Critique du Malade Imaginaire de Molière, vu le 4 Juillet 2011 à la Comédie-Française
Avec Julie Sicard/Muriel Mayette, Gérard Giroudon, Catherine Sauval, Michel Favory, Alain Lenglet, Alexandre Pavloff, Laurent Stocker, Léonie Simaga/Julie Sicard, Loïc Corbery/Laurent Stocker, Nicolas Lormeau, Adrien Gamba-Gontard,  Emma Cachau/Héloïse Giret/Maud Lamy/Cécile Vaubaillon, Nathalie Macé et Camille Turlot, Carole Ségura-Kremer, Valérie Wuillème, Laurent Bourdeaux/Christophe Grapperon, Christophe Ferveur, Jorris Sauquet, Emmanuelle Guigues/Marion Martineau

J’ai déjà vu la pièce, dans la même mise en scène, au même endroit, lorsque j’avais 6 ou 7 ans. J’étais malade, peut-être trop jeune aussi, et je n’ai donc pas pu apprécier pleinement la pièce. Aujourd’hui, bien que je n’aie certainement pas tout compris, j’ai beaucoup plus saisi l’importance de cette pièce, sa richesse, et surtout le fait que c’est une pièce complète : tout d’abord par rapport aux personnages – Molière met en scène un enfant, ce qui est quasi-inexistant dans le monde théâtral – mais aussi sur les thèmes abordés, sur le fait que ce soit une comédie autour de sujets sérieux, tels que l’argent ou la médecine. Enfin, c’est la pièce où Molière fait référence à lui-même, et ça … ce n’est pas permis à n’importe qui !

La mise en scène de Claude Stratz, décédé en 2007, est celle que la Comédie-Française reprend lorsqu’elle décide de jouer Le Malade Imaginaire : c’est très compréhensible, car c’est une mise en scène parfaitement au service du texte : chose rare à la Comédie-Française, il n’y a aucune complexité. C’est simple et complet, sans être superficiel.

Il faut aussi savoir que, lorsqu’on a pareille mise en scène jouée à la Comédie-Française, cela donnera forcément (au moins) quelque chose de bien. Mais quelques perturbations peuvent arriver, et qui empêcheront le spectacle d’être parfait … Le trou de Michel Favory (il jouait Monsieur Diafoirus) qui se remarque, par exemple … Oui, car monsieur Favory a, hier, eu un oubli de texte très visible, car il a commencé à bafouiller – alors que, sur cette pièce, ce n’est pas très dur d’improviser – puis on a entendu un souffleur quelconque lui dire sa réplique – le moins discrètement du monde. Cela entraine une peur chez les autres acteurs : ils craignent une récidive… Ainsi, quand Favory a fait une pause de quelques secondes entre deux phrases, lors d’une scène suivant « l’incident », Julie Sicard, craignant un second trou, a enchaîné directement sur sa réplique : mais cela a créé une confusion car Favory connaissait son texte cette fois-ci, et il a donc parlé en même temps que Julie Sicard … qui a dû répéter ce qu’elle venait de dire juste après la fin de la réplique de Favory : cela n’est donc pas passé inaperçu aux yeux du public. Un autre élément m’a un peu gâché la pièce – non, j’exagère : une seule scène : il s’agit de Louison. 4 enfants sont en alternance pour le rôle, je ne sais donc pas celle que j’ai vue hier… Mais elle n’était vraiment pas bonne. D’accord, c’est une enfant, mais je suis sûre qu’on peut trouver de meilleures actrices de 10 ans qu’elle … car enfin, elle parlait tout bas – je n’aurais rien entendu si je n’avais pas été à l’orchestre – on ne comprenait pas ce qu’elle disait car elle avalait certains mots … Enfin, heureusement qu’elle n’a pas grand chose à dire. Mais cette scène, qui devrait être comique, m’a ici surtout paru longue. Enfin, j’aimerais mentionner un nom, qui est sûrement connu de vous :  il s’agit de Loïc Corbery. Ce jeune acteur dont tout le monde chante les louanges, et que j’ai moi-même complimenté (voir ici) après Badine, semble restreint à un seul « ton de jeu » : il semblait jouer Perdican. En tout cas, je n’ai vu aucune différence de style, entre Cléante et Perdican … Bien que proches – jeunes amoureux, voulant se marier, obstacle à leur mariage – , les personnages ne sont pas non plus les mêmes : dans la version de Badine présentée par Yves Beaunesne, Perdican appairaissait un peu sombre, assez brutal … Ce qui n’est pas du tout le cas de Cléante ! Ce ton grave qu’il prend lorsqu’il est Perdican ne s’accorde pas avec le ton, beaucoup plus comique et léger, de Cléante. Bref, il ne faudrait pas que Corbery se mette à « faire du Corbery » … ce n’est pas parce qu’il est sociétaire de la Comédie-Française que tout est acquis … Je suis peut-être un peu dure, c’est vrai, mais c’est à cause d’une légère déception …

Mais finissons avec les notes négatives, et passons à ceux que j’ai trouvés « bons ». « Bons », c’est-à-dire qu’ils étaient dans leur personnage, qu’ils jouaient bien, mais que ce n’était pas transcendant : Catherine Sauval (Béline), et Alain Lenglet (Béralde).

Enfin, j’ai gardé le meilleur pour la fin : voici ceux qui m’ont beaucoup plu. Tout d’abord, Léonie Simaga, qui, malgré son petit rôle (Angélique), parvient à se détacher du lot des « bons » : c’est vraiment une actrice que j’apprécie énormément et qui, à chaque fois que je la vois, parvient à dépasser ce que j’attendais pour son rôle … Je dois également parler de Julie Sicard, parfaite en Toinette : physique idéal – elle est plutôt petite et très vive – elle a un je-ne-sais-quoi de comique, auquel on ajoute un grand talent de comédienne : voici une Toinette en bonne et due forme ! Parlons aussi de Gérard Giroudon, malade en barbotteuse, attendrissant dans ses moues, étonnant dans ses (quelques) instants de colère, surprenant lorsqu’il sort subitement de sa « mort » … Magique. C’est, somme toute, un excellent malade. Et enfin, vient celui que j’ai le plus apprécié ; il s’agit d’Alexandre Pavloff, qui incarnait Thomas Diafoirus, promis à Angélique. Eh bien, il était tout simplement extraordinaire : Thomas est un rôle de composition, et Pavloff s’est réincarné en un personnage ridicule à souhait : maquillé, plein de tocs, avec une démarche trop solennelle, c’est ici le meilleur Diafoirus que l’on puisse imaginer, à mon humble avis !

J’ai également remarqué une grande utilisation des bruitages : le vent, le chien, le tic-tac de l’horloge … Je ne suis pas fan, car leur utilisation n’était pas toujours nécessaire…

C’est donc, comme on pouvait s’y attendre, un excellent Malade Imaginaire, qui frôle le parfait … Mais peut-être que nous avons assisté à une des plus mauvaises sans le savoir – paradoxe, car ce serait une « plus mauvaise qui reste excellent »…

Critique d’On ne badine pas avec l’amour d’Alfred de Musset, vu le 22 juin 2011 au Théâtre du Vieux Colombier

Devinez qui était présent dans la salle, ce soir là … Vous ne trouvez pas ? Je vous le donne en mille : Thierry Hancisse, sans doute venu pour assister à la performance de ses camarades… Mais fermons cette parenthèse et entrons dans l’histoire.

Perdican et Camille sont cousins, et amis d’enfance. Ils ont étudié loin l’un de l’autre ; Perdican est à présent Docteur. Camille, quant à elle, a passé sa jeunesse dans le meilleur couvent de France. Alors, quand ils reviennent au château du père du jeune homme, le Baron, qui a prévu de les marier, leur relation a bien changé ; d’un côté Perdican, heureux de revoir sa cousine qu’il aime, heureux de se marier, heureux de vivre ; de l’autre Camille, orgueilleuse, croyant le couvent qui la pousse presque à avoir peur des hommes.

Comme à l’habitude, au Français, nous n’avons ici que des acteurs de talent ; Loïc Corbery particulièrement, brille en jeune premier : c’est un Perdican plutôt noir et agressif, vœux du metteur en scène. Ce jeune acteur est très vif, et la scène où il bloque Camille et l’empêche de sortir montre la justesse de ses mouvements. Sa partenaire, Julie-Marie Parmentier, lorsqu’on fait abstraction de son timbre de voix toujours égal (et d’une légère particularité de diction sur ses [k]), joue bien l’orgueilleuse. Elle a, de plus, le physique que j’aurais imaginé en lisant la pièce : elle est petite et rousse (on aurait également pu l’imaginer blonde), et fait très « enfant sage » ; ainsi, elle paraît très sincère dans son rôle de fille qui veut devenir religieuse. Mais un troisième élément vient troubler ce couple : c’est Rosette, sœur de lait de Camille : c’est elle qui subit l’amour des deux jeunes gens, car c’est vers elle que se dirige Perdican après le refus de Camille. C’est Suliane Brahim, cette actrice très touchante, qui l’incarne. Je dis touchante, car elle possède un je-ne-sais-quoi dans sa voix et ses mimiques qui nous la fait aimer, qui nous pousse à vouloir son bien, alors qu’elle ne fait que souffrir durant la pièce. Elle a une voix très particulière, qui d’abord peut paraître désagréable, mais finalement, on s’y habitue et on ne peut plus s’en lasser. Voilà pour ce qui est du trio des jeunes ; mais un autre groupe, quatuor cette fois, est également présent ; il est en contraste avec le sérieux des jeunes gens, car il s’agit ici des personnes plus âgées, qui ont déjà fait leur vie, et cela créé donc des personnages plus légers : c’est d’ici que vient le comique de la pièce ; tout d’abord le Baron (Roland Bertin), père de Perdican, qui accueille chez lui Maître Bridaine, le curé (Pierre Vial) et Maître Blazius, le gouverneur de Perdican (Christian Blanc) : tous deux semblent avoir un problème avec l’alcool, et chacun accuse l’autre auprès du Baron. Ces trois acteurs, malgré leur grand âge, sont parfaitement dans leur rôles, il nous font rire et permettent à la pièce de « s’aérer » un peu entre deux scènes plus graves. Enfin, la gouvernante de Camille, Dame Pluche, incarnée par Danièle Lebrun, petite mais forte femme : elle aussi semble parfaitement en accord avec ce que demande le rôle (qualité et justesse, d’accord, mais aussi beaucoup de vivacité).

Enfin, parlons de ce qui m’a le plus gênée dans la pièce : tout d’abord, je m’attendais tellement à quelque chose d’extraordinaire, car tout le monde le présentait comme le Badine du siècle, que j’ai été presque déçue. Je précise d’ores et déjà que le metteur en scène a choisi de situer la pièce dans les années 1950 : les costumes et les accessoires rappellent l’époque (mange-disque …). Mais ce qui m’a assez déroutée, c’est la mise en scène ; n’ayant pas lu la pièce (c’est un choix : j’aurais eu largement le temps de la lire entre le moment où on a pris les places et le 22 juin), il y a quelques scènes que je n’ai pas entièrement saisies : les petites disputes entre Blazius et Bridaine ne m’ont pas paru toutes claires, et plusieurs scènes ne sont pas conformes au texte, ce qui nous embrouille un peu : normalement, il doit y avoir un chœur de paysans, mais le metteur en scène a distribué son texte entre Rosette et Blazius, et en a même supprimé une partie … Par exemple, dans la scène du début, Rosette assiste à l’arrivée de Perdican, elle le voit mais lui ne la voit (étrange, elle est dans la même salle que lui) jusqu’à leur scène de rencontre ; voilà un changement qui ne paraissait donc pas essentiel.  Autre chose : je n’aime pas beaucoup le « double-plateau » qu’il a créé : il sépare la scène en deux à l’aide d’un drap, et permet ainsi à tous les personnages d’être présents même s’ils n’ont pas à l’être : cette nouvelle mode de faire apparaître tous les acteurs en même temps me paraît totalement inutile. Cela crée même des confusions car, lors d’une scène entre Perdican et Camille, le Baron et père de Perdican est présent, sur une chaise, il dort. Où est l’utilité ? J’ai vérifié dans le texte, il ne doit pas être présent … ou même, il y a un instant où Perdican est censé être « sur la place, suivi par tous les polissons du village », et où on le voit, assis, adossé au billard. Pourquoi ?

Enfin, je trouve que la scène est trop souvent baignée dans l’ombre … Il me semble pourtant que, bien que grave par instants, ce n’est pas une pièce excessivement sombre … Mais ceci est un « truc » du metteur en scène ; il a mis en scène le Partage de Midi, où tout était déjà très sombre …

Tout ceci mêlé reflète un des plus grands défauts de la Comédie-Française : la complexité des mises en scène … Ils recherchent trop, et le résultat ne donne pas vraiment quelque chose au service du texte.

Dans l’ensemble, j’ai donc été presque déçue, et j’estime qu’ici, le jeu des acteurs est bien au-dessus de la mise en scène … Toujours faire attention à ne pas trop rechercher non plus…

Critique d’Agamemnon de Sénèque, vu le lundi 20 juin 2011 à la Comédie Française
Avec Michel Favory, Cécile Brune, Françoise Gillard, Michel Vuillermoz, Elsa Lepoivre, Julie Sicard, et Hervé Pierre, mis en scène par Denis Marleau

Agamemnon rentre vainqueur de la guerre de Troie après 10 ans d’absence. Mais il ne rentre pas seul : il est accompagné de Cassandre, sa maîtresse troyenne, fille de Priam. Clytemnestre, sa femme, et Egisthe, son amant, préparent puis accomplissent son assassinat. C’est une tragédie que j’avais étudiée au début de mon année, et j’ai donc pu aisément suivre la pièce, bien que je ne sois pas experte en mythologie – car oui, cette pièce regorge de Noms Mythologiques …

J’ai donc pu, hier, grâce à un ami extraordinaire, aller voir Agamemnon, à la Comédie-Française. Le style est très particulier, on ne fait plus de pièces comme ça, avec chœurs, sans actes (pas d’actes dans le théâtre antique), avec des récits très longs en hypotypose. Le monologue domine très largement (j’inclus dans « monologues » les scènes où, même si plusieurs personnages sont présents, un seul parle – il fait un récit, en général ; comme le récit de la Tempête).

Ici, Denis Marleau nous présente une bonne version de cet Agamemnon ; il rend les chœurs peut-être moins « pesants » en utilisant à bon escient la vidéo : regardez la photo, c’est Clytemnestre qui s’interroge et qui hésite. Derrière elle, on peut apercevoir des visages. Il s’agit bien des chœurs : lorsqu’ils interviennent, on projette des vidéos de visages parlant sur les têtes modelées dans le mur, mur recouvert d’un drap sur ses parties planes. Je peux tout de même reprocher à cette mise en scène le reste des décors : malgré la bonne idée pour les chœurs, je m’interroge sur ces grands murs mobiles : quelle est leur utilité ? D’accord, ils servent à faire entrer les personnages (ils se cachent derrière un mur, avancent en même temps, puis se positionnent et le mur « repart sans eux »), mais cela aurait pu se faire plus facilement, d’une manière plus habituelle : sans rien !

J’ai été interloquée par la fin de la pièce : les personnages présents sont alors Cassandre (Françoise Gillard), Clytemnestre (Elsa Lepoivre), sa fille Electre (Julie Sicard), et enfin Egisthe (Hervé Pierre). Il parlent, chacun à leur tour (comme le veut le texte … et l’intelligibilité). Mais tout à coup, alors qu’ils se sont arrêtés et qu’il devrait y avoir un Noir, ils reprennent, le même texte qu’ils viennent de dire, mais tous en même temps : comme l’a dit une personne de mon entourage, cela fait alors « scène de famille », plus que « scène de Sénèque ».

Je reproche une dernière chose à la mise en scène : les acteurs portent des micros. Pourtant, cela ne leur est pas nécessaire ; ils ont des voix qui portent. De plus, cela change quelque peu leur ton, par exemple, moi qui adore la voix de Cécile Brune, j’ai été déçue par ce que j’entendais  lorsqu’elle parlait dans son micro … quelque chose d’infime avait changé.

Mais Agamemnon reste tout de même un spectacle de qualité ; le jeu des acteurs est digne du Français : j’ai particulièrement apprécié le récit de la tempête par Michel Vuillermoz (très bon acteur que j’avais déjà vu en Cyrano), car c’est un passage qui peut paraître ennuyeux lorsqu’il est mal dit … mais qui est particulièrement beau lorsqu’il est vu. Pas vu au théâtre. Vu par l’acteur. Car, hier, c’est l’impression que donnait Vuillermoz : son personnage, Eurybate, semblait réellement revivre la tempête : il découvrait, il observait, il craignait.

Je pense que la pièce peut être déroutante si on ne sait pas à quoi s’attendre – c’est du Sénèque, c’est entremêlé de chœurs longs et, pour certains, « sans grande utilité pour comprendre la pièce » (comme l’hymne à Hercule) c’est quasiment toujours très sombre, alors si vous y allez il ne faut pas vous endormir comme l’homme qui était derrière moi !