Auteur : morduedetheatre

Bayart n’a peur de rien

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Critique de La Culotte, de Jean Anouilh, vue le 20 septembre à l’Athénée – Théâtre Louis Jouvet
Avec Émeline Bayart, Christophe Canard, Marc Chouppart, Thomas Da Costa, Marc-Henri Lamande, Corinne Martin, Laurent Ménoret, Herrade von Meier

Bon, normalement je ne fais pas ça. Je n’étais pas là en tant que Mordue de Théâtre, je n’ai pris aucune note, je ne pensais pas écrire dessus. Pour être tout à fait honnête, je me suis dit pendant le spectacle que c’était impossible d’écrire dessus. Trop risqué. Trop touchy. Mais en fait je ne peux pas. Je ne peux pas laisser passer ça. Parce que c’est trop fort, trop couillu, trop énorme pour ne pas juste dire au moins quelques mots sur cette bombe théâtrale, ce chiffon rouge agité devant le wokisme, ce projet fou. Sachez, chère Emeline Bayart et tous ceux qui ont soutenu ce spectacle, que vous êtes à la fois inconscients et géniaux, et que je vous voue un culte jusqu’à la fin de ma vie.

Alors ce n’est pas vraiment dans mes habitudes, mais là je crois que c’est le moment ou jamais. Je vais faire un petit trigger warning. Cette pièce, c’est la pièce d’un vieux reac. C’est ce qu’elle est, c’est ainsi qu’elle est montée, c’est indéniable. Si vous n’êtes pas à l’aise avec cette idée, je pense qu’il est mieux de passer votre tour. Si vous êtes encore dubitatifs, le résumé de la pièce est accessible ici. Je n’ose pas vraiment m’y atteler, j’aurais peur de gâcher le plaisir…

C’est toujours un peu dangereux d’exhumer des pièces oubliées. Je suis la première à faire la grimace. Le fameux : « Si on l’a oublié, c’est sûrement pour une raison… ». Oui c’est vrai, la pièce a des défauts, elle a quelques longueurs mais ce n’est pas ça qu’on retiendra. On retiendra l’outrance. La puissance comique. L’écho. Et le culot absolu de la monter dans le climat qui est le nôtre actuellement.

La force de ce spectacle, c’est d’y être allé franchement. C’est de n’avoir craint ni la critique ni les on-dit. C’est d’avoir joué le jeu du premier degré jusqu’au bout, assumant les blagues qui ne passent plus, les mains aux fesses, les propos scabreux. Assumer le scandaleux. Assumer l’anti-bien-pensance. La haine du féminisme, la nostalgie d’un monde où on passait tout aux hommes, tout y est. Ce spectacle, c’est la parole au mâle blanc déboussolé. Tout ce qu’on vomit partout, tout ce qu’on méprise dans le monde d’aujourd’hui, tout ce contre quoi on se bat, elle le prend, elle le met sur une scène de théâtre, et elle nous fait rire avec d’un rire si franc qu’on se demande par quelle magie elle a opéré.

La magie, c’est son intelligence. Elle ne cherche jamais à attaquer Anouilh, à le décrédibiliser. Elle est dans le respect absolu des intentions du texte. Elle a fait confiance à sa puissance comique, évidemment, mais également à sa résonance infaillible avec notre époque. Car en le montant premier degré, et en s’effaçant totalement derrière sa pièce, elle fait entendre, sans jamais l’imposer, une musique évidemment dissonante du propos originel. Tout en en faisant un formidable divertissement.

On ne peut parler du travail d’Émeline Bayart sans mentionner la musique. Les chansons insérées dans un spectacle, c’est sa marque de fabrique. Ça fonctionne toujours très bien, c’est un bonheur pour les oreilles, mais ici c’est aussi autre chose. Ce n’est plus seulement Anouilh. C’est Anouilh par Emeline Bayart. C’est incroyablement malin. Ces ajouts rendent le spectacle mixte. Non seulement ils permettent d’atténuer la violence de ce qui se joue sur scène, mais le choix des chansons la rend inattaquable : on ne peut être soupçonné de phallocratie lorsqu’on chante Juliette sur un plateau.

Cet article est déjà trop long, mais on s’en voudrait de ne pas les mentionner : si le travail de mise en scène est brillant, celui des comédiens l’est également. Ce spectacle n’aurait pas supporté la demi-mesure, tous sont plutôt dans la triple ou la quadruple. Ils sont formidables, don d’eux-mêmes absolu, personnages défendus avec une ardeur rare, maîtrise totale de tous les ressorts comiques possibles de la pièce. Mention spéciale à Christophe Canard et Laurent Ménoret, qui composent des personnages absolument délicieux, à l’origine de mes plus grands éclats de rires.

La question se pose évidemment : pourquoi avoir ressorti cette pièce ? La raison première, je pense qu’on l’a dès l’ouverture du spectacle : elle y a vu un rôle pour elle. Ce rôle de castratrice, de femme au bord de l’hystérie, c’est son péché mignon, et on doit dire que c’est un peu le nôtre aussi. Mais ensuite ? Le rire a évidemment un effet libérateur. Toute l’auto-censure qu’on peut s’appliquer au quotidien s’envole avec lui. Et après le rire, qu’est-ce qu’il reste ? Quelque chose d’assez grinçant, comme un léger malaise, en vérité. Qui montre l’intimidation totalitaire dans le cadre de la justice, quel que soit le type de pouvoir. Qui met en lumière cette forme d’inquisition douce qui analyse tout en rapports de domination. Et qui, en prenant le problème actuel à contre-courant, en montre les excès. La démonstration est brillante, le rire a quelque chose de terrible, la partie est gagnée. Bravo !

C’est pas tous les jours qu’on voit ça. Merci les vieux réac ! Et merci Emeline Bayart, surtout. ♥ ♥ ♥

La Culotte – Athénée Théâtre Louis-Jouvet
2-4 Sq. de l’Opéra-Louis Jouvet, 75009 Paris
A partir de 11,90€
Réservez sur BAM Ticket !

© Caroline Moreau

Rameau d’or

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Critique du Neveu de Rameau, de Diderot, vu le 9 septembre 2023 au Théâtre du Ranelagh
Avec Nicolas Vaude et Gabriel Le Doze, accompagnés au clavecin par Olivier Baumont

Je ne connaissais pas du tout ce texte (ça arrive même aux meilleurs). Tout ce que j’en sais, c’est que Nicolas Vaude la reprend régulièrement depuis près de 20 ans. J’avais manqué jusqu’ici ces petits événements. J’étais sans doute trop jeune. Diderot, même aujourd’hui, je dois le reconnaître, ça fait peur. Mais j’adore Nicolas Vaude. J’ai confiance en lui. Et la perspective de découvrir ce texte à travers son personnage m’enchante absolument.

J’aurais bien du mal à résumer cette pièce et, surtout, j’aurais peur de ne pas donner envie. C’est un échange, comme un débat, entre Diderot et le neveu de Rameau, sorte de gueux magnifique, d’anti-Cyrano, qui prône l’immoralité quand le philosophe défend une certaine forme de vertu. C’est un texte étrange, comme une sorte de débat d’idées mêlé d’anecdotes, qui pour moi a trouvé tout son intérêt dans ce qu’en font les comédiens : une sorte de jaillissement étonnant, captivant, d’une clarté absolue, qui vous tient en haleine tout du long.

J’adore Nicolas Vaude. C’est un comédien très particulier, unique, comme venu d’ailleurs, peut-être clivant, je n’en sais rien, le fait est que j’adore son étrangeté. Ses bizarreries. Et que lorsque la pièce débute et que le comédien qui incarne Diderot décrit le neveu de Rameau, personnage incarné par Nicolas Vaude, j’ai l’impression d’entendre sa description en tant qu’acteur – dans la forme, en tout cas. Et je ne me suis pas trompée. Avec le neveu de Rameau, Nicolas Vaude trouve assurément le rôle de sa vie. Comme un accord parfait avec cette nature si particulière qui est la sienne. Et qui lui permet de déployer tout son génie d’acteur.

Je l’ai vu souvent sur scène, mais jamais aucun rôle ne lui a conféré une telle liberté. Il est libre d’être lui, dans tout son histrionisme, dans toute sa nervosité, dans tout son art, sans jamais que le personnage ne brime cette palette unique. C’est une performance rare. C’est un maître. C’est un clown. C’est un comédien possédé. C’est un personnage de dessin animé. C’est une âme brisée. C’est un homme monté sur ressorts. Et je ne parle ici que de forme mais il dessine son personnage jusqu’au fond, nous faisant ressentir la douleur d’être le neveu du génie, ou encore le poids et la conscience de cette abjection qu’il prône. Je manque plein de choses car ce personnage est d’une densité folle. Je ne m’essaie même pas aux superlatifs car ils ne pourront rendre compte de ce mélange si étonnant entre une espèce de frénésie qui semble parfois au bord de l’incontrôlable et qui fait pourtant preuve d’une précision telle que là, je crois, on touche au génie.

Soirée réussie grâce à un comédien qui Vaude l’or. ♥ ♥ ♥

Le Neveu de Rameau – Théâtre du Ranelagh
5 Rue des Vignes, 75016 Paris
A partir de 32€
Réservez sur BAM Ticket !

© Ben Dumas

Voyage voyage ?

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Critique d’Un train pour Milan, librement inspiré des récits de Dino Buzzati, vu le 7 septembre 2023 au Théâtre de la Huchette
Interprété et mis en scène par François Feroleto

J’ai découvert François Feroleto cet été, à Avignon, dans le spectacle Dolores – redécouvert en réalité puisque je l’avais déjà vu il y a quelques années dans Avant de s’envoler au Théâtre de l’Oeuvre mais Zeller ne m’a jamais vraiment réussi… C’est en le recroisant dans un théâtre d’Avignon que j’ai appris, en tendant mes grandes oreilles, qu’il montait ce spectacle à la Huchette à Paris. Le rendez-vous était pris.

Rendez-vous dans une cellule, donc, puisque le personnage que nous découvrons est un prisonnier condamné à perpétuité. Il va avoir une occasion de regagner sa liberté. Une seule. Ce sera dans une heure. Sa famille sera là. Et c’est en pensant à son fils, qui doit avoir bien grandi depuis la dernière fois qu’il l’a vu, qu’il commence son récit. Qu’il nous conte son histoire. Et qu’on se retrouve projeté dans cette Italie usée par la Seconde Guerre Mondiale, d’abord en Calabre puis plus au nord, à Milan, à la recherche de son salut.

Je lis rapidement le résumé avant d’entrer en salle – chose étrange car je ne le fais normalement jamais – et je suis emballée. Cette histoire de prisonnier qui doit se défendre face à la foule évoque vaguement quelque chose en moi mais ça ne va pas plus loin. La curiosité l’emporte. Découvrir un spectacle à la Huchette, c’est toujours particulier. Parce que c’est un écrin particulier, parce que le rapport scène-salle est unique, parce qu’on se demande toujours quels tours de passe-passe ils vont trouver pour nous faire voyager depuis cette petite salle.

Et je monte dans le train. Je monte dans le train avec plaisir. Je n’ai qu’à me laisser porter par François Feroleto. Il est captivant. Il a une voix de conteur, un corps de bagnard, et un regard qui transporte ailleurs. Un regard qui jure avec la posture qu’il s’est composé, permettant de faire vivre l’étonnante palette de son histoire – mais nous y reviendrons. Les lumières de Denis Koransky, qui lui permettent de véritables métamorphoses sur scène, servent également ce récit au large spectre.

Pourquoi tant de mystères sur cet étonnant récit ? Probablement parce que je suis un peu frustrée par ce spectacle. J’ai du mal à me positionner. Je passais plutôt un bon moment. J’étais bien dedans, écoutant le récit du personnage avec attention, avec envie même, désireuse de connaître la suite. J’étais un peu dérangée par la narration mais sans vraiment en comprendre la cause. Jusqu’à ce que ça fasse tilt.

J’ai lu Le K au collège et certaines nouvelles m’ont tellement plu que je les ai relues un nombre incalculable de fois. C’est le cas notamment de Douce Nuit et du Veston ensorcelé, qui font partie du récit monté par François Feroleto. J’ai compris en les découvrant pourquoi la narration me semblait étrange et pourquoi le résumé de la pièce m’évoquait quelque chose. C’est en réalité un assemblage de nouvelles de Buzzatti et d’écrits personnels de Feroleto. Pour adhérer totalement au spectacle, il faut accepter cette espèce de collage qui a quelque chose d’à la fois poétique et légèrement artificiel. C’est un résultat un peu étrange, un voyage un peu saccadé, qui compose avec des styles différents et qui ose même incorporer en son sein des bouts d’histoire qui n’ont pas grand chose à voir avec la choucroute. C’est étonnant, mais j’aurais sans doute davantage adhéré si les nouvelles choisies n’existaient pas de manière totalement indépendantes dans ma tête.

C’est une soirée étrange. Pas désagréable en vérité. Mais étrange. ♥ ♥

Un prince à l’Oeuvre

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Critique d’Un Prince, d’Emilie Frèche, vu le 1 septembre 2023 au Théâtre de l’Oeuvre
Avec Sami Bouajila, mis en scène par Marie-Christine Ory

Écoutez, hein, voilà, qu’est-ce que vous voulez que je vous dise. Oui, la raison qui me pousse à aller voir ce spectacle c’est Sami Bouajila et oui le fait qu’il soit incroyablement beau pèse aussi dans la balance. Ok je suis une groupie mais pas seulement : je suis aussi complètement dégoûtée d’avoir manqué Disgrâce, dans lequel il devait incarner le premier rôle, programmé puis annulé au Théâtre du Rond-Point la saison dernière. On se rattrape comme on peut !

Sur la scène, une butte de terre. On ne sait pas trop où on est, on changera d’ailleurs de lieu au fil de l’histoire et de ses temporalités. Car Sami Bouajila incarnera successivement un père et son fils : un ouvrier, peut-être algérien, immigré en France, et sa descendance, devenue SDF, errant dans un quartier qu’on imagine difficile et qu’il imagine, lui, tout autre.

Le seul en scène, ça ne pardonne pas. Sur le plateau, ça se sent tout de suite. On l’occupe, ou on ne l’occupe pas. Pour un comédien comme Sami Bouajila, rare sur les planches, on peut avoir un doute. Se demander comment il va s’en sortir. Et pourtant. Quand il entre en scène, c’est l’évidence. Les planches sont son territoire. Il se passe quelque chose. L’instant d’avant, il n’y avait qu’une motte de terre, et, lorsqu’il se met à jouer, c’est tout un univers qui se dessine autour de lui.

Impossible de ne pas penser à Beckett quand on le voit parcourir ce plateau quasi-nu de sa démarche précise, maladroite et saccadée mais qui, déjà, raconte quelque chose alors qu’il ne fait encore que marmonner. C’est pour lui qu’on est venu, c’est lui qu’on retiendra. Il n’a pas choisi le texte le plus passionnant qu’on ait connu – Beckett rôde surtout dans la forme. Mais il en tire le maximum. Il le tient. Il l’incarne. Il le possède. Le personnage s’invente un tout qui semble prendre vie sous nos yeux. Pour exister. Pour survivre. Il y a une forme d’urgence. Sami Bouajila est un boxeur du verbe. Le texte se perd parfois dans un certain pathos, mais il arrive à nous maintenir alerte. Et, sans prévenir, au détour d’une phrase, sans hausser le ton, sans y mettre d’effet, il balance une phrase qui a l’effet d’un uppercut. Et lorsqu’il salue, il ne permet aucun doute : il a gagné.

C’est vrai que j’ai pas été fan de ce texte, mais c’est celui qui m’a permis de revoir Sami Bouajila sur scène, alors je vais pas bouder mon plaisir. ♥ ♥

On en redemande !

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Critique de Qu’on en finisse, concert d’adieu, vu le 30 août 2023 au Théâtre de l’Essaïon
Avec Florence Andrieu et Flannan Obé, accompagnés au piano par Philippe Brocard

Flannan Obé, je l’ai découvert dans Lucienne et les Garçons, en 2005. Je n’avais même pas dix ans, les chansons ne m’étaient clairement pas destinées, je me demande d’ailleurs ce que j’en ai réellement compris, mais j’avais simplement a-do-ré. Je connais le CD par coeur et il fait partie des noms que je guette avec envie. Je découvre avec Qu’on en finisse qu’il forme un duo récurent avec Florence Andrieu, que je découvre, et pour tout vous dire : j’ai hâte !

J’ai hâte, et je sais que, ce soir, je vais passer une bonne soirée. Une intuition. Une impression. J’en suis sûre, en fait. Ce qui est bizarre, c’est que d’un côté j’en suis sûre et de l’autre je me demande comment ils vont faire pour tenir 1h20 avec un spectacle musical. En général, sur ce genre de spectacle, on est sur des formats plus courts. Mais dès qu’ils entrent en scène en fait, je comprends.

Je comprends que ce n’est pas juste un spectacle musical. C’est le spectacle de deux amis, de deux complices, qui ont probablement autant de bonheur à se retrouver sur ensemble sur scène que nous, spectateurs, à les y voir. Les entendre chanter, je me doutais que ce serait chouette. Mais les intermèdes parlés, ça, c’est le truc que j’avais pas prévu. Le truc en plus qui rend le moment assez unique.

Ils sont beaux, tous les deux. Leur plaisir est contagieux. Un sourire s’accroche sur mes lèvres au début du spectacle. Il ne les quittera pas. Je ne connais pas beaucoup des morceaux qu’ils ont choisis. Ce n’est d’ailleurs pas forcément toujours ma came musicalement parlant. Mais je me sens infiniment bien. Ils se chamaillent comme des enfants. Il y a une certaine insouciance dans l’air. On est un peu entre amis, ici. Elle a les yeux malins, rieurs, lui a ce regard à la fois vif et doux, et ces lumières qui se rencontrent font de véritables étincelles. Les regarder s’envoyer des punchlines provoque en moi une légère euphorie. Et finalement, 1h20, c’est passé vite. Très vite.

Y a plus qu’à espérer qu’ils feront comme tous les autres, et que ce concert d’adieu ne soit que le premier d’une longue série ! ♥ ♥ ♥

Que voir à Paris en cette rentrée 2023 ?

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C’est la rentrée ! Pour être tout à fait honnête, à l’heure où j’écris ces lignes, j’ai déjà vu mon premier spectacle de cette nouvelle saison 2023-2024 ! Et si cette première sortie donne le ton pour l’année à venir, elle va être chouette, c’est moi qui vous le dis (sauf pour le déjà retard dans mes articles, ça, clairement, on n’en veut pas !) ! En attendant, c’est la tradition maintenant, on se prend à rêver que tous les spectacles qu’on a sélectionnés seront bons – voire excellents, après tout, l’heure est encore au fantasme ! – qu’on restera toujours mordue sans trop sortir les crocs, et qu’on en sortira, d’une manière ou d’une autre, un peu grandis, un peu divertis, un peu apaisés, un peu différents de quand on y est entrés !

Flannan Obé, je l’ai découvert dans Lucienne et les Garçons, en 2005. Je n’avais même pas dix ans, les chansons ne m’étaient clairement pas destinées, je me demande d’ailleurs ce que j’en ai réellement compris, mais j’avais simplement a-do-ré. Je connais le CD par coeur et il fait partie des noms que je guette avec envie. J’ai hâte !

Qu’on en finisse ! – Théâtre Essaïon – A partir du 30 août

Je ne connais pas du tout cette pièce (ça arrive même aux meilleurs) mais la perspective de la découvrir incarnée par Nicolas Vaude m’enchante absolument.

Le neveu de Rameau – Théâtre du Ranelagh – A partir du 9 septembre

J’ai une relation amour-haine avec Michel Fau. Pour moi, il a été génial, puis il a eu une période un peu sombre, et puis il est redevenu assez génial (et puis il a un peu oublié de travailler sur Le vison voyageur cet été mais on a ri un peu quand même donc on pardonne). Bref, s’il est dans sa période géniale, ça vaut le coup. Et puis le voir partager l’affiche avec Régis Laspalès, je sais pas, ça m’a fait rigoler, on est bien peu de chose vous savez.

Piège pour un homme seul – Théâtre de la Michodière – A partir du 9 septembre

Quand j’ai vu l’affiche, j’ai d’abord eu un petit effet de recul – je ne me suis pas encore faite à la nouvelle charte graphique de l’Oeuvre, non, même si ça fait 7 ans, que voulez-vous. Mais difficile de passer à côté d’une distribution pareille : François Vincentelli, Éric Laugérias et Jeanne Arènes, mis en scène par Julien Boisselier de surcroît ? On fonce !

L’effet miroir – Théâtre de l’Oeuvre – A partir du 12 octobre

Je ne connais pas du tout Eva Rami, mais on m’en a suffisamment parlé à Avignon pour que j’aie envie de découvrir son seul en scène. Elle a fait complet au théâtre du Train Bleu et ce titre m’attire. Pas besoin de beaucoup plus pour aller faire un tour du côté du Lepic à la rentrée !

Va aimer ! – Théâtre Lepic – A partir du 29 septembre

J’ai découvert Les Funambules au 2016 grâce à la merveilleuse programmation du Vingtième Théâtre qui faisait la part belle aux spectacles musicaux. J’avais adoré, certaines des chansons sont devenues cultes (on est des Filles à pédés ou pas nous ?) et j’ai vraiment hâte de les redécouvrir dans cette version féminine !

Les Funambules – Elles – Théâtre Essaïon – A partir du 12 octobre

Anouilh et Emeline Bayart, il ne m’en faut pas beaucoup plus. D’autant que c’est un texte que je ne connais pas. Je signe direct !

La culotte – Théâtre de l’Athénée – A partir du 20 septembre

Attention, c’est pas Racine, c’est Sénèque (petite déception, oui oui, on sait). Mais c’est Georges Lavaudant (haaaaa !). Et Maxime Taffanel (ça vous dit peut-être rien mais je l’ai découvert au Off il y a quelques années et je suis simplement ra-vie de le redécouvrir dans un projet pareil !). C’est un go, quoi !

Phèdre – Théâtre de l’Athénée – A partir du 12 octobre

Bon ça c’est évidemment le truc à ne pas rater ! Alain Françon, déjà, c’est le GOAT, mais en plus avec Vincent Dedienne en Fadinard je pense qu’on ne peut même pas encore imaginer l’explosion que ça va être. Et je ne parle pas du reste de la distribution (Suzanne de Baecque keurkeur) ni de la composition musicale de Feu! Chatterton. Je peux juste vous dire que c’est le spectacle que j’attends le plus pour la rentrée.

Un chapeau de paille d’Italie – Théâtre de la Porte Saint-Martin – A partir du 27 septembre

C’est l’un de mes plus grands souvenirs à la Comédie-Française : L’Opéra de Quat’sous mis en scène par Laurent Pelly. C’est pour moi l’un des spectacles qui signe le début de la passion chevillée au corps, le truc qui ne peut plus s’enlever, jamais. J’ai un peu peur de découvrir cette nouvelle version, mais c’est un tel plaisir d’entendre chanter les comédiens-français (et de retrouver cette pièce !) que j’ai quand même bien hâte.

L’Opera de Quat’sous – Comédie-Française – A partir du 23 septembre

Ça m’a fait marrer. Ce pitch de concours de maisons de retraite sous forme d’émission de télé, vraiment, c’est terriblement intriguant. Et puis, même si je ne suis pas une grande fan de Christophe Montenez en tant que comédien, je suis curieuse de savoir quelle esthétique son collectif, Les Batards dorés, va donner à ce spectacle. Beaucoup d’attentes, en fait.

Et si c’étaient eux – Comédie-Française – A partir du 27 septembre

Les Filles de Simone, on ne les présente plus, ça fait des années que je les suis, j’ai raté leur spectacle à Avignon (mais parce que je savais qu’il viendrait à Paris, vous croyez quoi ?) et j’ai hâte de voir comment elles ont traité le couple (et d’en rire, beaucoup).

Derrière le hublot se cache parfois du linge – Théâtre 13 – A partir du 14 septembre

Hervé Pierre a quitté la Comédie-Française et on a décidé qu’on le suivrait partout. Son Homme de plein vent était un ovni théâtral qui laissera une trace en moi, et ce Tachkent s’avère plus que prometteur (Mamma mia la distribution !). Hâte !

Tachkent – Studio Marigny – A partir du 12 septembre

Bon je vais pas faire trop la meuf : je suis complètement perdue dans la saison du Rond-Point. Je n’ai plus aucun repère et ce sera donc un peu à l’aveugle pour cette année. Mais ce spectacle, j’en ai entendu beaucoup de bien d’un peu partout, alors voilà.

One Song – Théâtre du Rond-Point – A partir du 12 septembre

10 ans. Ça fait 10 ans que j’ai vu le Repas des fauves au Théâtre du Palais-Royal où il faisait salle comble. J’en garde un souvenir assez glaçant. J’hésite encore un peu à remettre ce souvenir en jeu, mais la présence de Thierry Frémont que j’adore et qui se fait rare au théâtre, est quand même un argument de poids.

Le Repas des Fauves – Théâtre Hebertot – A partir du 14 septembre

Écoutez, hein, voilà, qu’est-ce que vous voulez que je vous dise. Oui, la raison qui me pousse à aller voir ce spectacle c’est Sami Bouajila et oui le fait qu’il soit incroyablement beau pèse aussi dans la balance. Ok je suis une groupie mais pas seulement : je suis aussi complètement dégoûtée d’avoir manqué Disgrâce, dans lequel il devait incarner le premier rôle, programmé puis annulé au Théâtre du Rond-Point la saison dernière. On se rattrape comme on peut !

Un Prince – Théâtre de l’Oeuvre – A partir du 1 septembre

Ok, je le reconnais, ma première réaction ça a été no way. Mes derniers souvenirs avec Jacques Weber au théâtre sont trop décevants. Mais foutue curiosité oblige, on a quand même envie de voir ce que ça donne. Oui, c’est de la curiosité malsaine, je sais, mais voilà, c’est comme ça.

Ruy Blas – Théâtre Marigny – A partir du 27 septembre

J’ai raté Stallone (mais c’était voulu, je ne le sentais pas), mais je dois dire que ces Gratitudes proposées par le même metteur en scène me font davantage envie. Sans doute parce que Catherine Hiegel, hein, on va pas se mentir. Et puis la présence de Pascal Sangla, c’est quand même gage de qualité. Bref, curieuse.

Les Gratitudes – Le 104 – A partir du 8 novembre

J’avais du mal avec Sebastien Thiery car ses fins me frustraient toujours énormément, mais je dois reconnaître que Demain la revanche m’a un peu réconciliée avec l’auteur. Du coup, ce Video Club, pour Yvan Attal et Noemie Lvovsky, pourquoi pas !

Video Club – Théâtre Antoine – A partir du 14 septembre

J’ai l’impression que le nom de Delphine Horvilleur est sur toutes les bouches depuis quelques temps. J’aurais aimé avoir le temps de lire au moins l’un de ses livres avant de découvrir le spectacle – j’avoue avoir un peu peur de passer à côté – mais je suis vraiment intriguée.

Il n’y a pas de Ajar – Théâtre de l’Atelier – A partir du 1 septembre

J’avais beaucoup aimé Les Voyageurs du crime et Le Cercle de Whitechapel avait eu de très bons retour. L’heure des assassins reste dans le créneau du théâtre policier, c’est quelque chose qu’on ne voit pas si souvent, et surtout aussi bien fait !

L’heure des assassins – Théâtre du Lucernaire – A partir du 25 octobre

Je ne suis pas une grande fan de Claudel, par contre j’adore Mathilde Bisson et François Deblock. Et puis Le Poche, c’est quand même la tradition !

L’Échange – Théâtre de Poche-Montparnasse – A partir du 12 septembre

#OFF23 – Fourmi(s)

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Critique de Fourmi(s), de Florian Pâque, vu le 23 juillet 2023 au Théâtre du Train Bleu
Avec Florian Pâque et Nicolas Schmitt, mis en scène par Florian Pâque

J’avais découvert Florian Pâque dans Etienne A. à la Scala l’année dernière. J’avais trouvé le spectacle intéressant, suffisamment pour que son nom m’interpelle dans le programme du OFF mais pas suffisamment pour qu’il trouve sa place immédiatement dans le planning. Et puis en discutant dans une file d’attente des Béliers, on m’a parlé de ce spectacle de manière à la fois élogieuse et légèrement mystérieuse. Bref, on m’a donné envie !

Quand on regarde la ville de tout là-haut, depuis le toit de cette tour immense où Antoine et Jérémy ont pris l’habitude de se poser, les habitants ont l’air de petites fourmis. Ils s’affairent, ils s’agitent, mais dans quel but, exactement ? Antoine ne veut pas être une fourmi. Il veut son indépendance, gagner beaucoup d’argent et partir en Thaïlande où la vie semble idéale. Et cette indépendance, il sait comment l’obtenir. Il va devenir chauffeur VTC pour La Plateforme. Là est son salut.

Je tiens à saluer tout particulièrement ce qui a été pour moi la plus jolie scénographie du festival. La plus jolie, la plus utile, la plus intelligente, la plus efficace. Elle a quelque chose d’envoutant, et même si on a la voit de notre place de spectateurs, on comprend l’effet de rêve sur notre personnage.

Ce spectacle est une fable poétique, politique et sociale, parfaitement équilibrée. Il y a une vraie place pour la fiction, pour le dessin des personnages, pour leurs émotions et leurs rêves. Mais il y a aussi de la place pour un propos, là, en filigrane, cette critique en creux de l’ubérisation de la société et des rêves qu’elle tente de combler. C’est étonnamment construit, parce qu’on sent un étau qui se resserre petit à petit, mais pas par des moyens qu’on connaît. Le rythme n’accélère pas particulièrement. C’est indicible. C’est là, quelque part dans le texte et sur le visage des personnages.

C’est un grand plaisir de retrouver Nicolas Schmitt sur scène. Il apporte quelque chose de particulier à ce personnage. Son Antoine est touchant, désarmé, désarmant. Il a le sourire de ceux qui ne savent pas réellement où est leur place, et le regard fuyant de ceux qui n’osent pas poser leurs yeux sur les choses. Comme un peu gênés d’être là. Le personnage, je ne sais pas, mais le comédien, lui, est vraiment à la bonne place.

Et ça y est, on a déjà hâte de découvrir le prochain Florian Pâque ! ♥ ♥ ♥

#OFF23 – Iphigénie à Splott

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Critique d’Iphigénie à Splott, de Gary Owen, vu le 16 juillet 2022 au 11 Avignon
Avec Gwendoline Gauthier accompagnée de Pierre Constant et Julien Lemonnier, mis en scène par Georges Lini

C’est pour ce titre intriguant que j’ai d’abord choisi Iphigénie à Splott. Je ne savais rien du spectacle, mais j’ai plutôt confiance dans la programmation du 11. Et puis Avignon a commencé et j’ai entendu de plus en plus de rumeurs sur ce spectacle. Que c’était LE truc à voir cette année. La pépite. Le coup de coeur. Je me méfie des bruits qui courent un peu trop dans le OFF – je me suis déjà fait avoir – alors je n’ai rien lu et je suis arrivée comme ça, comme quand j’ai choisi ce spectacle, juste curieuse. Et j’ai pris une petite claque.

La comédienne entre en scène. Elle balance une phrase au public. Et ça commence. Et ça ne s’arrêtera pas. Ce personnage a la rage. Elle a quelque chose dans le ventre qui va sortir dans un long monologue dans lequel elle racontera son histoire. Celle d’Effie, une jeune fille de ces quartiers pauvres de Cardiff, où tout n’est que misère. Celle d’une vie où le désespoir semble avoir tout contaminé. Et où soudain, une lumière a pointé le bout de son nez.

On aurait envie de dire que c’est un ring, mais ce n’est pas tout à fait ça. C’est un combat perdu d’avance, un combat injuste, un combat trop lourd à mener. Effie a un genou à terre mais elle continue à donner des coups. Elle donne l’impression que rien ni personne ne l’arrêtera.

On aurait envie de dire que c’est mené tambour battant, mais ce n’est pas tout à fait ça. C’est mené voix battante. Voix guitare basse violon synthé battants. C’est ce rythme effréné qui donne cette impression de flot inarrêtable. Ce déferlement de détresse, on se le prend dans la gueule. Littéralement.

Je dois reconnaître qu’au bout d’un moment, j’ai cherché un endroit où m’échapper. C’est tellement de rage, tellement de violence, tellement de malheur. Elle ne se laisse aucun répit, donc elle ne nous laisse aucun répit. Si elle prend, on prend. On est en apnée devant sa performance. Elle est constamment à la limite du supportable. Elle pose des petits orteils dessus mais ne la franchit jamais. Elle sait tenir son public en haleine, portée par les musiciens et les lumières. Elle sait manier les changements de rythme. Elle fait faire naître l’espoir. Elle sait utiliser cette lumière. Elle sait. Bravo.

Le bouche-à-oreille était donc mérité. C’est un coup de poing. ♥ ♥ ♥

#OFF23 – Les Michel’s

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Critique des Michel’s, conçu par Sophie Jolis, vu le 21 juillet 2023 à l’Arrache-Coeur
Avec Sophie Jolis, Guillaume Nocture, Michel Goubin, mis en scène par Hélène Darche

Les Michel’s, c’est un spectacle qui m’a fait de l’oeil toute l’année à Paris, mais les contraintes de la vie réelle ont fait que je n’ai jamais réussi à le caser. Oui mais voilà, Avignon ce n’est pas la vie réelle, l’agenda devient presque extensible et à force de tetris on arrive à faire rentrer une grande partie des envies. Et ce spectacle-là était devenu une envie non négociable. Je savais qu’il était pour moi.

L’idée est simple : tout ce qui sera dit sur scène (ou presque) aura été écrit, composé, chanté, par un Michel. C’est une très chouette base, parce que des Michels de génie (et même de moins génie), il y en a un paquet. Il y a tellement de matière en vérité que l’univers des possibles semble infini. Et qu’ils ont même moyen de nous étonner.

Mais quel bonheur ! C’est le genre de spectacle qu’il me fallait, parfait pour relancer mon dernier week-end avignonnais. C’est un spectacle qui donne la pêche, qui ne s’embête pas à se demander si on met en avant davantage les chansons à textes, les chansons légères, les chansons rigolotes, ou les chansons d’amour : elles sont toutes sur le même plan, servies avec le même enthousiasme, la même générosité, la même énergie ! Les trois artistes sont formidables et parviennent à habiller chaque chanson d’une émotion particulière sans jamais forcer le trait.

L’une des grandes réussites de ce spectacle réside sans doute dans les arrangements musicaux. Ils sont vraiment étonnants. Ils diffèrent des accompagnements qu’on connaît ce qui permet d’abord un certain plaisir de spectateur lorsqu’on essaie de reconnaître la chanson qui s’annonce – mais sans déception lorsqu’on ne la connaît pas, parce que découvrir une chanson c’est toujours chouette et qu’on les a TOUTES aimées ! – mais qui laisse surtout aux artistes une grande liberté. En effet, ces arrangements permettent de faire vivre plusieurs chansons simultanément et donc de densifier encore l’offre musicale – pour notre plus grand bonheur. Et même ces chansons qu’on ne chantera pas, on leur fera un petit clin d’oeil avec un petit aparté au piano (avec l’arrangement original cette fois-ci) ou un bon mot. Ils ont pensé à tout le monde, et on aimerait que ça ne s’arrête simplement jamais !

Un spectacle qui donne envie de pousser la chansonnette – il paraît même que vous y aurez droit à la fin ! ♥ ♥ ♥

#OFF23 – Agathe Royale

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Critique d’Agathe Royale, de Jean-Benoît Patricot, vu le 14 juillet 2023 au Théâtre des Gémeaux
Avec Catherine Jacob et Brice Hillairet, mis en scène par Christophe Lidon

Bon j’avoue j’ai repéré le nom de Brice Hillairet avant de voir celui de Catherine Jacob dans la distribution. J’ai l’impression que les spectacles sur les divas déchues ou en passe de l’être sont à la mode… et tant mieux, car ils peuvent donner lieu à de beaux moments de théâtre !

C’est officiellement le début de spectacle le plus génial de mon Festival. Et peut-être que le spectacle le paie aussi. Parce que passé ce début formidable, il faut parvenir à maintenir le niveau. Et ce n’est pas évident. Alors oui, Catherine Jacob fait le show, et ça reste un chouette moment. Mais l’intérêt redescend quand même à de nombreuses reprises. On va chercher quelques poncifs pour évoluer hors de notre sujet de départ et faire avancer la conversation, et on se retrouve dans un dialogue qui perd en substance…

Il aurait peut-être fallu rester sur le show Catherine Jacob, sur la diva, sa vie, son oeuvre, sa grandiloquence, ses caprices. Il aurait peut-être fallu que son partenaire ne soit qu’une utilité, presque une réplique, et prendre un comédien moins connu. Il aurait peut-être fallu s’autoriser un spectacle court, une heure voire moins. Il aurait peut-être fallu oser ce sujet vraiment, oser le creuser vraiment, oser l’assumer et pas le considérer comme une prétexte. Et là, vraiment, je crois que j’aurais été conquise.

D’autant que les deux comédiens, pour une raison qui m’échappe, sont sonorisés. Or Catherine Jacob avait vraisemblablement des problèmes avec son micro le jour où j’y étais, entraînant la sonorisation excessive de ses bruits de bouche et de ses respirations. Pour la grande misophone que je suis, autant vous dire que le spectacle a été vécu dans la souffrance. Heureusement que Catherine Jacob a l’une des plus belles dictions que je connaisse, sinon, vraiment, on aurait tout perdu avec cette sonorisation. J’ai appris depuis l’hospitalisation de Catherine Jacob, à qui je souhaite évidemment un prompt rétablissement.

Quand on pense à ce qu’elle aurait pu faire avec un autre texte, on se dit qu’on est peut-être passé à côté d’un grand moment de théâtre. ♥ ♥