L’Échange, Théâtre Mouffetard

12 juin 20111 août 2014morduedetheatre 1 commentaire

Critique de L’Échange de Paul Claudel, vu le samedi 11 juin 2011 au théâtre Mouffetard
Avec Xavier Lemaire, Grégori Baquet, Gaëlle Billaut-Danno, et Isabelle Andreani, mis en scène par Xavier Lemaire

La première chose qui m’a frappée, devant ce premier Claudel, c’est sa difficulté … Si vous êtes musiciens, vous pourrez comprendre cette comparaison : L’Échange me fait penser au Prélude en do dièse mineur de Rachmaninov. On sait que tout ce qu’il compose s’adresse à des virtuoses, et ce Prélude est le plus facile, ou plutôt le moins difficile qu’il a écrit. Néanmoins, il nécessite un bon nombre d’années de piano. L’Échange, c’est pareil. Claudel laisse derrière lui un bon nombre d’écrits, et parmi ceux-là, l’Échange est le plus abordable ; il n’en reste pas moins extrêmement compliqué … Je suis, d’ailleurs, très loin d’avoir tout compris à la pièce. En résumé, le jeune Louis Laine, 20 ans, est marié à Marthe, une femme à peine plus âgée que lui. Elle a quitté ton pays pour le suivre, aux Etats-Unis, où Louis est engagé par Thomas Pollock et sa femme. Marthe, elle, s’occupe de la maison. Mais Louis délaisse Marthe pour la femme de T. Pollock. Ce dernier voit en Marthe la femme dont il a besoin. Marthe, quant à elle, ne peut se résoudre à échanger Louis contre Thomas …

Ici, Xavier Lemaire choisit de nous présenter la 2^e version de L’Échange. La pièce, en effet, a été « remaniée » par Paul Claudel à la fin de sa vie : la première version date de 1894, la seconde arrive 60 ans plus tard. Mais est-ce vraiment la meilleure des deux ? Ce qu’on fait à l’instinct, ce qui est écrit lorsque vient l’inspiration ne donne-t-il pas quelque chose de plus réel, quelque chose de mieux, que lorsqu’on opère des rajouts en essayant d’améliorer une pièce ?

Car ici, enfin pour moi, les longueurs sont présentes. Je n’irais pas jusqu’à dire que l’on s’ennuie, car le texte, même difficile, est agréable à écouter ; il relève du poétique. Malgré tout, certains passages, plus courts (ou même non présents) dans la 1^ère version, comme « la confession de Marthe », nous intéresse moins que d’autres … Notre intérêt varie donc selon les différentes scènes.

Cependant, on apprécie la mise en scène ; rien n’est en trop, rien ne manque – tout a été cadrée par Xavier Lemaire, qui interprète également Thomas Pollock Nageoire : bon acteur, avec une voix douce et qui porte. Mais il n’est pas très présent durant la pièce … Contrairement à son épouse, Lechy, jouée par Gaëlle Billaut-Danno : elle est très souvent là, et, son personnage étant actrice, elle apporte du « théâtre dans le théâtre ». C’est, en quelque sorte, une femme fatale ; et elle cherche à enlever Louis Laine à sa femme, Marthe. Et cette femme, c’est Isabelle Andréani qui l’incarne : sincère dans son désespoir, touchante dans ses tentatives de reprendre celui qu’elle aime, j’ai beaucoup apprécié son jeu. Enfin, venons en à un acteur que je connais déjà un peu, que j’ai vu 4 fois, et que j’aime beaucoup : Grégori Baquet. C’est un excellent acteur, malgré le nombre restreint d’expressions dont il est capable : il semble en effet toujours triste (sans doute à cause de quelques rides au front …). En dépit de cela, il a une très bonne diction, et surtout, parait extrêmement naturel sur scène : ici, par exemple, il passe la première scène nu (acte dont je ne pense pas tous les acteurs capables) après s’être renversé un bassine d’eau en guise de douche. De plus, il est très gracieux lorsqu’il se déplace, dû à ses nombreuses années de danse. C’est un acteur polyvalent, et il a également participé à des comédies musicales comme Roméo et Juliette …

En conclusion, j’estime que cette pièce est à voir pour qui a déjà une certaine « maturité théâtrale » ; les acteurs font toujours en sorte que chaque scène, qu’elle soit plus ou moins intéressante, reste du moins agréable à entendre … et à voir !

La Guerre de Troie n’aura pas lieu, Lycée Louis-le-Grand

2 juin 20111 août 2014morduedetheatre 1 commentaire

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Critique de La Guerre de Troie n’aura pas lieu, vu le 01 juin 2010 au lycée Louis Le Grand
Distribution BRISÉIS, plus d’information ici

Jean Giraudoux, c’est tout nouveau, pour moi. J’en avais entendu parler, mais je n’avais ni lu ni vu. Et là, après avoir assisté à la représentation de ce qui semble être son plus grand succès, je ne suis pas fan. Je n’ai pas trouvé ça extraordinaire. Je me suis même ennuyé. En clair, je ne comprends pas comment Jean Giraudoux a été élevé à l’étage des « Grands ». Pour l’époque, peut-être… La Guerre de Troie n’aura pas lieu, à l’époque de la seconde guerre mondiale … On peut saisir un double sens. Mais aujourd’hui, je ne comprends pas pourquoi, comment, par quels moyens cette pièce est encore considérée comme « bonne ». Je n’ai vraiment pas aimé ; j’ai trouvé cela très vieillot, très misogyne, très lourd, parfois même, vulgaire.

Pourtant, il faut reconnaître que les élèves du club théâtre du Lycée Louis le Grand ont fait un bon travail ; ce n’était pas facile de s’attaquer à une pièce pareille … De manière général, travailler une pièce « différente » est beaucoup plus dur qu’un texte qui coule tout seul.

Je me suis demandée « Pourquoi ? » . Pourquoi avoir choisi cette pièce ? Je n’ai trouvé qu’une seule réponse : le nombre de personnages. En effet, plus de 25 élèves sont inscrits au club théâtre de LLG. Cette pièce comporte deux distributions différentes (Liste 1 : Achille – Liste 2 : Briséis) et, bien que certains élèves participent aux deux distributions, d’autres ne sont présents que sur une.

Donc, après s’être demandé, à l’entracte, « on part ou on reste ? » (nous sommes restées car je déteste partir lors d’un spectacle – ne pas connaître la fin (même si on peut s’en douter) ou les péripéties qui suivront m’est insupportable), et s’être bien ennuyé, je pense être en mesure de pouvoir détailler le jeu des principaux acteurs : le metteur en scène (Jean Briault) jouait, ici, Hector – il s’est donné le rôle principal, ce qui n’est pas forcément facile – il s’en sortait assez bien, mais il manquait de tension à son personnage (après tout, il est en pleine négociation pour savoir si, oui ou non, il y aura la guerre)… Andromaque (Elisabeth Lacombe), sa femme, n’était pas non plus mauvaise, même si ses intonations de voix m’énervaient un peu trop souvent… J’ai beaucoup aimé Caroline Giraud et Marie Villiers, qui jouaient mère et fille (Hécube et Polyxène), qui étaient très natures sur scène et formaient un vrai petit duo. Un autre, qui n’était pas timide, c’est Samuel Lhuillery, peut-être celui que j’ai préféré, qui incarnait Pâris ; son côté « tombeur de ces dames » ressortait à merveille, et il allait tout à fait bien avec sa partenaire, Hélène (Mathilde Perrot). Cassandre, Galatée Hemery, était peut-être un peu trop statique à mon goût … mais rien de grave.

Une note aussi à Gabriel Lazrak, qui jouait Troïlus (rôle qui ne semble pas du tout essentiel), et dont le jeu était presque irréprochable (peut-être parlait-il un peu trop vite).

Une dernière chose … Lorsque le rideau s’ouvre, on est étonné de découvrir, de part et d’autre de la scène, des spectateurs, assis sur des chaises, se demandant pourquoi on les a fait venir ici. A vrai dire, je me le suis demandé aussi, car pas à un moment il ne bouge, ne parlent, n’agissent. Je pense donc qu’ils ont le rôle des Dieux, qui observent et s’amusent avec les hommes…

En un mot, le problème venait plus de la pièce que du jeu des élèves ; ceux-ci présentent La Guerre de Troie n’aura pas lieu au festival Off à Avignon cet été, je leur dit donc un gros MERDE car ce ne sera sûrement pas facile …

Fin de Partie, Théâtre de la Madeleine

22 mai 20118 mars 2015morduedetheatre 1 commentaire

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Critique de Fin de Partie, de Samuel Beckett, vu le 21 mai 2011 au théâtre de la Madeleine
Avec Serge Merlin, Jean-Quentin Châtelain, Michel Robin, et Isabelle Sadoyan, mise en scène d’ Alain Françon

Pour qui ne connaîtrait pas Beckett, cela pourrait être très déroutant … Je ne connaissais pas bien Beckett (j’avais juste étudié des extraits d’En attendant Godot), j’ai été déroutée.

Tout d’abord, il faut se faire à l’idée qu’il n’y a pas d’histoires réelle ; on part d’un rien, et je ne sais même pas si l’on peut dire que l’on arrive à quelque chose … Le temps a passé entre le début de la pièce et la fin, les personnages en sont conscients, ils nous le font d’ailleurs remarquer par des phrases, répétitives, comme « C’est fini, ça va finir, ça va peut-être finir » ou encore « quelque chose suit son cours » … Tout tourne autour d’une fin, probable (et même certaine), dans un avenir plus ou moins proche … Les personnages attendent cette fin, la désirant parfois, ou repoussant le moment à plus tard … Il n’y a donc pas de réelle histoire, on attend, on se demande à quoi l’auteur essaie de nous mener, on est étonné par le manque de sentiments dans la pièce … Pas d’amour, pas de gaieté, même pas d’amitié … Je ne saurais même pas « classer » la pièce ; elle n’est pas tragique car on rit, parfois ; mais elle n’est pas non plus comique, à cause notamment des thèmes abordés, de la vie morne des personnages, de leur lassitude, de leurs problèmes, de leurs maladies. La mort rôde, elle emporte même un des personnages …

Il faut aussi préciser que, chez Beckett, et c’est un de ses « marqueurs différentiels », les personnages mis en scène sont souvent des SDF, quelquefois avec un fort taux d’alcool dans le sang (pour ne pas dire bourrés), et qui mènent une vie de misère ; ici, 4 personnages : Hamm, un homme aveugle, dans l’incapacité de se lever, en fauteuil roulant, magistralement incarné ici par Serge Merlin ; cet homme, qui m’était tout à fait inconnu, est un véritable monument du théâtre … Il semble créer la misère autour de lui alors qu’il attend la vie … Son jeu, et tout particulièrement son jeu de main (il agite beaucoup ses doigts, c’est très particulier à expliquer, mais cela rend très bien sur scène), a retenu mon attention ; il se montre extrêmement autoritaire (comme le veut son rôle) envers Clov, qui sort d’on ne sait où (son fils, peut-être ? Ce n’est pas très clair), qui l’aide dans sa vie quotidienne, et qui est un peu son opposé ; en effet, contrairement à Hamm qui ne voit pas et doit rester assis, lui ne peut se poser sur une chaise et ses sens sont en parfait état de marche, voilà pourquoi il est au service de Hamm depuis un bon nombre d’années, à ce qu’on peut comprendre. Jean-Quentin Châtelain m’a beaucoup étonnée, il semble souffrir le martyre, plié en deux pendant 2 heures, avec des mouvements de l’ordre de ceux d’un rat, ou d’une souris, enfin de ces animaux qui bougent très vite, et dont on ne peut prévoir les intentions. Il est presque le dernier élément qui paraît « en vie » dans cette sorte de trou, de puit, de vide où les personnages vivent. Cette sensation de vide est renforcée par un décor gris, très haut, mais dont les murs sont bien fermés, et qui ne semble laisser aucun échappatoire. Les parents de Hamm sont également présents, Nagg et Nelle, Michel Robin et Isabelle Sadoyan, très naïfs, très âgés, très pâles, affamés, sortant de poubelles, dormant une bonne partie du temps, attendant la mort, ou des confiseries qui ne viendront jamais.

On participe à la misère de ces gens, à leur vie monotone, toujours dans les mêmes tons, enfermés, coupés du monde et de la lumière, quelque part, sur Terre.

En clair, c’était totalement … Absurde.

Notons également que toutes les mises en scène de Beckett se ressemblent beaucoup, car cet auteur a la particularité d’indiquer absolument tous les détails dans ses pièces ; on peut ainsi lire « Clov va se mettre sous la fenêtre à gauche. Démarche raide et vacillante. Il regarde la fenêtre à gauche, la tête rejetée en arrière. Il tourne la tête, regarde la fenêtre à droite. Il va se mettre sous la fenêtre à droite. Il regarde la fenêtre à droire, la tête rejetée en arrière. Il tourne la tête et regarde la fenêtre à gauche. » Cela met déjà dans l’ambiance de répétitions de la pièce !

Malgré tout, il me semble que j’ai assisté à une excellente mise en scène, qui ne laisse pas indifférent.

Pour un oui ou pour un non, EABJM

1 mai 20111 août 2014morduedetheatre Poster un commentaire

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Critique de Pour un oui ou pour un non, de Nathalie Sarraute, vu le 30 avril 2011 à l’EABJM
Avec Arnaud Denis, David Zeboulon, Jocelyne Mucig, et Olivier Bellot, mis en scène par le duo Arnaud Denis et David Zeboulon

« 6 représentations exceptionnelles » de Pour un oui ou pour un non, avec un de mes acteurs favoris, c’était à ne surtout pas manquer ! J’ai donc réservé des places, et nous nous sommes rendues à l’École Active Bilingue Jeannine Manuel hier soir.

C’est une pièce courte et qui nécessite peu d’acteurs ; 2 principaux, et 2 voisins. Le duo principal représente deux grands amis, dont l’amitié risque d’être brisée à cause d’une légère intonation dans la voix, qui laisserait sous-entendre le mépris, presque la supériorité. C’est donc une amitié qui se déchire « pour un oui ou pour un non ».

Ici, on découvre une mise en scène parfaitement au service du texte ; en effet, tout oppose les deux personnages ; l’un est en costume noir avec souliers vernis, l’autre habillé de lin blanc et pieds nus, mais on remarque aussi que tous les gestes sont pensés, et qu’on pourrait, à plusieurs reprises, placer un axe de symétrie entre eux deux, ils seraient parfaitement opposés. Même leurs accessoires sont ajustés ; ils portent tous deux une bague au même doigt, et, à un certain moment, Arnaud Denis, qui est en noir, desserre sa cravate (noire également), et laisse apparaître le revers de celle-ci : elle est blanche … cela nous montre aussi qu’il possède son « côté blanc ». Malgré cet « échange de couleurs », on peut remarquer l’accentuation de l’opposition au fil du spectacle, cet éloignement entre ces amis, ces frères, est marqué aussi par le « jeu » des accessoires ; nos deux personnages utilisent à plusieurs reprises des chaises (pour s’asseoir, pour se tenir …) ; et on peut remarquer qu’au début de la pièce, le personnage blanc possède la chaise noir, et inversement. Mais, vers les deux tiers de la pièce, sans que le spectateur s’en aperçoive, chacun des personnages retrouve la chaise « de sa couleur » ; les deux hommes sont ainsi plus éloignés, ils se comprennent moins et l’opposition en est d’autant plus réelle.

Le jeu des acteurs suit la qualité de la mise en scène ; ils utilisent beaucoup le jeu de regards, marquant ainsi l’élément principal de la pièce : le sous-entendu, l’implicite ; beaucoup de choses peuvent s’échanger en un regard … Ils peuvent jouer l’espoir, l’attente de la réponse, l’énervement, la tristesse, tout en nous faisant croire qu’on assiste réellement à une mésentente entre amis, qu’on n’est pas au théâtre, que tout n’est pas pensé, appris, et qu’ils cherchent leurs paroles (pas dans le sens où ils ne connaissent pas leur texte ; mais dans le sens réel et intuitif des choses).

Les deux autres acteurs, dans le rôle des voisins, qui sont beaucoup moins présents, sont en parfait décalage avec le duo principal ; ils ne comprennent pas vraiment ce que nos deux personnages cherchent à expliquer, et ajoutent du comique à la situation.

Enfin, je dois tout de même souligner les conditions, pas très bonne, dans lesquelles jouent les comédiens ; le métro passe assez souvent (remarquez, ça renforce la tension déjà présente), et, la première fois que nous l’avons vu, nous avons eu droit au bruit des agents de service … auquel se rajoutent les bruits des enfants (enfin, quelle idée d’emmener un gosse de 6 ans voir ce genre de spectacle ?!). Ils ont vraiment du mérite d’arriver à jouer !

En un mot, il faut aller le voir et remplir la salle ; la pub manque à ce spectacle, faites-en le plus possible, prévenez famille et amis (plus d’information ici) … parce que … et je le dis sans aucun implicite, ni aucun mépris :

C’était vraiment très très bien, ça !

Placement : premiers rangs, milieu.

L’asticot de Shakespeare, Théâtre Galabru

29 avril 20111 août 2014morduedetheatre Poster un commentaire

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Critique de L’asticot de Shakespeare créé et interprété par Clémence Massart, vu le 28 avril 2011 au théâtre Galabru.

Je préviens le lecteur que la critique sera courte, je n’ai pas beaucoup de chose à dire sur le spectacle.

Le thème : la Mort. Une femme, Clémence Massart, a créé un one-woman show autour de plusieurs textes sur ce même thème. Ça peut paraître glauque, mais il paraissait que c’était bien ; alors « pourquoi pas ? ».

La salle est minuscule et, il faut le dire, peu remplie.

L’actrice arrive enfin sur scène ; son costume la transforme en asticot et, en vraie comédienne, elle ne sait pas seulement interpréter un rôle, mais également jouer d’un instrument, et (un peu) chanter. Au programme : Hamlet (Shakespeare), Le Mort Joyeux (Baudelaire, à la manière de Sacha Guitry), Ne chantez pas la mort (Jean-Roger Caussimon), Le Grand Troupeau (Giono), La Mort (Vladimir Jankélévitch), Le Voyage (Baudelaire à la manière de Sarah Bernhardt), Les carnets d’un jeune homme (Philippe Caubère), Roméo et Juliette (Shakespeare).

Le décor est composé de ses divers déguisements : elle se change sur scène, utilisant chapeaux, moustaches, vestes, ou encore chaussure symbolisant une jambe de bois (pour Sarah Bernhardt).

Malheureusement, je n’ai pas pu saisir toutes les allusions durant son spectacle (comme son imitation de Sacha Guitry …) ; il est donc réservé aux personnes assez (voire très) cultivées. De plus, comme certains passages étaient en anglais (et que, il faut le dire, je suis très loin d’être bilingue), j’ai un peu eu du mal (surtout sur Roméo et Juliette – Acte III scène 1 – que je ne connais pas du tout).

Enfin, il faut le dire, je me suis ennuyée. Ce n’est pas le genre de spectacle qui me plaît … bien que l’artiste n’y soit pour rien ! Clémence Massart dit merveilleusement bien, elle sait jouer d’un instrument (et même de plusieurs, trompettes, accordéon … elle joue parfois des deux en même temps !), et on a beaucoup de plaisir à entendre certains textes (Baudelaire, par exemple). Le texte de Giono, il faut le dire, est assez dur (âmes sensibles s’abstenir) …

En conséquence, je le conseille pour qui aime les « seul en scène – textes dits » autour du thème de la Mort …

Placements : premiers rangs.

Retour sur les Molières …

24 avril 20111 août 2014morduedetheatre Poster un commentaire

Le 17 avril 2011 a eu lieu la 25^e cérémonie des Molières.

Je l’ai regardée et je n’ai pas encore eu l’occasion de faire mon petit commentaire …

Dans l’ensemble, c’est tout de même une heureuse surprise. On avait l’habitude de voir une cérémonie ennuyeuse, sans enthousiasme et sans gaieté. Cette année, la cérémonie était animée par Laurent Lafitte (comédien et auteur), qui mettait beaucoup de « punch » dans la cérémonie, et animait avec l’entrain nécessaire, et qu’on ne connaissait pas jusqu’alors pour la présentation des Molières. Cet acteur est entouré, au cours de la cérémonie, par (entre autres) Guillaume Gallienne, Judith Magre, et Valérie Bonneton.

La cérémonie commence par une pièce de Victor Haïm, Jeux de Scène, mise en scène par Zabou Breitman, qui, avec Léa Drucker, forme un duo dynamique. Malgré tout, la pièce ne nous tient pas en haleine, et elle passe lentement.

Enfin, une heure plus tard, la cérémonie commence.

Voici les différents prix :

Molière du comédien ; sont nommés :

–       Niels Arestrup pour Diplomatie
–       Jean-François Balmer pour Henri IV
–       Jean-Claude Dreyfus pour Le mardi à Monoprix
–       André Dussollier pour Diplomatie
–       Christian Hecq pour Un fil à la patte
–       Micha Lescot pour Les Chaises

« Et le Molière du comédien est attribué à Christian Hecq. »

[ … Comment ?! J’ai vu Un fil à la patte lors de sa diffusion télé, et, bien que Christian Hecq (qui jouait Bouzin) était très bon, il jouait trop « perso » (un des plus gros défauts des acteurs de la comédie française, peut-être : ils ne donnent pas assez aux autres et donc ne donnent pas l’impression d’une troupe réellement soudée). A l’opposé de ce type de jeu, Niels Arestrup et André Dussollier, dans la formidable pièce Diplomatie, qui, à mon humble avis, méritait plus que n’importe qui ce Molière (d’ailleurs, je n’aurais pas su lequel des deux choisir …). ]

Molière de la comédienne dans un second rôle ; sont nommés :

–       Valérie Benguigui, dans Le Prénom
–       Brigitte Catillon, dans Nono
–       Dominique Constanza, dans Un fil à la patte
–       Nanou Garcia, dans Aller chercher demain
–       Christiane Millet, dans Funéraille d’hiver
–       Bulle Ogier, dans Rêve d’Automne

« Et le Molière de la comédienne dans un second rôle est attribué à Bulle Ogier. »

[ Sans commentaire ; je n’avais pas vu les pièces – mise à part Un Fil à la Patte ]

Molière du comédien dans un second rôle ; sont nommés :

–       Maxime d’Aboville, dans Henri IV
–       Jean-Michel Dupuis, dans Le Prénom
–       Guillaume Gallienne, dans Un fil à la patte
–       Thierry Hancisse, dans Un fil à la patte
–       Guillaume de Tonquédec, dans Le Prénom
–       Bernard Verley, dans Rêve d’Automne

« Et le Molière du comédien dans un second rôle est attribué à Guillaume Gallienne. »

[ Molière mérité, à mon avis. C’est un excellent acteur, et c’est vrai qu’il rayonnait dans ses deux rôles du Fil à la Patte. Ceci dit, je connaissais aussi, un peu, Maxime d’Aboville, qui est également un très bon acteur … ]

Molière de la pièce comique ; sont nommés :

–       Le gai mariage, au Théâtre des Nouveautés
–       Le Prénom, au Théâtre Édouard VII
–       Le Technicien, au Théâtre du Palais-Royal
–       Thé à la menthe ou t’es citron ? au Théâtre Fontaine

« Et le Molière de la pièce comique est attribué à Thé à la menthe ou t’es citron ? »

[ Sans commentaire, je n’avais vu aucune pièce ]

Molière du jeune talent féminin ; sont nommés :

–       Audrey Lamy, dans Dernières avant Vegas
–       Aurore Auteuil, dans Le vieux juif blonde
–       Georgia Scalliet, dans Les Trois Sœurs
–       Anaïs Demoustier, dans Le Problème

« Le Molière du jeune talent féminin est attribué à Georgia Scalliet. »

[ Je l’avais vue dans Un fil à la patte … Mmmh … Oui, c’est une bonne actrice ]

Molière du jeune talent masculin ; sont nommés :

–       Grégory Benchenafi, dans Mike
–       Laurent Cazanave, dans Brume de dieu
–       Davy Sardou, dans Le Nombril
–       Benjamin Jungers, dans La Maladie de la famille M.
–       Guillaume Marquet, dans Le Dindon

« Et le Molière du jeune talent masculin est attribué à Guillaume Marquet. »

[ Sans commentaire aucun – Je n’ai vu aucune des pièces présentée ]

Molière de l’adaptateur/traducteur ; sont nommés :

–       Florence Delay, dans La Célestine
–       Alain Ganas, dans Le mec de la tombe d’à côté
–       Dominique Hollier, dans Harper Regan
–       Julien Sibre, dans Le repas des fauves

« Et le Molière de l’adaptateur/traducteur est attribué à Julien Sibre. »

[ Je n’avais vu aucune pièce, mais je sais que Le repas des fauves a connu un grand succès, inattendu d’ailleurs… ]

Molière du théâtre musical ; sont nommés :

–       Mamma Mia ! au Théâtre Mogador
–       Mike, au Théâtre Comédia
–       La nuit d’Elliot Fall, au Théâtre du Caramel Fou
–       Une Flûte Enchantée, au Théâtre des Bouffes du Nord

« Et le Molière est attribué à Une Flûte Enchantée. »

Cela me permet de préciser que le metteur en scène, Peter Brook, a également reçu le Molière d’Honneur 2011.

Molière du créateur de costumes ; sont nommés :

–       David Belugou, pour Nono
–       Vanessa Sannino, pour Un fil à la patte
–       Françoise Tournafond, pour Les Oiseaux
–       Jean-Daniel Vuillermoz, pour Henri IV

« Et le Molière est attribué à Jean-Daniel Vuillermoz. »

[ Je n’ai pas vu Henri IV ; mais j’ai vu Les Oiseaux – des costumes d’oiseaux, quoi de plus facile ? Non, sans rire, beaux costumes … sans doute ce qui était le plus réussi dans la pièce – et Un fil à la patte – comme habitude à la Comédie-Française, beaux costumes car grands moyens) ]

Molière du créateur lumière ; sont nommés :

–       Dominique Bruguière, pour Rêve d’Automne
–       Fabrice Kebour, pour Pluie d’Enfer
–       Pascal Noël, pour Mike
–       Eric Soyer et Jean-Gabriel Valot, pour Ma Chambre Froide

« Et le Molière est attribué à Dominique Bruguière. »