, et la scène en ressort d’autant plus émouvante, d’autant plus brillante. 

Vraiment, cette mise en scène … C’est tellement dommage, qu’un acteur pareil joue dans une pièce qui aurait pu être si complète et si réussie … Mais ni le texte, ni la mise en scène ne nous éclaire … 

Ne nous mentons pas. En allant voir ce spectacle, on va voir Hirsch. On va voir un Hirsch grandiose, remarquable, un Hirsch inoubliable. Ce n’est pas qu’à l’acteur de saluer le public. C’est au public de s’incliner bien bas devant Lui. C’est au public de se lever pour acclamer, pour souligner son talent de comédien. Il faut le voir. Vous ne le regretterez pas. ♥ ♥ ♥