Critique des Trois Soeurs, d’après Tchekhov, vues le 11 novembre 2017 au Théâtre de l’Odéon
Avec Jean-Baptiste Anoumon, Assaad Bouab, Éric Caravaca, Amira Casar, Servane Ducorps, Eloïse Mignon, Laurent Papot, Frédéric Pierrot, Céline Sallette, Assane Timbo, Thibault Vinçon, dans une mise en scène de Simon Stone 

J’étais très enthousiaste à l’idée de découvrir le travail de Simon Stone. J’ai raté son Ibsen Huis qui a fait tant de bruit, cet été à Avignon, et j’avais hâte de connaître, moi aussi, les idées révolutionnaires de ce metteur en scène montant. J’ai un rapport particulier aux Trois Soeurs car ça a été le premier Tchekhov bien monté que j’ai vu ; le premier qui m’a permis de comprendre que malgré l’absence d’action, malgré la simplicité apparente des situations, ses pièces étaient d’une beauté sincère et prenante. Chez Tchekhov, je cherche aujourd’hui des tranches de vie : naturelles, limpides. Pas superficielles.

Simon Stone a entièrement réécrit Tchekhov en arguant que le dramaturge plaçait ses pièces dans le présent. Pourquoi pas ? Tchekhov n’a pas réellement besoin de ça car il a une écriture telle que ses oeuvres sont en réalité intemporelles, mais après tout, pourquoi pas. Julie Deliquet l’a fait avec le si grand Vania de la  Comédie-Française avant lui, je n’ai rien contre l’idée de base. Mais on peut moderniser sans être vulgaire. On peut être moderne sans dire « pute », « allez vous faire enculer », « ça vaut la peau de mes couilles », ou mettre putain dans toutes ses phrases. Ces premiers échanges blessent mes oreilles et je tente alors de me reconcentrer : après tout, je suis venue voir Les Trois Soeurs d’après Tchekhov.

Mais petit à petit, de plus en plus de choses me dérangent. L’art de Tchekhov est de montrer un tout à partir d’un rien. De saisir un instant, un rapport, une émotion, un souffle avec une puissance vertigineuse et de transformer la simplicité du quotidien en une vérité à la fois intemporelle et bouleversante. Mais n’a pas le talent de Tchekhov qui veut, et l’erreur de Stone a été de vouloir reconstruire ce rien en se basant sur rien. Mais le rien au théâtre, ça ne donne pas grand chose, à part de l’ennui. Ces Trois Soeurs sont pour moi une dénaturation de Tchekhov car elle laissent de côté ce qui, à mon sens, constitue l’essence-même de l’auteur : l’émotion, la grâce, l’âpreté, l’innocence. La vie.

L’idée de départ était pourtant intéressante : puisque notre époque est vide, qu’elle se construit sur le paraître, cette décadence peut faire l’objet d’un spectacle. Deux questions alors : pourquoi se baser sur Tchekhov ? N’est-il pas, par nature, intemporel ? Dire l’amour est intemporel, non ? Le sentiment de ne pas trouver sa place est intemporel, non ? La sensation d’être passé à côté de sa vie est intemporelle, non ? Tchekhov basant ses oeuvres sur les rapports humains, à quoi bon utiliser sa pièce pour parler de quelque chose qui, fondamentalement, les dénigre ?

Et si on parvient à accepter l’utilisation de Tchekhov pour un tel usage, une autre interrogation suit la première : pour montrer le néant qui nous entoure aujourd’hui, la meilleure manière était-elle réellement de le faire passer par un spectacle tout aussi pauvre ? N’y a-t-il pas d’autre manière d’être moderne que de parler de Kim Kardashian, d’Instagram, de veganisme, de Donald Trump à tout va ? N’y a-t-il pas d’autre manière de stimuler notre intellect que de faire rire à partir d’une Macha devenue vegan, d’un André qui fait des croque-monsieur, ou du même qui passe du sent-bon dans les toilettes après avoir ouvertement crié à qui voulait l’entendre qu’il avait « envie de chier » ? J’ai parfois l’impression qu’on méprise le spectateur, à lui servir un repas aussi dilué et peu consistant. Comme s’il n’était pas capable de mâcher et de digérer lui-même les échanges Tchekhoviens.

Tchekhov ne montre pas. Il évoque, il suggère, il propose. Simon Stone a manqué à cette finesse. Il abandonne totalement la conceptualisation des rapports humains sous forme de dialogues pour compenser ses rapports vides par des éléments toujours concrets ; il oublie la psychologie de ses personnages en les montrant sans arrêt se mêlant dans un lit, s’enlaçant autour d’un baiser, se vidant aux toilettes, s’abîmant par la drogue. En se concentrant ainsi sur les actions, il met de côté les rapports humains. Il ne présente pas ses personnages, ne nous montre pas leurs peurs, leurs ambitions, leur histoire. Et tout reste en surface. Les émotions sont absentes, les personnages s’effacent derrière les allers-retours incessants des comédiens.

Pourtant, scénographiquement, il y avait quelque chose. J’étais enthousiaste à l’idée de cette maison qui laisse voir plusieurs scènes de vie simultanées, à la manière dont Jatahy construit ses spectacles. Je trouvais que cela pouvait se marier avec Tchekhov, d’autant que, visuellement, le décor est splendide, et permet peut-être dix secondes de temps suspendu, un instant volé à la période de Noël où la famille se retrouve pour chanter alors que Roman marche seul dehors, sous la neige. Dix secondes sans dialogue. J’aurais peut-être dû aller voir Les Trois Soeurs de Kouliabine, finalement.

Je conclurai à la manière de Natacha : « Anton, je ne peux pas confirmer qu’il est de toi. Il y a un joli point d’interrogation ». Joli, je ne sais pas, mais le point d’interrogation est bien présent : Tchekhov aurait-il accouché d’un pareil spectacle ? La question reste ouverte. 

Critique des Particules Élémentaires d’après Michel Houellebecq, vues le 14 septembre 2017 au Théâtre de l’Odéon
Avec Joseph Drouet, Denis Eyriey, Antoine Ferron, Noémie Gantier, Carine Goron, Alexandre Lecroc-Lecerf, Caroline Mounier, Victoria Quesnel, Geraldine Roguez et Maxence Vandevelde, dans une mise en scène de Julien Gosselin

Ce début de saison 2017 est pour moi une grande séance de rattrapage : j’entame l’année avec beaucoup de reprises de spectacles ratés lors des saisons passés et dont on m’avait dit le plus grand bien. Si mon avis sur Novecento semble suivre l’avis général, c’est en revanche une grosse déception qui accueille mon premier Odéon de la saison, Les particules élémentaires. Je suis d’autant plus étonnée qu’il m’avait semblé que le spectacle avait été globalement très bien accueilli par la critique, et que trois grandes théatrophiles ont quitté le spectacle à l’entracte ce soir-là…

On retrouve l’univers un peu démoralisant si cher à Houellebecq, dans cette histoire de fratrie qui n’a rien pour elle : à travers l’évolution de Michel et Bruno, demi-frères aux problème relationnels importants, Houellebecq dépeint la société libertaire des années 70 et surtout la liberté sexuelle qui va avec. Julien Gosselin semble avoir sélectionné les passages les plus crus (voire les plus gores ?), évinçant avec soin, par exemple, le personnage de la grand-mère de Michel, pourtant un beau personnage féminin. La caricature, déjà présente dans le roman, est ici poussée à son paroxysme, tant dans les choix scéniques que les chapitres sélectionnés, entraînant probablement un dégoût profond pour qui n’est pas au départ un inconditionnel de l’auteur. Dommage, car à l’écoute, le texte comprend de très beaux passages.

J’aime beaucoup Houellebecq – en tout cas, pour le peu que j’en connais. Je pense que c’est la raison pour laquelle j’ai pu résister et survivre à l’entracte : je m’accrochais à la seule chose que je trouvais intéressante dans ce spectacle, à savoir le texte. A part cela, j’ai du mal à comprendre l’intérêt de la pièce. Il s’agit d’une translation brute du roman de Houellebecq, sans aucun ajout, aucune mise en situation, et j’ajouterais même assez peu de mise en scène. Je parlerais ici plutôt de mise en espace, puisque l’essentiel du spectacle montre les différents acteurs récitant le bouquin sans forcément interagir entre eux, simplement disposés à des endroits différents du plateau. Les rares choix de mise en scène m’ont semblé totalement flous : pourquoi cette musique, pourquoi cette fumée, pourquoi ces acteurs tous en ligne par moments ?

Il faut ajouter que ce texte est plutôt difficile, composé de phrases longues et complexes, qui sous-tendent la pensée de l’auteur. Cela entraîne un problème ici, à savoir que cette pensée est bien plus adaptée à la lecture qu’à l’écoute, et qu’on se perd très facilement dans les tirades des acteurs. D’autant plus qu’ils articulent parfois mal, parlent beaucoup trop vite et peinent à se faire comprendre, leur diction approximative encore détériorée par les micros dégradant les voix. Ajoutons à cela des cris incessants et incompréhensibles – le personnage principal finissant avec la voix totalement cassée – et me voilà totalement perplexe devant le bon accueil de ce spectacle.

La perte de temps est d’autant plus rageante que la saison abonde de spectacles intéressants…  

Critique de Soudain l’été dernier, de Tennesse Williams, vue le 11 mars 2017 au Théâtre de l’Odéon
Avec Jean-Baptiste Anoumon, Océane Cairaty, Virginie Colemyn, Boutaïna El Fekkak, Glenn Marausse, Luce Mouchel, et Marie Rémond, dans une mise en scène de Stéphane Braunschweig

Ce spectacle signe pas mal de premières fois : c’est mon premier Tennesse Williams, mais c’est également la première proposition de Braunschweig en tant que directeur du Théâtre de l’Europe. Première mise à l’épreuve pour le metteur en scène, donc, qui propose une version de la pièce fidèle mais un peu pâle, et peine à faire éclater un texte qui semble pourtant cacher de nombreux thèmes controversés et passionnants : passion destructrice, folie, vision du poète, homosexualité. On se contente de les survoler, et c’est dommage.

Je découvre en Tennesse Williams un auteur dont les thèmes abordés ne sont pas pour me déplaire. Dans Soudain, l’été dernier, il met en scène Violett, mère de Sebastien, décédé l’été précédent. Avant cette mort prématurée, ils étaient sans cesse collés l’un à l’autre, voyageant ensemble, elle se pensait essentielle dans l’inspiration de ce fils poète qu’elle chérissait. Elle ne cesse depuis de pleurer sa mort, et tient à faire interner sa nièce Catherine, seule témoin lors de sa mort, et qui invente des histoires abracadabrantes sur les circonstances de la disparition de Sebastien. Seulement, le médecin à qui elle présente Catherine en vue d’une lobotomie ne la trouve pas si folle, et fait en sorte d’arriver à arracher à la jeune fille le secret des circonstances de la mort de Sebastien.

Certes, je connais assez mal l’univers de Tennesse Williams. Je l’ai découvert à travers ce spectacle, et j’ai ressenti une profondeur, une tension, une étrangeté très particulière. On y trouve des images étonnantes au premier abord, des parallèles bien construits, une histoire qui parvient à tenir le spectateur en haleine. Une atmosphère somme toute assez pesante, et qui aurait eu encore plus à donner si elle n’avait pas été bridée par le metteur en scène. Je pense par exemple au jeu de Luce Mouchel. Si juste. Mais qui aurait pu être terrifiant, presque possédé. Elle semble avoir beaucoup plus à donner que ce que la direction d’acteur lui a dicté. Tous les acteurs semblent avoir peur des silences. La tension est créée par le texte, l’atmosphère aussi, mais la mise en scène reste trop superficielle pour toucher réellement. La folie gagne à être vécue, plus qu’à être jouée. De ce côté-là, malheureusement, je suis restée sur ma faim.

En effet, aux côtés de Luce Mouchel, les acteurs sont plutôt… composites. Je pense à Jean-Baptiste Anoumon, trop proche de son texte, qui ne parvient pas à décoller et campe un docteur trop peu réactif aux assertions de ses malades. Étonnée de constater comme certaines des répliques de Luce Mouchel pouvaient créer si peu de réaction chez lui, et comme son ton restait si monotone au fil des discussions… Néanmoins il faut souligner qu’il clôture le spectacle avec brio. Étonnée également comme Marie Rémond amène son histoire finale. Ce devrait être l’acmé du spectacle. Mais ça s’essouffle car l’histoire est apprise, elle est récitée, on ne la voit pas dans ses yeux… En revanche, les rôles plus secondaires sont parfaitement assurés par Glenn Marausse, Océane Cairaty, Virginie Colemyn, Boutaïna El Fekkak, qui évoluent chacun autour d’un trait particulier de leur personnage, jurant avec la folie complexe et hétérogènes des personnages principales.

Pourtant, il y a de très beaux moments. De manière générale, le décor est magnifique, tout autant que les lumières, qui guident le spectacle. De même, la scène initiale, où ce rideau de douche étrange qui créait le 4e mur se décore soudainement de rouge, nous faisant progressivement rentrer dans cette chimère qu’est la réalité proposée par Tennesse Williams. Il arrive à faire percevoir les aspects quelque peu mystiques, étranges et inhabituels des situations qui sont jouées sous nos yeux. Mais je trouve qu’il rate la tension, la profondeur, la folie.

On en attendait plus de Braunschweig, donc les côtés intello et analyste briment un texte qui aurait eu plus à donner. Dommage. ♥

Critique de Phèdre(s) de Wajdi Mouawad, Sarah Kane, et JM Coetzee
Avec Isabelle Huppert, Agata Buzek, Andrzej Chyra, Alex Descas, Gaël Kamilindi, Norah Krief, Rosalba Torres Guerrero, dans une mise en scène de Krzysztof Warlikowski

J’aime le théâtre car j’aime les histoires. Je suis de ceux qui aiment les textes. Cependant, comme c’est ce que je connais le mieux, j’essaie de m’ouvrir à d’autres horizons théâtraux qui m’étaient jusqu’ici inconnus. C’est ainsi que, l’année dernière, je me suis retrouvée dans ce même théâtre de l’Odéon pour y découvrir Angelica Liddell, déjà bien connue dans le milieu théâtral. Je ne peux pas dire que j’ai adoré, mais ce spectacle m’a marquée et a nettement laissé quelque chose en moi. Cette année, je ne pensais pas retenter ainsi l’expérience de l’étrangeté et de la non-compréhension : avec les noms de Warlikowski et d’Isabelle Huppert, j’étais naïvement sûre d’assister à quelque chose de grand. Quelle déception.

Peu de choses rattachent le rôle d’Isabelle Huppert à notre Phèdre bien connue. Le seul lien que j’y vois est le désir qu’elle éprouve pour Hippolyte – désir d’ailleurs plus proche du besoin sexuel animal que du désir passionnel décrit par Racine. Mais soit, je savais que je n’allais pas voir Racine et j’étais ouverte. Je connais un peu Mouawad, pour avoir vu et lu certaines de ses pièces, j’avais confiance. Je ne connais Sarah Kane que de réputation mais je savais que c’était hardcore. J’étais prête et curieuse. Et ce n’était pas du tout ce à quoi je m’attendais.

Naïvement, j’espérais quelque chose de fort, qui ferait parler les corps aussi passionnément que Racine fait parler les êtres. Mais les corps parlent mal dans la mise en scène de Warlikowski : la danse qui introduit la pièce n’a rien de beau, rien de sensuel, rien de passionnel. Peut-être est-ce un corps beau à regarder mais ça s’arrête là. Le chant qui l’accompagne entre en nous, certes. Mais c’est les seules minutes du spectacle qui valent le détour. Une fois cette introduction faite commencent toutes les pires caricatures qu’on peut imaginer dans ce genre de théâtre. On sait que Kane s’autorise tout, Mouawad l’imite ici et Isabelle Huppert cherche apparemment à nous prouver la même chose : voilà pourquoi très vite elle se retrouve en culotte Dior tachée de sang, sans qu’on ait réellement compris le pourquoi du comment. Elle parle mais rien ne semble arriver jusqu’à moi, je ne comprends aucun de ses mots, je ne perçois aucun sentiment, aucun désir. Je la vois soudainement prête à faire l’amour à un Hippolyte que je croyais chien et mort, mais non, voilà qu’ils couchent ensemble et qu’elle le tue à nouveau. Et elle se tue. Est-ce l’entracte ? Non, il faudra supporter à présent un nouveau texte, une nouvelle scène, toujours plus lente, toujours plus inintéressante, toujours plus ridicule.

Oui, c’est ridicule. Ça se voudrait choquant, mais c’est juste méprisable. Isabelle Huppert, dont le corps est certes impressionnant pour ses 63 ans, ne parviendra pas à m’impressionner. Malgré mes tentatives de rentrer dans le spectacle, encore et encore, j’ai lâché bien vite ; je n’ai alors plus vu qu’une femme jouant seule un texte sans mot, sans but, sans histoire, et cherchant désespérément à choquer un public qu’elle ne veut pas croire acquis. Pire encore, je trouve cela tellement dégradant pour la femme : à travers cette Phèdre qui fait une fellation à un Hippolyte qui ne la demandait pas et qui finalement jouit en elle après l’avoir cadencé avec sa main, avec cette Phèdre qui se traîne par terre telle une chienne abandonnée, qui se jette si souvent sur le sol qu’elle en a les genoux couverts de bleus, je ne vois qu’un metteur en scène totalement machiste et une femme perdue dans son désir de renouvellement. Les gens quittent la salle au fur et à mesure, et elle se vide à l’entracte : on en a assez vu. Moi aussi.

Critique de Ivanov, vu le 27 février 2015 au Théâtre de l’Odéon
Avec Marcel Bozonnet, Christiane Cohendy, Victoire Du Bois, Ariel Garcia Valdès, Laurent Grévill, Marina Hands, Yannik Landrein, Roch Leibovici, Micha Lescot, Chantal Neuwirth, Nicolas Peduzzi, Dimitri Radochévitch, Fred Ulysse, Marie Vialle, et, en alternance, les musiciens Philippe Borecek (accordéon) – Philippe Arestan (violon) et Sven Riondet (accordéon) – Alain Petit (violon), et les invités Nikolitsa Angelakopoulou, Quentin Laugier, Missia Piccoli, Antoine Quintard, Victoria Sitjà, dans une mise en scène de Luc Bondy

Mais quelle distribution ! Allez, avouons-le, on a tous eu cette réaction devant les noms choisis avec discernement par Luc Bondy. Ce spectacle ne pouvait être que grandiose, au regard du thème de cette pièce, l’ennui, sujet entièrement maîtrisé par le grand Tchekhov, et des acteurs réunis par un metteur en scène qui a su faire ses preuves par le passé. Certes, il y avait ces Fausses Confidences qui m’avaient déçue, mais ce n’est qu’un bémol. Non, c’est certain, le spectacle serait grand, intense, prenant, inoubliable. Hélas…

Ivanov s’ennuie. Moi aussi. Il est mélancolique, il repense à avant, au temps où il aimait sa femme, où il parvenait à être heureux. Moi aussi ; je pense au temps où une proposition théâtrale était fondée, où les acteurs étaient dirigés. A présent, il ne ressent plus rien pour sa femme. Moi, je ne ressens rien lorsqu’elle exprime sa souffrance. Aujourd’hui, il vit sa vie sans émotion, attendant probablement une mort prochaine, qui viendrait le sauver de l’ennui. Aujourd’hui, je suis au théâtre et j’attends la mort d’un personnage sans aucune anxiété. Avec presque de l’impatience. Moi aussi je veux en finir au plus vite et sortir de cet enfer. Moi aussi, comme le personnage, je m’ennuie profondément. C’est bien : grâce au metteur en scène, j’ai pu me mettre dans la peau du personnage principal. Remarquez, c’est certainement un point de vue intéressant. Mais c’est plutôt ce que je recherche en lisant un roman. Ma vision du théâtre est bien différente : je cherche à m’échapper de mon réel, pas à m’y morfondre. Je cherche une trame dramatique, une tension, des sentiments. Et plus que tout, je fuis ce diable qu’est l’ennui.

Je ne comprends pas la proposition de Luc Bondy. On ne représente pas une pièce sur l’ennui par l’ennui, enfin, quelle absurdité ! Sinon, tout Tchekhov serait à mettre à la poubelle. Le personnage composé par Micha Lescot a pris les pires traits du personnage : cela fait de lui quelqu’un de vide. Il est apathique, monotone, morne. Il joue de son grand corps dégingandé avec précision, c’est vrai, mais quoi de plus ? Peut-être que si ce qui l’entourait était intéressant, j’aurais pu trouver la composition fidèle au personnage. Mais comme tout le reste est aussi morose que lui, on tombe bien vite dans l’ennui. Marina Hands, qui pourtant fait preuve d’une véritable présence sur le plateau, ne parvient pas à bien transmettre sa déchirure intérieure. On ne sent pas l’amour toujours flamboyant qui devrait la maintenir en vie. De même que pour Victoire Du Bois, qui ne joue que sur sa jeunesse. Il n’y a aucun lien émotionnel entre son personnage et celui d’Ivanov, alors même qu’elle lui jure un amour puissant. Moi, je ne l’ai pas vu cet amour. Je n’ai vu que des paroles et de l’indifférence.

Les acteurs ne jouent pas ensemble, j’ai même parfois l’impression qu’ils n’y croient pas. Ils semblent livrés à eux-même, marionnettes désarticulées sur ce grand plateau qui semble souvent bien vide. Même les scènes qui pourraient être comiques ne le sont pas. Peut-être le seraient-elles si la part déjà écoulée du spectacle ne nous avait pas totalement refroidis. La salle est froide, parfois quelques rires faibles se font entendre. Seule Chantal Neuwirth réussira à me faire sourire. Problème supplémentaire : je crois percevoir le micro des acteurs. Oui, plus de doute possible maintenant : dès que deux acteurs se touchent, on entend le micro grésiller. A-t-on réellement besoin de micro, aujourd’hui, au théâtre ? N’est-ce pas l’un des premiers apprentissages, que de porter la voix ? Mais où suis-je, enfin ? Les scènes sont étirées au possible, les acteurs parlent lentement, se déplacement lentement. Tout est lent et couvert d’ennui. Je crois que ça faisait longtemps que je n’avais pas autant souhaité la fin d’un spectacle. Quel gâchis…

Le mot d’ordre de la soirée sera donc : ennui, ennui, ennui.